Пора сходить в музей: 10 интересных выставок Москвы, которые открылись после локдауна

Московские музеи больше всего пострадали от второго карантина — полностью закрывали только их. С 22 января 2021 года они открылись снова: какие-то с новыми выставками, какие-то с прежними, на которые многие не успели. Редакция «Вашего досуга» рассказывает о самых интересных выставках, которые прямо сейчас все же можно посмотреть в главных музеях Москвы.

• 1. «Реклама как искусство» (Пушкинский музей)
• 2. II Триеннале современного искусства («Гараж»)
• 3. «Александр Бенуа и его "Мир искусства"» (Третьяковская галерея)
• 4. «ВХУТЕМАС 100. Школа авангарда» (Музей Москвы)
• 5. «Андрей Гросицкий. Вещность» (Музей современного искусства)
• 6. «Сергей Виноградов. Нарисованная жизнь» (Музей русского импрессионизма)
• 7. «Сэнди Скогланд. Между воображением и реальностью» (Мультимедиа Арт Музей)
• 8. «Я, Энди Уорхол» (Выставочный зал Союза художников России)
• 9. «Рисунки Давида Боровского» (Бахрушинский музей)
• 10. «Младшие Брейгели» (Новый Иерусалим, Московская область)

До 14 марта 2021

Пока мы ждем открытия 2 марта 2021 первой в России персональной выставки Билла Виолы – одного из самых влиятельных ныне живущих американских видеохудожников — самое время успеть до 14 марта увидеть выставку британских рекламных постеров «Реклама как искусство». Пушкинский музей представляет уникальное по полноте и ценности собрание прикладной графики второй половины XIX – начала XX века, самого любопытного периода, связанного с возникновением и развитием национальных школ художественной рекламы. В каждой стране иллюстрированные объявления получили название, соответствующее их традициям и национальным особенностям. Все важные информационные сообщения – официальные правительственные указы и рекламные объявления – издавна назывались в Англии «The Poster». Прежде всего, это было связано с тем, что на протяжении нескольких веков своего существования централизованная королевская почта занималась не только доставкой писем, но также исполняла обязанности по оповещению подданных о происходящих в государстве событиях. В местных почтовых отделениях можно было узнать все провинциальные новости: о предстоящих ярмарках, свадьбах и крестинах, продаже скота и найме работников. Так, наряду с немецким плакатом и французской афишей, появилось неординарное явление – британский коммерческий постер. Великобритания стала родиной одного из ярких явлений в мировой художественной культуре ХХ века – рекламного дизайна – и прошла путь от отрицания до «триумфального воцарения иллюстрированной рекламы среди высокомерных муз искусства».

Режим работы и билеты доступны на официальном сайте.

До 28 февраля 2021

Вдохновением для кураторов 2-й Триеннале современного искусства — Валентина Дьяконова и Анастасии Митюшиной — послужила книга британского социолога Джона Ло «После метода: беспорядок и социальная наука» (2004). Ло зафиксировал кризис социологической науки в многополярном и мультикультурном мире. Вместо стройных моделей и классификаций общества он предложил «метод-сборку», где классы монтируются с религиозными сообществами, субкультуры — с целыми онтологиями (картинами мира). «Красивая ночь всех людей» — это тоже сборка на основе Триеннале 2017: ее участники формируют список участников выставки 2020 года.

Такая механика отбора обусловлена несколькими факторами. Во-первых, кураторы 2-й Триеннале с подозрением относятся к фигуре эксперта в такой живой и динамично развивающейся области, как современное искусство России. К тому же в многонациональном государстве с очень разными культурными и социальными условиями не может существовать единого критерия в оценке произведений искусства. Во-вторых, в стране, пережившей за последние 100 лет несколько войн и эпизодов насильственной модернизации, личные связи наделены особым весом. Зачастую они оборачиваются банальной коррупцией, но столь же регулярно становятся защитой от бюрократии, экономического и социального давления.

Задача 2-й Триеннале в том, чтобы показать разнообразие и крепость личных связей в мире актуального искусства России. Для этого каждому участнику Триеннале 2017 года было предложено — при соблюдении двух условий — принять участие в своеобразном социальном эксперименте. Первое — отношения между рекомендующим и рекомендуемым (учитель/ученик, родитель/ребенок, продавец/покупатель) должны были быть предъявлены открыто. Второе — рекомендующий должен что-то сделать для рекомендуемого и его/ее участия в выставке в том формате, который кажется уместным (написать текст, взять интервью, помочь с производством работы или ее выбором и так далее). Выполняя эти условия, участники 1-й Триеннале рекомендовали Музею «Гараж» не только других художников, но и исторические исследования, научные лаборатории, образовательные и благотворительные организации.

Название Триеннале позаимствовано у книги математика Романа Михайлова (2017), написанной на особом, не символьном, а процессуальном языке, предполагающем своевольные маршруты чтения без определенного сюжета (однако название не является темой: участники второй Триеннале могли взаимодействовать с ним и книгой, а могли и сохранить полную творческую независимость).

Режим работы и билеты доступны на официальном сайте.

До 16 мая 2021

Экспозиция «Александр Бенуа и его "Мир искусства"» посвящена деятельности художественного объединения «Мир искусства» и приурочена к юбилею его основателя и лидера А.Н. Бенуа, блестящего историка-исследователя, художественного критика и публициста, общественного деятеля и художника, который оставил след в истории театра, книжной и станковой графики. Понятие «Мир искусства» включает целый комплекс явлений — журнал, выставки и художников, которые объединились вокруг издания журнала и составили его редакцию. Коллектив единомышленников образовался на основе петербургского кружка, по инициативе А. Бенуа, для совместного изучения искусства. В него входили молодые художники, литераторы, музыканты. К первоначальному ядру «Мира искусства» — А. Бенуа, К. Сомов, Л. Бакст, Е. Лансере, Д. Философов, В. Нувель, А. Нурок — позже примкнули М. Добужинский, А. Остроумова-Лебедева, Е. Кругликова.

Название «Мир искусства» выражало общий смысл и эстетическую программу движения — ценность «всех эпох истории искусств». В круг любимых тем и образов мирискуссников входили «путешествия» во времени и пространстве европейского искусства, далекие эпохи, которые, благодаря стилизации форм и обращению к историческим техникам, звучали «эхом прошедшего времени» в их произведениях. Одной из важнейших тем был Петербург, эстетическая уникальность этого города и специфика его архитектурного ансамбля. Способность художников к перевоплощению, элементы несерьезности и игры в стили и эпохи с наибольшей полнотой были реализованы в создании театральных спектаклей. Призрачный мир театра стал реальной площадкой, в границах которой воплотилась утопическая программа «Мира искусства» о переустройстве мира по законам искусства и красоты. Однако, кроме отдельных мастеров и целых периодов в искусстве прошлого, мирискуссники пересмотрели отношение к некоторым видам художественного творчества, которые в то время считались прикладными и не достойными внимания. Именно художникам объединения принадлежит честь возрождения графики как особого вида искусства, а их деятельность в области печатной графики можно назвать подлинной революцией.  

На выставке представлены образцы книжных и журнальных иллюстраций, элементов оформления книги, открытки А. Бенуа, К. Сомова, Е. Лансере, М. Добужинского, А.Остроумовой-Лебедевой. Они демонстрируют, что в мире книги, как в миниатюре, отразился весь комплекс тем и образов станковых работ мирискуссников. Условность графики оказалась наиболее созвучной эстетизирующим взглядам мирискуссников. Она раскрепощала их творческую фантазию, открывая возможность диалога культур прошлого и настоящего на уровне пластического языка.      

Режим работы и билеты доступны на официальном сайте.

До 11 апреля 2021

Музей Москвы подготовил масштабную экспозицию «ВХУТЕМАС 100. Школа авангарда», которая расскажет об этом институте как о родоначальнике современных художественных, дизайнерских, архитектурных, текстильных, полиграфических и художественных вузов. Это первый выставочный проект, в котором в таком масштабе показаны производственные и художественные факультеты, отразившие художественные эксперименты эпохи авангарда. Среди предметов выставки — живопись, графика, скульптура, архитектурные проекты, макеты, промышленный и графический дизайн, фарфор, текстиль, мебель, созданные студентами ВХУТЕМАСа. Произведения взяты из собраний Государственной Третьяковской галереи, Государственного музея изобразительных искусств имени А.С. Пушкина, Государственного исторического музея, Государственного музея архитектуры имени А.В. Щусева и других институций. 

Первый раздел посвящен предыстории ВХУТЕМАСа и реформе художественного образования. Послереволюционные годы стали временем построения новой государственной системы, в том числе образовательной. В 1918 году была упразднена Академия художеств. Новым творческим учебным заведением стали Первые Свободные государственные художественные мастерские, открытые осенью того же года в Москве.

Второй раздел рассказывает об Основном отделении и его дисциплинах: «Пространство», «Объём», «Графика» и «Цвет». Обучение этим предметам было обязательным для учащихся первых двух курсов всех факультетов. Программы Основного отделения являлись «осью» ВХУТЕМАСа, зоной самых значимых преподавательских экспериментов и методов обучения. В этой части экспозиции будут представлены архитектурные макеты, скульптуры, графические и живописные произведения. Посетители также узнают о преподавателях дисциплин — художнике и фотографе Александре Родченко, архитекторе Николае Ладовском, художнице Любови Поповой и других.

Значительная часть выставки посвящена производственным факультетам, под каждый выделен отдельный зал: Полиграфический, Текстильный, Керамический, Деревообделочный и Металлообрабатывающий. В этой части экспозиции посетители узнают о разработке шрифтов ВХУТЕМАСа, о школе Фаворского и поиске нового образа книги, о том, зачем дизайнеры тканей изучали технические дисциплины и как керамика стала средством пропаганды. Также посетители познакомятся с яркими образцами мебели и осветительных приборов с трансформирующимися элементами, оригинальными комплексными решениями для общественных и жилых интерьеров.

Залы напротив представляют художественные факультеты: Архитектурный, Скульптурный и Живописный. Гости выставки увидят, в чём выражалось противостояние академической школы и авангардных методов проектирования на архитектурном факультете, узнают о том, какие материалы использовали скульпторы ВХУТЕМАСа и как живописцы Мастерских искали свой новый визуальный язык, какие существовали художественные объединения во ВХУТЕМАСе, и как выпускники и студенты участвовали в оформлении шествий и агитационных мероприятий.

Стоит ли говорить, что архфак ВХУТЕМАСа опередил свое время? Центром экспозиции станет «Летающий город» студента Георгия Крутикова, парящий в космическом пространстве. Посетители выставки также увидят  концепцию полностью программируемого алгоритмами города, растворяющегося в природе санатория, узнают, где в Москве был реализован целый квартал по проекту студента ВХУТЕМАСа и многое другое.

Заключительный раздел экспозиции будет посвящен расформированию вуза и дальнейшей судьбе его факультетов, вошедших в состав других учебных заведений или организованных как самостоятельные институты — Полиграфический институт, Художественно-промышленное училище, Московский архитектурный институт, Текстильный институт и другие.

Режим работы и билеты доступны на официальном сайте.

До 14 марта 2021

Московский музей современного искусства представляет выставку Андрея Гросицкого «Вещность». Многочисленные работы из разных коллекций (не только живопись, но и графика, а также предметы и объекты, которыми вдохновлялся художник) объединены одной кураторской идеей Сергея Хачатурова: показать искусство Андрея Гросицкого в разных сложных контекстах, от диалога с современниками до предчувствия идей метаязыка миллениалов сегодняшнего дня.

Андрей Гросицкий — современный российский художник, чье творчество генетически связано с отечественным нонконформизмом или «другим искусством». Сегодня он воспринимается как один из ведущих авторов, работавших в русле концептуализации живописной пластики. Гросицкого принято упоминать в числе основателей отечественного «поп-арта».
Экспозиция располагается на третьем этажа главного здания Музея на Петровке 25 и включает более 120 произведений. Два первых зала представляет зрителю ключевые работы Гросицкого, в которых предметы домашнего обихода, куски ржавого металла, ключи, замки, которые выходят за пределы привычного формата холста. Самые обычные Вещи на его картинах живут в необъятном пространстве и стремятся стать скульптурами, им тесно в замкнутом обрамлении. Особое место в пространстве занимает масштабная инсталляция Влада Огая «Космический ремесленник».

Экспозиция третьего зала повествует о трех принципиальных темах диалога Гросицкого с современниками. Первая тема «Шаблон» посвящена соотношению тиражности, типичности и уникальности представленной на картине или в скульптурном объекте вещи. Она отсылает к эстетике итальянского «бедного искусства», arte povera, актуализирует проблему безмолвия нарочито неуникальных, антихудожественных, безыскусных предметов и шаблонных форм. Собеседниками Гросицкого становятся Иван Чуйков, Юрий Злотников, Игорь Шелковский. Вторая тема «Сарказм» (в переводе с греческого «терзание плоти») связана с социальной ангажированностью искусства. Участниками этого диалога являются Борис Орлов и Виктор Пивоваров. Наконец, третья тема «Брутализм» свидетельствует об ответственности Гросицкого и его современников за понятие «честности» структуры, формы и материала. Аскеза и простота, грубость и «безыдейность» портретов предметов позволяют соотнести представленные на выставке работы Михаила Рогинского, Дмитрия Краснопевцева, Бориса Турецкого с принципиальным для времени второго модернизма (1950 — 1980-е) стилем необрутализм. С этим стилем ведет диалог и искусство Андрея Гросицкого.

Этим трем темам во второй части выставки будут соответствовать три лейтмотива общения творчества Гросицкого с художниками нового поколения — Александром Голынским, Виталием Безпаловым, Артемом Филатовым, Владимиром Потаповым, Александром Цикаришвили, Владимиром Чернышевым, Нестором Энгельке.

Значительная часть экспозиции была составлена из коллекции Антона и Натальи Гросицких. Помимо работ из коллекции ММОМА, в проекте также будут представлены работы Гросцикого из коллекции МВК Новый Иерусалим, галереи ARTSTORY, галереи OVCHARENKO, частной коллекции Сергея и Оли Поповых (галерея pop/off/art) и Александра Кулачко.

Режим работы и билеты доступны на официальном сайте.

До 31 марта 2021

Музей русского импрессионизма представляет выставку «Сергей Виноградов. Нарисованная жизнь», посвященную блестящему русскому живописцу круга Константина Коровина и Валентина Серова и влиятельному арт-консультанту России начала ХХ века. Масштабная персональная выставка мастера собрала более 60 работ со всей России. Кроме того, впервые за долгое время зрители могут увидеть произведения из стран Прибалтики, куда Сергей Виноградов переехал в 1924 году.

Подчеркнуто легкие и радостные сюжеты картин Сергея Виноградова идут вразрез с драматическими событиями первой трети XX века, будто бы художник рисует другую жизнь – отчасти выдуманную, желанную, отчасти реальную. Во времена революции мастер старательно избегает любого намека на меняющиеся обстоятельства. Он поэтизирует быт и смотрит на все со стороны: пейзажи полны красок, московские улочки освещены солнцем, яркие и чистые цвета скрывают приметы бедности окружающего мира. 

До сих пор творчество Сергея Виноградова не было представлено настолько полно. На выставке живописные работы мастера дополнены его воспоминаниями и ранее не публиковавшимися фотографиями. Художник входил в круг московской творческой интеллигенции и серьезно повлиял на расстановку сил в истории отечественного искусства как один из организаторов и активный участник выставок «Союза русских художников» и первой Выставки русского искусства в США в 1924 году. 

Сергей Виноградов был знаком с Игорем Грабарем и Сергеем Дягилевым, рыбачил с Федором Шаляпиным, гостил у семьи Мамонтовых в имении Головинка, играл в карты со Львом Толстым. В состав выставки войдут произведения «У К. А. Коровина», «Играет. 1914», «Дом в Ясной Поляне со стороны террасы»как напоминание о тесной связи художника с выдающимися представителями русской культуры. Во многом благодаря вкусу, широкому кругозору и чутью Сергея Виноградова в России появились полотна выдающихся зарубежных мастеров: Поля Сезанна, Огюста Ренуара, Клода Моне, Эдгара Дега, Винсента Ван Гога и других. Именно он увлек коллекционированием Михаила и Ивана Морозовых, а впоследствии курировал их собрания. Многие из этих произведений теперь украшают экспозиции центральных государственных музеев.

Музей русского импрессионизма продолжает тесно работать с региональными музеями. В это раз география выставки особенно широка: кроме работ из Москвы и Санкт-Петербурга, в экспозицию вошли произведения из частных коллекций и музейных собраний Иркутска, Архангельска, Омска, Казани, Петрозаводска, Барнаула и других городов России. Также представлены картины из Беларуси, Литвы и Эстонии. В архитектуре выставки подчеркнута усадебная тема, занимающая отдельное место в творчестве Сергея Виноградова. 

Режим работы и билеты доступны на официальном сайте.

До 28 марта 2021

Мультимедиа Арт Музей, Москва представляет выставку легендарной американской художницы Сэнди Скогланд, ключевой представительницы жанра tableau photography — «постановочной» или «сконструированной» фотографии. Еще в начале 1980-х годов, задолго до появления программы Photoshop, Скогланд представила миру снимки своих невероятных сюрреалистических инсталляций, которые сразу же принесли ей международную славу.

Сэнди Скогланд родилась в 1946 году в Норт-Уэймуте, штат Массачусетс. Семья художницы часто переезжала и в 1960-х некоторое время жила неподалеку от Анахайма в Калифорнии, где был открыт первый в мире тематический парк развлечений «Диснейленд». Впоследствии Скогланд не раз говорила, что яркие краски Калифорнии оказали сильное влияние на ее восприятие цвета. С 1964 по 1968 год она изучала изобразительное искусство и искусствоведение в частном женском Колледже Смит, Нортгемптон, Массачусетс и мечтала о карьере модельера или карикатуриста. В рамках студенческой программы обучения за рубежом Скогланд провела один год в Сорбонне и Школе Лувра в Париже, где увлеклась авангардным кино. В 1969-м поступила в Университет Айовы, изучала кинематографию и мультимедиа, а в 1972-м получила степень магистра изобразительных искусств в области живописи. В том же 1972 году Сэнди Скогланд переехала в Нью-Йорк и поселилась в богемном районе Сохо, считавшемся центром современного американского искусства. В этот период она начала создавать свои первые работы в области концептуального искусства. Необходимость задокументировать концептуальные идеи подтолкнула художницу к самостоятельному изучению техники фотографии.

Переломным моментом в творчестве Скогланд стало лето 1977 года. Тогда художница жила в меблированном трейлере на ферме в Ремсене и проводила в нем большую часть времени, занимаясь фотографией. «Кукольный» интерьер дома, имитировавший богатое убранство, вдохновил Скогланд на создание серии фотографий «Размышления в доме на колесах». Художница запечатлела все, что окружало ее в быту: посуду, технику, снимала части собственного тела и их отражения в зеркальных поверхностях, стараясь уловить неожиданные сопоставления форм. Эта серия обозначила новый этап в творческой карьере художницы, связанный с постепенным переосмыслением принципов концептуального искусства и поиском нового художественного стиля.

В конце 1970-х годов Сэнди Скогланд окончательно отказалась от живописи в пользу фотографии. Этому способствовали интерес художницы к поп-культуре, эстетике китча и ее одержимость коммерческой фотографией. Скогланд завораживали «стерильные» изображения, создававшие образ «американской мечты». Ее внимание особенно привлекали снимки еды в глянцевых журналах и каталогах. Скогланд рассказывала, что «была поражена тем, как ловко реклама манипулировала сознанием потребителя». В серии фотографий «Натюрморты» 1978 года художница иронизирует над стратегиями создания рекламных образов. На ее снимках традиционная еда американского среднего класса превращается в декоративный объект или оптическую иллюзию. Начиная с серии «Натюрморты» тема еды становится одной из важнейших в творчестве Скогланд. По ее словам, это наиболее универсальный язык, понятный каждому. «В конце концов, едят все», — заключает художница.

В 1980 году Скогланд сделала одну из своих самых знаменитых фотографий «Радиоактивные кошки», в которой изобразила постапокалиптическую сцену, повествующую о жизни после атомной катастрофы. Снимок положил начало ее работе с инсталляциями и их последующей фотофиксацией. Уникальное сочетание нескольких видов искусства сделало «Радиоактивных кошек» символом направления tableau photography. На первый взгляд может показаться, что кадр выполнен с помощью Photoshop, однако в действительности ярко-зеленые животные на снимке — это скульптуры, собственноручно вылепленные художницей из глины. Специально для фотографии она изготовила 25 фигур кошек в натуральную величину и разместила их рядом с актерами, которые выполняли заранее срежиссированные действия. «В этом образе есть надежда, — говорила Скогланд в одном из своих интервью, — кошки смогли приспособиться к новым условиям, и выглядят энергичными. Однако роль людей в новом мире остается неясной, а их будущее — неопределенным».

В январе 1981 года Скогланд получила грант от Национального фонда поддержки искусств, что позволило ей купить новый объектив для широкоформатной камеры Toyo. C ее помощью художница выполнила культовую фотографию «Месть золотой рыбки» и создала сюрреалистический образ, размывающий грань между сновидением и реальностью. «Моя работа напоминает об истории Франкенштейна, в которой люди создали нечто, что вышло из-под контроля и поглотило их», — говорит художница.

В 1981 году работы «Месть золотой рыбки» и «Радиоактивные кошки» были показаны на биеннале Уитни — важнейшем событии в художественном мире США, а Скогланд заняла ведущие позиции в области экспериментальной фотографии. В последующие десятилетия жанр tableau photography стал центральным в ее творчестве. Крупнейшие музеи мира специально заказывают ей инсталляции. В 1987 году фотографии инсталляции «Бриз на работе», сделанные по заказу Центра искусств Уокера в Миннеаполисе, были впервые продемонстрированы в рамках выставки «Скульптура в фотографии», а в 1989-м для выставки «Изобретение искусства», организованной парижским Центром Жоржа Помпиду, Скогланд создала инсталляцию «Лисьи игры». В июне 2000-го она закончила работу над проектом «Дышащее стекло», премьерный показ которого состоялся в нью-йоркском Музее искусства и дизайна.

Сегодня Сэнди Скогланд живет в Джерси-Сити, работает над новыми проектами и преподает фотографию в Ратгерском университете.

Режим работы и билеты доступны на официальном сайте.

До 14 февраля 2021

В Москве в Центральном выставочном зале Союза художников России (3-й этаж Новой Третьяковки на Крымском Валу) возобновила работу масштабная выставка «Я, Энди Уорхол», представляющая культового американского художника во всех его творческих ипостасях – иллюстратора, дизайнера, фотографа, режиссера и просто яркой личности, повлиявшей на развитие всей культуры XX столетия. В экспозиции, занимающей 2,5 тысячи квадратных метров выставлены около 200 произведений  художника. Экспонаты предоставлены музеями и частными коллекционерами разных стран. В ее составе знаменитые полотна, ставшие символами массовой культуры – поп-арта: «Мэрилин», «Банки с супом Кэмпбелл», «Мао», «Дамы и господа», «Двойной автопортрет». Экспонируются также работы, созданные для знаменитых лейблов и музыкальных групп, арт-объекты, киноработы и фирменные обои Уохолла, коллекция уникальных фотографий и шелкографий. В одном из залов воссоздана нью-йоркская арт-студия художника, которую он называл «Фабрика». Представлена коллекция модных журналов – Vogue, Glamour, Harper's Bazaar, с которыми в 1950-х годах Уорхол сотрудничал в качестве иллюстратора, оригиналы журнала Interview, американскую версию которого Уорхол основал в 1969 году. Выставка застрахована на десятки миллионов долларов. Ее  уже назвали одной из самых ожидаемых в этом сезоне.

Режим работы и билеты доступны на официальном сайте.

До 31 марта 2021

В белом зале «Творческой мастерской театрального художника Д.Л. Боровского» для посетителей будет открыта экспозиция, посвященная выходу альбома с рисунками Давида Боровского. Планшеты с наколотыми рисунками иллюстрируют ход работы над книгой.

Тематика рисунков разнообразна: Давид Боровский рисовал близких – супругу Марину, сына Александра, «вел» путевые «заметки» в блокнотах во время театральных гастролей, во время путешествий по Европе и Америке: виды на город, архитектурные зарисовки и интерьеры, натюрморты, наброски людей на улицах и, конечно, стволы голых деревьев, которые особенно привлекали его. Страницы его блокнотов – как отдельный жанр в творчестве Давида Боровского, где «почеркушки» сочетаются с точно подмеченными жизненными наблюдениями: почерк мастера узнаваем и в его тексте.

Предисловие к третьему альбому написал друг Давида Боровского, главный художник БДТ им. Г.А. Товстоногова  Эдуард Степанович Кочергин: «…загадка Давида, и нежданность его макетов, выстроена на первоклассном рисунке. Смотрите в оба, постарайтесь понять и открыть для себя его рисование! Рисование Давида – это его любовь. Любовь к пропорциям, к точной, абсолютно образной композиции, построенной на знании формальных постулатов изобразительного искусства. Любовь к драматургическому, действенному рисованию. Наконец, любовь к напряженно-упругой линии на листе и в пространстве. Любовь к красоте, которая является вселенской любовью. …Рисунок у него всегда умный. Рисования Давида – это восхищение красотой, пластичностью мира. Боровский – художник-философ, реализующий человеческую генную память средствами изобразительного искусства».  

Режим работы и билеты доступны на официальном сайте.

До 11 апреля 2021

Нидерландская живопись золотого века из коллекции Валерии и Константина Мауергауз», которая представляет произведения XVI–XVII веков одного из крупнейших частных собраний в России. Работы Брейгелей на выставке дополняет ряд произведений их современников — широко известных фламандских и голландских авторов. Всего в экспозиции представлено 70 работ, большая часть из которых показаны российской публике впервые. Этим масштабным проектом музей завершает год своего 100-летнего юбилея.

Основу выставки составили работы представителей династии Брейгелей. Главными героями выставки стали: Питер Брейгель Младший, прозванный Адским, и Ян Брейгель Старший, известный как Бархатный, а также внук, Ян Брейгель Младший. Произведений основателя династии, самого Питера Брейгеля Старшего, с именем которого связывают расцвет национальной нидерландской живописи, в России нет, и на рынке их можно встретить крайне редко. Однако гений великого мастера дал импульс для длительного, не в одном поколении, развития особой брейгелевской традиции, картины которой и вошли в экспозицию. «Феномен Брейгелей», как зарубежные специалисты обычно называют это явление в художественной жизни Фландрии, не перестает вызывать живой интерес искусствоведов и широкого круга зрителей.

Большинство работ выставки выполнены в технике масляной живописи на дереве, реже — на меди или холстах. Некоторые работы уже были представлены в крупных федеральных и зарубежных музеях, большую часть работ российская публика увидит впервые. Произведениям Брейгелей, а также работам мастеров их эпохи — художникам фламандской и голландской школы конца XVI–XVIII веков — коллекционеры уделяют особенное внимание. В течение 20 лет Константин Мауергауз приобретал эти произведения на Sotheby’s, Christie’s и других аукционах, а также в частных галереях. Его коллекция продолжает активно пополняться до сих пор. В 2015-м году важная ее часть — 29 произведений — была показана на выставке в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. По прошествии пяти лет в музее «Новый Иерусалим» вниманию публики представят уже 70 произведений — в два раза больше. Таким образом, выставка гораздо полнее характеризует феномен семьи Брейгелей и в целом — обстоятельства бытования искусства в условиях свободного рынка в Европе в XVI–XVIII веках.

В центре выставки — произведения Питера Брейгеля Младшего (1564–1638), сына и последователя Питера Брейгеля Старшего. Он был прекрасным копиистом отцовских творений, благодаря чему мы имеем представление о многих работах его отца, оригиналы которых утрачены. Особого внимания заслуживает ранняя композиция мастера «Богач и льстецы», сравнительно крупный по размерам «Крестьянский праздник», а также его широко известная картина «Добрый пастырь». Ранее она находилась в собрании Н. К. Рериха, а позже перешла в коллекцию бельгийского барона Пауля Кронакера. Долгое время ее атрибуция вызывала споры, многие специалисты видели в ней оригинал Питера Брейгеля Старшего (Мужицкого), и лишь в 2014 году после тщательных исследований картина «Добрый пастырь» была признана авторской работой превосходного качества Питера Брейгеля Младшего. Иной творческий путь прошел второй сын Питера Брейгеля Старшего — Ян Брейгель Старший (1568–1625). Он в меньшей степени зависел от образцов отца (точное копирование не являлось его стезей), хотя также прошел этот опыт. Так на выставке представлена и его версия «Зимнего пейзажа с ловушкой для птиц». Художник пошел путем создания новых жанров, новых иконографических схем, ориентируясь преимущественно не на бытовые образы, а на мифологические, пейзажные и натюрмортные композиции, применяя при этом особую, тонкую манеру письма. Сравнительно небольшое количество работ Яна Брейгеля Старшего дополняют картины его сына, ученика и наследника мастерской — Яна Брейгеля Младшего (1601–1678). Их мастерская была одним из самых популярных и востребованных художественных производств в Антверпене, оказавшим большое влияние на фламандскую школу живописи XVII века.

Коллекция фламандской живописи XVII века представлена в собрании коллекционеров Валерии и Константина Мауергауз во многом как продолжение художественной традиции Брейгелей, которая господствовала в Антверпене вплоть до XVIII века. Сформировавшиеся на ее основе жанры: пейзаж, натюрморт, портрет выросли в целые школы и направления, которые на выставке будут представлены образцами творчества известных художников.

Непосредственно «брейгелевский» раздел экспозиции завершает серия из четырех анималистических сцен по мотивам басен Эзопа, исполненная в 1672 году на маленьких медных пластинах Яном ван Кесселем Старшим, а также его крошечные штудии различных растений, насекомых и морских гадов. Отдельную группу на выставке образуют работы Франса II Франкена и Себастьяна Вранкса — известных антверпенских мастеров исторического и батального жанров, предпочитавших создавать произведения камерного формата и в этом смысле выступавших прямыми творческими соперниками Младших Брейгелей.

Предмет особенной гордости коллекции четы московских коллекционеров — произведения фламандских и голландских натюрмортистов, особенно раннего этапа в развитии этого жанра. Такого рода картины сравнительно поздно и, главным образом, уже после Второй мировой войны, стали предметом повышенного интереса специалистов и широкого круга зрителей, поэтому они до сих пор, за редчайшими исключениями, отсутствуют в музеях России. Оттого первоклассные по живописному качеству образцы этого жанра в творческом наследии Старшего и Младшего Янов Брейгелей, а также Исаака Соро, Амброзиуса Босхарта Младшего и Балтасара ван дер Аста в значительной степени восполняют этот пробел. Одновременно они великолепно демонстрируют основные этапы развития фламандского и голландского натюрморта. Несомненно, немалый интерес как для специалистов, так и для широкого круга любителей представляет возможность увидеть в сопоставлении все нюансы как общности композиционной типологии, так и тончайшие отличия индивидуального живописного почерка их авторов.

Режим работы и билеты доступны на официальном сайте.

ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ: