Большая часть выставок современного искусства редко становится источником исключительно положительных эмоций. «Моно-но аварэ. Очарование вещей. Современное искусство Японии», представленная в Эрмитаже — приятное исключение.
Экспонаты из Японии занимают практически все пространство Главного Штаба, отведенное под современное искусство. Организаторам выставки есть что показать: среди работ можно увидеть причудливые картины, выполненные в стилях минимализм и примитивизм, абстрактный видео-арт, где в отсутствии человека вещи проживают собственную жизнь, а также инсталляции, поражающие разнообразием технических приемов.
Кураторы выставки, Дмитрий Озерков (заведущий Отделом современного искусства Государственного Эрмитажа) и Екатерина Лопаткина (его заместитель), раскрыли суть японского термина «моно-но аварэ»,означающего «очарование вещей» или «завороженность красотой вещей». Это понятие возникло в Японии в X веке. На первый взгляд, трудно представить, что японские экспонаты в Главном Штабе вообще хоть как-то связаны с эстетикой той эпохи, однако, если начать анализировать, обнаруженная связь окажется чуть ли не такой же глубокой, как у «Черного квадрата» Малевича и русской иконописи.
О том, как формировалась программа экспозиции, рассказывает Екатерина Лопаткина: «У нас практически не было никаких ограничений. Можно сказать, что нам дали полный карт-бланш в выборе художников, и мы руководствовались только собственными предпочтениями. Было отсмотрено очень много работ в самых крупных токийских галереях. Японское представление о красоте достаточно тонкое и своеобразное. Мы поняли, что одно из самых интересных в японском современном искусстве, то как художники работают с вещами. И так как это наверняка будет очень интересно российскому зрителю, удалось создать обширную выставку на основе единого художественного подхода. Старинный японский термин «моно-но аваре» оказался актуален и в современной эстетике. Сделав акцент на вещах, мы показали, как художники интерпретируют банальные предметы, используя для это совершенно разные способы визуализации».
Несмотря на современные технологии, выраженные в проекциях, инсталляциях, видео-арте, а также в использовании искусственных материалов в рамках выставки, работы сохраняют основную черту присущую японскому искусству — идеал в простоте и точности линий. Осознать это в полной мере, возможно лишь взглянув на один из самых масштабных экспонатов — произведение Мотои Ямамото, созданное из 160 кг белой соли. «Панно», размещенное прямо на полу самого большого зала Главного Штаба, представляет собой узор в виде топографической карты и занимает по крайней мере несколько десятков квадратных метров.
Другая оригинальная работа, «Десятое чувство» художника Кувакубо Рёта, находится в выставочном зале, погруженном в темноту. Единственный источник освещения — маленький фонарик на игрушечном паровозе. Двигаясь по заданной траектории (путь занимает около десяти минут), паровоз с помощью фонарика проецирует на стены пространства тень предметов, расставленных на протяжении всего маршрута. Прелесть художественного языка инсталляции как раз в простоте и обыденности этих предметов — вот офисная металлическая корзина для бумаги, куски пластмассы, карандаши, прищепки — однако именно они создают на стенах образ живого города. А зритель становится пассажиром, созерцающим пейзаж, мелькающий за окном ночного экспресса. «Все предметы, также как и исполнение, кажутся очень простыми, но на самом деле эта работа тонкая, поэтичная, создающая совершенно особое настроение. Специально для нашей выставки и отдельного помещения, Кувакубо Рёта заново выстроил инсталляцию. Материалы художник привез с собой из Японии, так как некоторые из них было невозможно купить в России.» — замечает Екатерина Лопаткина.
А вот художник Хироаки Морита совершенно иначе ведет свой разговор о красоте вещей. Его инсталляция «По часовой стрелке» представляет собой видеоряд с часами, цифры которых сделаны из множества мелких канцелярских принадлежностей. Каждую минуту кадр в инсталляции меняется, что позволяет наблюдать ее 24 часа в сутки. Звуковое сопровождение (напоминает шорохи движущихся предметов) опережает картинку — таким образом, художник разводит настоящее и будущее через звуковой и зрительный ряд: мы видим настоящее, но о будущем лишь слышим – таков философский подтекст этой инсталляции.
Одной из самых эффектных работ стал «Вывернутый объем» Ясуаки Ониси, созданный лишь из двух материалов — клея и полиэтилена. Куратор «Моно-но аварэ. Очарование вещей. Современное искусство Японии» комментирует эту инсталляцию так: «Эти банальные предметы можно купить в любом строительном магазине. Но с их помощью только художник сможет создать необычную, воздушную, магическую красоту».
В отличие от произведения Ясуаки Ониси, которое трудно не заметить на выставке, работу Ёсихиро Суда можно запросто проглядеть. Дело в том, его инсталляция находится за стеклянными перилами балкона одного из выставочных залов. На металлическом перекрытии располагаются едва заметные побеги зеленой травы. Ёсихиро Суда знаменит своими работами из дерева, и его травинки (в это сложно поверить) тоже выполнены из дерева. Нежные зеленые листочки, проглядывающие на холодном металле становятся некой метафорой живого искусства, которое может существовать даже в условиях технократичного мира.
Произведения японских художников, несмотря на их гиперсовременность, отдаленно напоминают о принципах недолговечного существования шедевров древнего искусства Японии. Завершение выставки для многих произведений станет завершением их жизненного пути, но это, кажется, относится уже к философии Будды.
