По сложившейся за двенадцать лет традиции, осенью в Театральном центре «На Страстном» пройдет международный театральный фестиваль моноспектаклей «Solo». С 1 по 10 октября зрители увидят спектакли из России, Франции, Италии, Болгарии, Бельгии и Великобритании. Половина вошедших в программу фестиваля постановок создана по текстам самих исполнителей и режиссеров. Остальные пять работ – осмысление литературного наследия XX и XXI веков, включающее рассказы Андрея Платонова, прозу Михаила Булгакова, драматургию Карела Чапека и Массимо Згорбани.
1 октября: «Гамлет + Фортинбрасмашина» (Италия)
Кто: Fortebraccio Teatro — театральная труппа существующая с 1999 года. Творческое трио состоит из актера и режиссера Роберто Латини, композитора Джанлука Мисити и художника по свету Макса Мугнайа. Профессиональной спецификой творческого тандема является особая эстетика их работ. Спектакли Fortebraccio Teatro отличаются сложным и запоминающимся музыкальным оформлением и фантастическим светом, практически заменяющим декорации. Главную и как правило единственную роль в их проектах исполняет сам Латини, лично перерабатывающий или создающий пьесы для постановок. Постоянные зрители фестиваля могут помнить «Песнь Песней» которую они привозили в Москву пару лет назад.
Что: «Гамлет + Фортинбрасмашина» — версия пьесы «Гамлет-машина», написанной Хайнером Мюллером в конце 70-х годов по мотивам шекспировского «Гамлета». Роберто Латини использует пьесу Мюллера как готовый инструмент для переосмысления Шекспира. Главным героем его спектакля становится Фортинбрас, появляющийся в истории тогда, когда остальные герои уже мертвы и поэтому способный рассмотреть миф о Гамлете со стороны. Для этого Роберто Латини использует архитектуру Мюллера, затерявшуюся где-то между «быть» и «казаться». Сохраняя первоначальную структуру деления на главы, он собирает собственную театральную карусель, на которой встречаются трагедия и комедия.
Почему это надо увидеть: «Гамлет + Фортинбрасмашина» — спектакль для искушенного зрителя, готового оценить работу по мотивам двух знаковых драматургов, разделенных столетиями. На него надо смело идти если:
- Вы настолько увлечены Шекспиром, что уже пару раз прослушали лекции Алексея Бартошевича, и книга Уинстона Одена давно зачитана до дыр.
- Вы не равнодушны к творчеству Хайнера Мюллера.
- Вы любите итальянский язык, театр, но еще больше любите Роберто Латини и готовы вместе с ним заняться экзистенциональным анализом личности Гамлета.
Лайфхак: Спектакль идет на итальянском языке с субтитрами, идеальные места в ТЦ «На Страстном» для чтения бегущей строки начинаются с 5-6 ряда партера.
2 октября: «Мать обвиняет» (Россия, Москва)
Кто: Спектакль по пьесе «Мать» Карела Чапека покажет Московский театр у «Никитских ворот». Прошлогодняя премьера — не первое обращение его художественного руководителя, Марка Розовского, к тексту Чапека. Более 30 лет назад он поставил свою версию пьесы в МХАТе с одной из старейших актрис, Маргаритой Юрьевой. Спектакль вышел в 1983 году и в том же году на театральном ландшафте Москвы возник новый театр Марка Розовского.
Что: Идею написать монолог матери драматургу подала его жена. В 1937, возвращаясь домой после писательской конференции, Ольга Шейнпфлюгова описала мужу замысел: «В пьесе должен быть человек и одновременно эпоха, в которую мы живем. Мать исполнена добродетелей и любви к жизни... У нее погибают муж и один за другим сыновья, пока не остается последний мальчик, на которого она переносит исступленную любовь. А в конце, когда она видит, как далеко зашел мир, убивающий даже детей, она чувствует себя матерью чужих убитых детей и сама подает последнему сыну ружье, посылая его на поле сражения защищать интересы человечества».
Марк Розовский вычеркнул из спектакля мужские голоса, оставив лишь образы в виде фотографий. Вся боль аккумулируется в женщине, главной героине в исполнении заслуженной артистки России Марины Кайдаловой. Она одновременно и говорит с погибшими близкими и отвечает за них.
Вернутся к забытой в наши дни пьесе режиссера подтолкнуло само время. В современном мире ощущение военной угрозы снова стало постоянным, чем обострило гуманистический пафос заложенный Карелом Чапеком в предчувствии второй мировой войны.
Почему это надо увидеть: Есть особая прелесть в выездных спектаклях: новая площадка и фестивальный мандраж часто идут им на пользу.
Лайфхак: На родной сцене спектакль играют редко, но если вы по каким-то причинам не можете посмотреть «Мать обвиняет» на фестивале SOLO, шанс увидеть его в Театре у «Никитских ворот» все-таки есть.
3 октября: «Записки покойника» (Россия, Санкт-Петербург)
Кто: «Монплезир» — театр одного актера, появился в Ленинграде в 1990 году. Основу его репертуара составляют моноспектакли, придуманные и поставленные Игорем Лариным.
Что: За свою актерскую карьеру Игорь Ларин пять раз участвовал в постановках по роману Михаила Булгакова «Записки покойника». Первая встреча состоялась в 2002 в Петрозаводске, годом позже на телеканале «Культура» вышел фильм, в котором он сыграл роль Максудова. Третий подход — снятый после прогона спектакль театра «Ленсовета», четвёртый — постановка в театре «На Литейном». Вполне логично, что долгая и сложная история взаимоотношений привела к пятой, собственной сценической версии. Игорь Ларин поставил личный спектакль о своем романе с театром. Он сохранил ключевых Булгаковских героев, используя для быстрого перевоплощения маски, как делал в своих выступлениях Аркадия Райкин.
Почему это надо увидеть: Во-первых, спектакль Игоря Ларина ближе к традиционному театру, на него можно смело идти зрителям, не любящим эксперименты. Во-вторых, небольшие театры, о которых вы узнаете только благодаря фестивалям, часть Питерского шарма. Только по недоразумению эту индивидуальность северной столицы еще не экспортируют москвичам, влюбленным в тоскливый дождь и пончики из ДЛТ.
Лайфхак: По обычаю, после фестивальных показов в фойе ТЦ «На Страстном» проходят встречи с создателями спектакля. Отложите дела и задержитесь на пару минут. Роман Булгакова без преувеличения стал знаковым для Игоря Ларина, и обсудить его с ним будет интересно.
4 октября «Mater Dei» (Италия, Турин)
Кто: Джорджа Черрути — итальянская актриса и режиссер, основавшая в 2004 году собственную театральную компанию Piccola Compagnia della Magnolia. В своих спектаклях Черрути отдает предпочтения сложным и провокационным драматургическим текстам. Для новой постановки она выбрала пьесу известного в Италии, но незнакомого русскому зрителю драматурга Массимо Згорбани.
Что: «Mater Dei» — история женщины ослепительная красота которой покорила Бога, и тот, спустившись на землю в образе животного, силой овладел ею. Гиперболическая беременность героини завершается рождением тринадцати детей двенадцать из которых унаследовали одно из божественных умений своего родителя, а тринадцатый родился простым человеком. Парадокс, но в моноспектакле Черрути играют два актера. Герои — мать и ее последыш, Давиде Джильо, оберегаемый матерью беспомощный ребенок с внешностью взрослого мужчины. Спектакль опирается на их болезненно взаимозависимые отношения и пугающую кровосмесительную любовь.
Почему это надо увидеть: Мрачный «Mater Dei» — спектакль несущий не созидательную, а разрушительную силу. С одной стороны, монолог написанный Массимо Сгорбани существуют вне привычной нам логики. Он словно находится в до-сократовской фазе развития и следуя за ним, зрители двигаются в направлении хаоса. С другой стороны, Джорджа Черрути затрагивает в спектакле тему наследственности, показывая хтонических чудовищ, чья кровь, если задуматься, может течь и в нас. «Mater Dei» — бесценный опыт для тех, кто изучает или только интересуется мифом и зрителей готовых испытать сильные, пусть даже неприятные чувства.
Лайфхак: Официальная возрастная маркировка у «Mater Dеi» 14+, но спектакль содержит грубые выражения и намеки на инцест. Если ваши чувства легко оскорбить или вы собираетесь взять с собой несовершеннолетнего ребенка, помните об этом.
5 октября: «Па-падражание драматической машине» (Россия, Санкт-Петербург)
Кто: АХЕ — легендарный авангардный театр, созданный в 1989 году участниками театра Бориса Понизовского «ДА-НЕТ». На протяжении тридцати лет участниками труппы становились такие известны режиссёры, как Яна Тумина или Максим Диденко, но все эти годы неизменным оставался дуэт основателей — Максима Исаева и Павла Семченко.
Что: «Па-падражание драматической машине» — моноспектакль одного из создателей Инженерного театра, Павла Семченко. Название он расшифровывает так: «Па» — один из его псевдонимов, «дрожание» — выбранный им способ сценического существования, «драма» — театральный жанр, в котором он себя никогда не пробовал, а «машина» — попытка отказаться от спонтанности.
На этом рассказ о спектакле можно закончить, потому что описывать спектакли АХЕ — занятие неблагодарное. Проще очертить круг зрительских ожиданий, перечислив все, что они точно увидят. Запоминайте: на сцене будут представлены два элемента: художник и предметный мир (бутылки, палки, веревки и даже свежий огурец). Когда эти элементы вступят в контакт, то, если повезёт, последует бурная химическая реакция, известная как катарсис.
Почему это надо увидеть: Если вы не знаете чем перформанс отличается от спектакля и готовы на практике выявить эти различия, то «Па-падражание драматической машине» идеально для этого подходит.
Лайфхак: На спектаклях АХЕ надо быть готовым к любым неожиданностям, что-то непременно упадет, прольется или взорвется.
6 октября: «Семен» (Болгария, Сливен)
Кто: Камерный моноспектакль по рассказам Андрея Платонова «Семён» и «Осьмушка» — это дипломная работа режиссера Ивайло Гандев, вошедшая в репертуар Драматический театр им. Стефана Кирова. Спектакль стал визитной карточкой театра в других странах. Особенно полюбили его в России. Показ на фестивале «Solo» станет третьим путешествием «Семена» на родину писателя.
Что: Прозаический повествовательный текст Ивайло Гандев переводит в драматический диалог от первого лица. Семилетний Семён помогает беременной матери по хозяйству и следит за младшими братьями и сестрами. Во время родов женщина умирает, и Семён, понимая, что новорожденный не выживет без матери, решает посвятить свою собственную жизнь этому ребенку, заменив ему мать.
Актер Димитр Марков признается, что не играет семилетнего мальчика. Его герой — взрослый мужчина, который по стечению драматических обстоятельств остался в том травмировавшем его сознании и переломном для судьбы семилетнем возрасте.
Почему это надо увидеть: Минимализм сценического решения и актерское перевоплощение задают верный тон, не обесценивающий драматичность истории излишней сентиментальностью. «Семен» — один из лучших спектаклей по тексту Платонова, поставленный за последние годы.
Лайфхак: Первоисточник лучше прочитать заранее.
7 октября: «Кто убил Анну» (Россия, Москва)
Кто: Le Cirque De Charles La Tannes — независимая творческая группа занимающаяся современными формами театра. Они поставили несколько сайт-специфик спектаклей с глубоким зрительским погружением еще до того как слово «иммерсивный» стало повседневным театральным термином. Пару лет назад в зоне творческих интересов объединения оказался сторителлинг. Костяк Le Cirque De Charles La Tannes — «старшие брусникинцы», совместно с «младшими» создали серию спектаклей «истории об истории» в жанре сторителлинга, увлекательно пересказывая классические источники.
Что: Фигура рассказчика для сторителлинга ключевая. В своем интервью Алексей Розин, режиссер спектакля, объяснял: «В сторителлинге главное — кто рассказывает. Личность рассказчика — главный ингредиент хорошей истории. Потому что все, что мы рассказываем, мы рассказываем в первую очередь о себе. Пропускаем историю через личный опыт, отношения к описываемым явлениям, событиям, ценностям. Сторителлинг — это вообще про ценности. Про убеждения, нормы, внутренние законы». Эту сложную роль в переосмыслении романа Толстого «Анна Каренина» берет на себя Марина Васильева, актриса «Мастерской Брусникина».
Пытаясь ответить на вопрос кто же убил Анну, она 50 минут пересказывает трагическую историю Карениных, пропуская сюжет через призму собственного опыта, проводя параллели с психологическими учебниками и ссылаясь на медицинские исследования деятельности головного мозга и гормональной системы человека.
Почему это надо увидеть: Сторителлинг — одна из самых свободных от условностей форм театра (для того чтобы убедительно пересказать историю не нужен соответствующий эпохе костюм или декорации). Постановки в этом жанре всегда будут в вашем вкусе, потому что большую их часть дорисует воображение.
Лайфхак: Обратите внимание, что это единственный фестивальный спектакль, который начинается на час позже и перенесен со сцены ТЦ на Страстном в «Боярские палатах». В «Боярских платах» свободная рассадка, поэтому приходите заранее, чтобы занять удобное место.
8 октября: «Ночные дневники» (Бельгия-Италия)
Кто: Ян Фабр — бельгийский художник, режиссер, драматург, основавший в 1986 году театральную компанию Troubleyn. В основе спектакля — его личные дневниковые записи от 1978 до 1998, а в роли альтер-эго выступит итальянский актер Лино Музелле.
Что: По ночам Ян Фабр пишет и рисует, и «Дневники» вбирают в себя его размышления об искусстве, смысле жизни, семье, сексе и любви. «Ночные дневники» — это автопортрет противоречивой и притягательной личности. Это автобиография, вместившая длинную дорогу, между двадцатилетнем парнем из провинции и зрелым художником, известным во всем мире. Это ретроспектива, состоящая не только из дневниковых записей, но и фрагментов пьес Фабра.
Почему это стоит посмотреть: «Ночные дневники» — одно из главных событий фестиваля. Его будут обсуждать все и везде. Пропустив спектакль, вы будете обречены день за днем слушать чужие отзывы, не имея возможность их с сравнить с собственными впечатлениями.
Лайфхак: Чем ближе к дате, тем сложнее будет достать билеты на этот спектакль.
9 октября: «Я женщина» (Великобритания, Лондон)
Кто: Спектакль возник как результат семинара саморазвития, организованного актрисой Аной Дауд совместно с будущим продюсером спектакля Вадимом Цурканом несколько лет назад. Пьесу «I’m Woman» актриса написала совместно с режиссером Дмитрием Акришем летом 2018 года в Париже, городе, в котором живет и работает. Поставить спектакль в Лондоне было решено потому, что там находится штаб-квартира семинара и спектакль стал его «живой рекламой».
Что: Ана Дауд делится со зрителями своей трагической автобиографией: насилие, аборт, угнетение, страх, анорексия, зависимость. Постепенно виктимизация становится ее нормальным состоянием. Травма уничтожает чувство идентичности. В спектакле она возвращается к событиям, которые перевернули ее жизнь, чтобы преодолеть травму при помощи искусства.
По словам актрисы Аны Дауд: «Самой большой сложностью было не играть, быть собой, делиться деликатными темами с незнакомыми людьми. Но с другой стороны, это и самое прекрасное, что я могла пережить на сцене, — этот момент правды, когда чувствуешь, что публика не дышит, она с тобой внутри истории, она все пропускает через себя и к финалу спектакля вместе с тобой отпускает тяжелый багаж прошлого».
По словам режиссера Дмитрия Акриша: «"I’m woman" — театральное испытание, через которое стоит пройти каждому, чтобы исследовать неукротимый женский дух и заново прочувствовать, с какой силой бьется сердце в каждом из нас».
Почему это надо увидеть: Спектакль не рассчитан исключительно на женскую аудиторию, вопросы, поднимающиеся в нем, шире. Вне зависимости от пола, человек может стать жертвой насилия и перенести психологическую травму. Поход к психологу спектакль вам не заменит, но поможет снять табу с ряда тем, которые по-прежнему не принято обсуждать.
Лайфхак: Идите на спектакль вместе с людьми, которые могут стать вашей поддержкой, друзьями, семьей — с теми, с кем вам захочется обсудить увиденное после.
10 октября: «Улыбка у подножья лестницы» (Франция, Париж)
Кто: В рабочей биографии Бенедикт Некай перечислены самые известные театры и сотрудничество с признанными режиссерами, но именно постановка по рассказу Генри Миллера стала ее самостоятельным дебютом. Для Бенидикт Некай клоун — главный герой спектакля, квинтэссенция театра. Именно этот образ вдохновил ее в свое время связать жизнь с искусством, а встреча с актером Дени Лаваном стала последним звеном позволившим спектаклю состоятся.
Что: «Улыбка у подножия лестницы» — нехарактерный рассказ для творчества Генри Миллера, почти притча. Главный герой, Огюст, одинокий, раздираемый противоречиями клоун. Мучительно пытаясь разобраться в себе он рассказывает о своей жизни на манеже и о метаниях между двумя цирками. Стоя у подножия лестницы, ведущей в никуда, герой улыбается нам и говорит о счастье и лишениях. Но главная тема для Миллера — не жизнь, полная несчастий, а право на честность с самим собой. Шанс откинуть лицемерие становшее удобной защитной маской.
Почему это надо увидеть: «Улыбку у подножия лестницы» перекладывали на музыку, читали со сцены, но прежде он никогда не адаптировался для драматического театра. Опыт Бенедикт Некай будет первым, а актерское обаяние Дени Лавана без сомнения сделает его удачным.
Лайфхак: Обычный совет относительно спектаклей на иностранном языке — покупать билеты подальше, чтобы без проблем читать субтитры. Но в этом случае хочется советовать обратное. На спектаклях с участием Дени Лавана хочется оказаться ближе к сцене.
