В Галерее искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков ГМИИ им.А.С.Пушкина проходит выставка «Коллекция Fondation Louis Vuitton. Избранное». Впервые со дня основания Фонда в 2006 году столь масштабная часть коллекции покидает территорию Франции: 65 работ 20 художников, созданных в 1947-2018 годах. Фонд возник на базе личной коллекции Бернара Арно, президента концерна LVMH (Louis Vuitton — Moët Hennessy). На сегодняшний день ему принадлежит более 330 работ 120 художников, для размещения которых в 2014 году построили здание в Булонском лесу в Париже по проекту знаменитого американского архитектора Фрэнка Гери. К чему готовиться, что не сообщают экскурсоводы, и какие работы выложить в Instagram рассказывает Наталья Панкратова.
КТО УСТРОИЛ И ЧТО ПОКАЗЫВАЮТ
Главный куратор выставки — арт-директор Фонда Сюзанн Паже. Отбор работ осуществлялся совместными усилиями с директором Пушкинского музея Мариной Лошак «по велению сердца». Дизайн выставки был разработан архитектором Фонда Жаном-Франсуа Боденом. Выставка послужила продолжением тесного сотрудничества фонда и музейной институции Москвы. Она стала ответом на грандиозную выставку в Париже объединенной коллекции Сергея Щукина в 2016 году. Сегодня у нас есть счастливая возможность увидеть эту выставку в Главном здании музея, сравнить и найти параллели двух совершенно разных и в чем-то схожих собирателей: текстильного короля дореволюционной России Сергея Щукина и современного мультимиллионера Франции Бернара Арно. Как и для Сергея Щукина, для Бернара Арно определяющим является личный вкус, пристрастия и путь познания в искусстве через увлечение новым художником. Коллекционирование идет по четырем магистральным направлениям: субъективно-экспрессионистическое, когда выбираются художники, размышляющие над глобальными вопросами бытия; поп-направление; музыкально-звуковое и созерцательное искусство.
ЧТО ПОКАЗЫВАЮТ И ЧЕГО НЕ РАССКАЗЫВАЮТ ЭКСКУРСОВОДЫ
Организаторы ставили перед собой две задачи — с одной стороны, представить все знаковые работы коллекции Фонда. А с другой стороны — проследить линию развития европейского и американского искусства начиная от импрессионистов и постимпрессионистов и заканчивая Альберто Джакометти, Ивом Кляйном, Герхардом Рихтером, Энди Уорхоллом, Дэном Флавианом.
Интересная идея кураторов — представить возможное будущее продолжения коллекции Сергея Щукина, попытаться найти взаимосвязи искусства начала ХХ и ХХI веков. Поэтому выбор работ Фонда обошёл стороной некоторые направления: не затронуто творчество китайских, японских, корейских художников, нет представителей абстрактного экспрессионизма и радикальных опытов в искусстве (венский акционизм, перформансы, концептуальные работы-инструкции и многое другое).
Творчество современных художников невозможно обсуждать в отрыве от происходящего в мире: переживаний послевоенной травмы, перелома 1968 года, антимилитаристских настроений, перемещения художественного центра в Нью-Йорк. Ситуацию в Америке 1970-1980 гг. вы почувствуете, погружаясь в творчество Жана-Мишеля Баския (долгожданного в нашей стране). В этом году к нам приехали сразу три его масштабных произведения: «Grillo» (1984), «Стереотип Наполеона около 44» (1983), «Негритянский период» (1986).
КАК УСТРОЕНА ВЫСТАВКА, СОВЕТЫ КАК ЕЕ СМОТРЕТЬ
Выставка занимает 3 этажа Галереи. В вводном зале и на лестнице находятся самые большие работы: «Большая женщина II» (1960) Альберто Джакометти, «Антропометрия, без названия (ANT 104)» (1960) Ива Кляйна, «Баллада о Троцком» (1996) Маурицио Каттелана. Первая скульптура затрагивает проблему экзистенциального существования человека, его потерянности, одиночества, исчезновения телесности. Его видимый образ — лишь тень, отражение в луже, мерцание в лучах палящего солнца. Именно отсюда берут начало вытянутые, изможденные, уязвимые фигуры людей Джакометти.
Работа Ива Кляйна, расположенная напротив, — это новая попытка начать все заново, «проявить» телесности, создать пространство нематериальной чувствительности и потенциальности. Новые надежды были связаны с освоением Космоса в 1960-е гг и очередной попыткой заставить науку и технику служить человеку. Поднимаемся по лестнице, переживаем крушение надежд и вступаем на альтернативный путь развития мира вместе с Маурицио Каттеланом. Теперь мы готовы пройти по первому этажу.
В самом первом зале представлен дом Фонда в Париже — здание Фрэнка Гери. Интересно, что его внутреннее пространство было отдано на откуп разным современным художникам. В гроте музея при входе расположена масштабная желто-зеркальная инсталляция известного художника современности Олафура Элиассона «Внутри горизонта» (2014). Для Элиассона горизонт — не линия, а новое измерение, он ставит под сомнение линейность и дематериализует пространство вокруг. Вы сможете погрузиться в этот процесс, наблюдая представленный в зале видеоряд. Также уделите внимание макету музея-парусника.
Первый этаж составлен из монографических ансамблей классиков современного искусства: Альберто Джакометти, Герхарда Рихтера, Жан-Мишеля Баския, Энди Уорхолла, Кристиана Болтански, Маурицио Каттелана. В залах второго этажа представлены художники, объединенные в концептуальные композиции. Вы проследите различные подходы в использовании материалов, убедитесь в невероятных возможностях воздействия минимализма, почувствуете, как художники затрагивают злободневные и актуальные темы современности. На третьем этаже можно полистать все каталоги выставок, прошедших в Fondation Louis Vuitton со дня открытия в 2014 году, рассмотреть знаменитые дизайнерские лампы Фрэнка Гери в виде рыб (художнику они напоминают о детстве с бабушкой, которая готовила свежего карпа на шабаттный ужин). Завершит выставку двухканальное видео об истории строительства музея фонда. По договору с городскими властями через 55 лет это здание перейдет в собственность Парижа — в этом можно увидеть перекличку с идеями меценатства и просветительства, принятыми у наших дореволюционных собирателей Щукиных, Морозовых и Третьяковых.
КАКИЕ РАБОТЫ ВЫЛОЖИТЬ В ИНСТАГРАМ:
«Антропометрия, без названия (ANT 104)» (1960) Ив Кляйн
После посещения выставки Вы будете много раз возвращаться в воспоминаниях к невероятному синему цвету работы Ива Кляйна. В 1960 году он зарегистрировал формулу IKB (International Klein Blue), смешав пигмент ультрамарин с синтетической смолой, чтобы он не тускнел. По легенде, увлечение синим цветом захватило Кляйна в юности, когда он проводил лето в Ницце со своими друзьями Клодом Паскалем и Арманом Фернандезом. Лежа на пляже, они разделили мир на троих: Арман взял землю, Клод - слова и все, что ими можно выразить, а Иву досталось небо. Он представил бездонную синеву своим полотном, подписал его и посчитал своим лучшим произведением искусства. Налетели птицы и испортили шедевр, изрядно разозлив художника. Так же синий цвет восхищал его на полотнах Джотто, как пример стремления к высокому, духовному и бесконечному.
«Сирень» (Диптих, 1982) Герхард Рихтер
Работу Герхарда Рихтера «Сирень» можно смело поставить на заставку своего мобильного телефона, так она будет каждое утро пробуждать своей свежестью и весенним настроением. Мастер работает в совершенно разных жанрах: от фотореализма, до абстракции. И часто фигуративное изображение делает нечетким, не ясным, размывает, а иногда почти полностью скрывает за слоем абстракции. Так, по сути, работает наша память. Знания накапливаются и постепенно проявляются в некоторый образ, а иногда видимый образ исчезает с течением времени. Поэтому даже в абстракции мы силимся что-то различить, как порой пытаемся что-то припомнить. Вглядываясь в абстракцию, мы наслаждаемся движением руки художника, композицией цветовых пятен и ритмом работы. Рихтер пишет только «по мокрому», пока краски не высохли, добавляя специальные разбавители и используя резиновые шпатели, которые позволяют краскам плавно перемешиваться и перетекать друг в друга. Шпатели и разбавители были разработаны им специально для своих работ, и он продолжает экспериментировать.
«Баллада о Троцком» (1996) Маурицио Каттелан
Это действительно настоящее чучело лошади, профессионально выполненное таксидермистами. Каттелан один из тех художников, которые могут не иметь даже мастерской, главное придумать концепцию и найти способ реализовать ее. Часто он создает скандальные и провокативные работы, но за ними наступает широкая дискуссия в обществе. Художник, как катализатор диалога и возможных изменений, сегодня довольно необходим. Образ лошади мы часто встречаем на картинах, в скульптуре в классическом искусстве. И часто это символ победы, превосходства, военного пафоса. И вот перед нами лошадь, которая уже никуда не бежит, а безжизненно висит в обессиленной позе. Это и крах надежд, и крах возможных последующих утопий человечества, но это и повод снова заговорить о появлении новых путей и вариантов развития.
«Grillo» (1984) Жан-Мишель Баския
Баския прожил очень короткую и яркую жизнь, всего 27 лет. Возможно, он предвосхитил время серфинга в интернете, ведь он работал, поглощая сразу несколько информационных потоков: слушал музыку, телевизор, листал книги и выдавал, как медиум, свой яркий и образный поток сознания на любую мало-мальски пригодную поверхность. Известен случай, когда он расписал старый холодильник. Сейчас его живопись относят к неоэкспрессионизму. А стиль его сходен с джазовыми импровизациями, которые он так любил слушать. Его произведения очень нервные, ритмичные, содержат одновременно изображение и текст, которые переплетаются в головоломки. Он мог изобразить образы из африканской мифологии, соединить их с реальными чернокожими певцами джаза, которыми он восхищался или боксерами, ведь в это время достигнуть высот чернокожее население города могло только в этих сферах деятельности. В 70-80-ее гг Нью-Йорк с финансовым кризисом и оттоком успешного белого населения в пригороды во многих районах представлял собой постапокалиптический пейзаж. На улицах царили криминал, целые заброшенные кварталы пустых и сгоревших домов, граффити, страх, гнев, мятежный дух и растерянность. Все это Баския, как певец улиц, перенес в свое творчество, став первым известным чернокожим художником.
«Après» (2010) Кристиан Болтански. «Без названия» (1963, Зеленая флуоресцентная лампа) Дэн Флавин. «Императрица Индии II» (2005) Бертран Лавье
Станьте соавторами и используйте контрастные световые фильтры от художников для своих селфи, таких Вы не найдете в привычной палитре Инстаграмм: сочно зеленый от Дэна Флавина, ярко-красный от Кристиана Болтански, холодный белый от Бертрана Лавье. Их световые инсталляции работают с пространством музея, преобразуя его, совершая дематериализацию видимого.
«Обновитель астрального баланса» (2000) Марина Абрамович
Конечно, все прекрасно знают «бабушку перформанса», художницу сербского происхождения Марину Абрамович. Последние годы она отошла от занятий радикальными акциями и исследованием своей телесности, границ и их преодоления. На выставке представлена работа для получения опыта и исследования самого зрителя. Необходимо, расположившись в шезлонге на 45 минут, закрыть глаза, отрешиться от суеты мира и прислушаться к звуку метронома, погрузиться в медитацию. Звук станет физически ощутим, а участник может испытать настоящий дзен или обнуление своего астрального тела. Замечательная работа для нашего невыносимо быстрого ритма жизни, молниеносно убегающего времени. Замедление и умение слышать себя и окружающих становится сегодня одной из важнейших потребностей жителя мегаполиса.
