В Музее изобразительных искусств им. Пушкина произошли значительные перемены. Впервые здесь был проведен серьезный ребрендинг, а из фондов извлечены более 500 не выставлявшихся ранее произведений.

1. Большая диадема (Сокровища Трои – зал 3)
После обновления в Пушкинском появился долгожданный зал: «Сокровища Трои». Чтобы узнать про великую Трою, воспетую Гомером, не стоит ехать в Турцию к проливу Дарданелла, где Генрих Шлиман раскопал легендарный город, или в Берлин, куда он все свои находки нелегально вывез – там все равно ничего нет. Троянские клады хранятся в ГМИИ уже более полувека, хотя мир узнал об этом сравнительно недавно. В 1945 году бесценные памятники древности были отправлены из Германии в Россию, но сей факт нигде не афишировался, и лишь в 1993 российское правительство официально объявило мировому сообществу их местонахождение.

Теперь же, когда сокровища включены в постоянную экспозицию, любители древностей со всего мира могут спать спокойно, зная, что изящные серьги, височные кольца, браслеты, пуговицы и диадемы из золота, серебра и электра (природный сплав золота и серебра), находятся в теплом, сухом и просторном зале, где на них всегда можно посмотреть. Большая диадема – одна из прекраснейших вещей, дошедших до нас из искусства древности. Такая диадема укарашала собой голову одной из троянских цариц, сейчас же она является несомненным подтверждением богатства и роскоши троянцев, описанных в античных легендах и мифах.

2. Римская копия греческого оригинала, возводимого к статуе Деметры Праксителя (Искусство античного мира – зал 4)

 


С первого взгляда сложно понять, что может быть примечательного в безголовом туловище какой-то античной статуи, если ими и так заполнена половина залов ГМИИ? Однако, большинство прекрасных скульптур, украшающих собой экспозицию музея – лишь гипсовые слепки, а это хоть и тоже всего лишь копия, но созданная древними римлянами, которые очень любили «плагиатить» древних греков. К сожалению, часто только подобные копии могут рассказать о мастерстве греческих ваятелей. Эта римская копия сделана с греческой статуи Деметры работы Праксителя – великого афинского скульптора, жившего в IV веке до нашей эры, оригинальных работ которого практически не сохранилось. Древние писали, что статую Афродиты Книдской, созданную Праксителем, считали самой прекрасной статуей древности. А когда один из властителей решил простить все долги городу Книду взамен на прекрасную скульптуру богини, то книдцы от такого предложения наотрез отказались.

3. Якопо Торрити мозаика «Младенец Христос» (Искусство Византии XIV-XVI веков. Искусство Италии VIII-XVI веков – зал 7)

 

Мозаика величайшего римского мастера Якопо Торрити украшала некогда надгробный памятник папе Бонифацию VIII, распологавшийся на западной стене старой базилики Св. Петра. Позже старую базилику разрушили, а на ее месте построили главный католический храм – Собор Святого Петра. От чудесной мозаики остались лишь некоторые обломки, один из которых был куплен в 1863 г. нашим соотечественником в Риме и подарен Румянцевскому музею, откуда он и перекочевал в Пушкинский, и только сейчас фрагменту искуснейшей мозаичной композиции нашлось место в постоянной экспозиции.

4. Майолика «Плита с изображением сцены поклонения младенцу»
(Искусство Византии XIV-XVI веков. Искусство Италии VIII-XVI веков – зал 7)


Кроме работ Якопо Торити, Джовани Санти, Бартоломео Бонаша в византийско-итальянский зал впервые попали скульптурные композиции, роскошные вазы и предметы итальянской майолики. Начиная с XIV века в Герцогстве Урбинском образовывается крупнейший центр производства майолики в Италии, именно здесь складывается стиль «историато» -- создание повествовательных майолик на библейские и исторические сюжеты. Майолика с изображением сцены поклонения младенцу относится к лучшим образцам этого жанра.

5. Лукас Кранах Старший «Распятие» (Искусство Германии и Нидерландов XV-XVI веков – зал 8)


ГМИИ имеет лучшую в России коллекцию искусства Северного Возрождения и по праву гордится ей. Искусство эпохи Возрождения (Ренессанса) зародилось в Италии, когда художники постепенно начали переходить с иконографической манеры письма Средневековья к более реалистичному изображению. Когда же культура Ренессанса пересекла Альпы и попала в Германию, Нидерланды, Францию и другие, так называемые, северные страны, то под действием местных художественных традиций она изрядно изменилась, после чего и стала называться Северным Возрождением. К наиболее привлекательным памятникам искусства этого периода принадлежат картины кисти Лукаса Кранаха Старшего. Завсегдатаям музея, конечно, известны его работы -- "Мадонна с младенцем", "Плоды ревности» («Серебряный век»), "Грехопадение", а также портреты его современников. Теперь же к несомненным шедеврам добавился еще один – ранняя картина художника – «Голгофа». Теперь можно детально проследить как формировался стиль выдающегося мастера, чье творчество повлияло не только на несколько поколений художников, но и на вкусы знати того времени, именно под влиянием прекрасных женских образов Кранаха в моду вошли златокудрые девы с узкими раскосыми глазами, острым подбородком и сладкой улыбкой.

6. Антонис ван Дейк «Леди д’Обиньи и графиня Портленд» 1638 г. (Фламандское искусство XVII века – зал 9).

 
Впервые для «золотого века» фламандской живописи был выделен отдельный зал, и в эспозиции оказались все те работы, которые раньше из-за больших размеров вынуждены были ждать своего часа в запасниках. Среди прочих крупноформатных полотен соратников, учеников и последователей Рубенса, возглавившего фламандскую национальную школу, выделяется двойной портрет кисти Антониса ван Дейка. На картине изображены две известные красавицы того времени: Леди д’Обиньи и графиня Портленд. С ними связана любопытная история, когда Екатерина Гавард (дама в белом) тайно обвенчалась с лордом д’Обиньи, ближайшим родственником английского короля Карла I, то от молодожен отвернулся и сам король и вся многочисленная английская знать, и только сестра лорда графиня Портленд (дама в синем) дружески приняла невестку, что собственно и иображено на картине. Еще при жизни Ван Дейк получил всемирную славу и приличный доход, благодаря своим портретам, хотя в иерархии жанров европейской живописи портрет занимал самое низкое положение.

7. Дирк Халс «Без названия» (Голландская живопись XVII века – зал 11)

Наконец-то, в ГМИИ им. А.С. Пушкина решились последовать зарубежному опыту и начали привлекать для показа в своей постоянной экспозиции произведения, принадлежащие не музею, а частным коллекционерам. Пока лишь в зал голландской живописи попали две такие картины голландцев Дирка Халса и Якобуса Манкадана, которые чрезвычайно важны для характеристики этого периода в истории искусства. Голландские мастера любили создавать бытовые сцены со скрытым нравоучительным подтекстом, так у Дирка Халса изображение пышущих здоровьем, красотой и богатством, молодых людей, флиртующих друг с другом, должно было заставить зрителя задуматься о быстротечности земных радостей.

8. Лука Джордано «Мучение Св. Лаврентия» (Искусство Италии и Испании XVII-XVIII веков – зал 17-18)

Одна из лучших премьер экспозиции – «Мучение Св. Лаврентия» неаполитанского живописца Луки Джордано, творчество которого знаменует расцвет эпохи барокко.
Этот художник обладал значительным художественным талантом, весьма развитым чувством красоты и удивительной находчивостью воображения, но иногда непростительно злоупотреблял своим дарованием, считая бойкость и быстроту фактуры главным достоинством живописного произведения. За стремительность, с которой он выполнял свои работы, Лука Джордано получил прозвище Fa presto (делай быстро). Собственно поэтому наследие его не очень однозначно, одни из его творений прекрасно задуманы и написаны, другие же слабы по концепции и небрежны по исполнению, но «Мучение Св. Лаврентия» несоменно принадлежит к лучшим образцам творчества бойкого неаполитанца.

9. Шарль Лебрен «Портрет Мольера» 1661 г. (Француское искусство XVII-первой трети XIX века. Классицизм – зал 21)

 

В зале французского классицизма появились работы придворных художников-академистов Пьера Миньяра, Себастьяна Бурдона и Шарля Лебрена. Шарль Лебрен – первый живописец короля Людовика XIV, глава парижской Академии художеств, законодатель художественных вкусов и один из авторов Версаля находился в, мягко говоря, не совсем дружеских отношениях с величайшим драмматургом Мольером. Дело в том, что Жан Батист Мольер предпочитал творчеству главного художника Франции работы Пьера Миньяра, естественно, такое положение вещей приводило амбициозного Лебрена в легкое бешенство. Однако, личные отношения не помешали художнику создать один из лучших портретов Мольера.


10. Гобелен «Психея, созерцающая спящего амура» (Француское искусство XVII-первой трети XIX века, рококо – зал 22)

Для того, чтобы посетители музея могли лучше представить атмосферу парижского салона эпохи рококо, в экспозицию включены мебель, канделябры и гобелен того времени, ведь именно изысканность и большая декоративная нагруженность интерьеров являются характерными чертами рококо. Гобелен «Психея, созерцающая спящего амура» был создан по мотивам балета Жана Батиста Мольера «Психея, или Сила любви».