Отзывы о "Театр Романа Виктюка"

Первый раз я смотрела моноспектакль Дмитрия Бозина «Скорпи-он», когда он её показывал в первый раз и в его день рождения несколько лет назад. А сейчас из-за травмы одного из актёров Театра Романа Виктюка в этом театре идут замены спектаклей. И поэтому нам повезло — впервые на сцене Дома света состоялся «Скорпи-он». И дважды чудесно — он прошел в декорациях еще одного спектакля Дмитрия Бозина «Царь-девица».
Потрясающее соединение трех масштабных произведений — Герберт Мелвилл «Моби Дик», Александр Пушкин «Руслан и Людмила» и Оноре де Бальзак «Шагреневая кожа». И эти три истории перетекают из одной в другую по легкому мановению руки Дмитрия, погружая всё глубже и глубже в дебри людских страстей.
Следить за сменяющимся ритмом от напряжения Ахава до лирики Руслана и тихой грусти Финна было очень интересно, потому что Дмитрий удивительный лицедей, чья игра завораживает и увлекает. Но самым интересным образом стал Антиквар, единственный герой во всех историях, который был счастлив как с богатством, так и без него, но с любовью на склоне дней.
Удивительно, как три таких разных произведения, написанных в разное время в разных странах могут существовать одновременно. Их объединяет еще и красиво подобранная музыка — The Beatles, Fairfield Four и Angelo Badalamenti (если я правильно узнала).
В целом постановка интересная (её любопытно слушать даже и не в первый раз), в чем-то гипнотическая за счёт манеры Дмитрия Бозина читать тексты, и после неё хочется перечитать книги.

13 февраля неподражаемый мэтр современного театрального искусства Дмитрий Бозин вышел на сцену Театра Виктюка с моноспектаклем "Скорпи-Он" в рамках своего творческого вечера.
В этот день немаленький зал театра был заполнен до отказа - аншлаг.
Два часа один на один со зрителем, не жалея ни себя, ни своих голосовых связок, он читал прозу и поэзию, причудливо переплетая несколько литературных произведений в одно полотно повествования: роман Германа Мелвилла «Моби Дик», роман Оноре де Бальзака «Шагреневая кожа» и поэму А. Пушкина «Руслан и Людмила».
Два часа артистической декламации на высокой ноте - то шёпот и крик, то страсть и безразличие, то лёд или нежность. Лицом к лицу со зрителями, где на сцене в помощь мэтру только экран с изображением океана и облачного неба, диковинная движущая конструкция, пронзенная копьями, гора черепов и музыка, которая, казалось, звучала для того, чтобы дать возможность Актёру сделать небольшую передышку. И вновь повествование льётся полноводной рекой и просто непостижимо, как возможно запомнить такое количество текста, , микшировать все три произведения, чтобы был понятен сюжет каждого, играть голосом, телом, мимикой, каждым мускулом и нервом.
Твори, Маэстро!
Браво!

"Театральный роман" - это творческий вечер, посвященный Роману Виктюку, который 29 января прошел в его театре. И мне посчастливилось на нем побывать!
Театр Романа Виктюка даже после смерти своего создателя сохранил, кажется, его душу. Будто Роман Григорьевич просто отлучился куда-то, но... Но нет, не висит больше его пиджак на стуле. Однако все так же с полными залами идут спектакли, им поставленные. Появляются и новые, конечно. Но в этот вечер вспоминали постановки Романа Григорьевича, причем те, которые редкие зрители имели счастье видеть своими глазами.
Для зрителей в фойе играл Роман Чистяков – пианист, музыковед и лауреат Международных конкурсов. 
И вот наконец пришло время проходить в зал. Кстати, зал был полон, если не сказать переполнен - балконы заняты до последнего ряда и даже, кажется, на степенях кто-то стоял... Про партер и не говорю даже. 
Вели вечер артисты Театра Романа Виктюка:  Дмитрий Бозин,  Екатерина Карпушина,  Анна Терехова и Игорь Неведров.
А гостями были  Геннадий Хазанов, Юрий Горин, Галина Стаханова, Николай Коляда.
Сколько же они рассказывали! Смешного, трогательного, просто интересного. О том, что мы уже знали и о том, чего никто не мог знать, кроме непосредственных участников. Анна Терехова росла буквально на глазах Романа Григорьевича и, конечно, рассказывала и о первом своем актерском опыте. Анна снималась в телеспектакле «Девочка, где ты живешь, или Радуга зимой», в котором ее мама, непревзойденная Маргарита Терехова играла... лошадь :) К огромному сожалению, запись этого телеспектакля была утеряна... Конечно, Маргарита у Виктюка играла не только лошадь: Это и "Манон Леско", и "Царская охота", "Игроки" и многое другое. 
Конечно, вспоминали и о "Служанках" в начале пути. Об этом рассказывал Константин Райкин, к сожалению, только в формате видеообращения. 
Галина Стаханова поделилась воспоминаниями о своей работе, в том числе, в студенческом театре МГУ в спектакле "Уроки музыки", где она играла Граню, многодетную мать, несчастную женщину. 
В "Уроках музыки" играла и Валентина Талызина, которая, к огромному сожалению, не смогла прийти на вечер по состоянию здоровья.
Также мы увидели видео, в котором Людмила Петрушевская, автор пьесы "Уроки музыки", рассказывала о той постановке и о Романе Григорьевиче...
Об Уроках музыки рассказывали очень много и, кажется, все:) Но как же чудесно, особенно для тех, кто спектакль не видел (а думаю, таких было большинство), устроили еще и читку, пусть и отрывка, первыми исполнителями - Юрием Гориным и Галиной Стахановой, а Екатерина Карпушина - за Валентину Талызину. Маленький кусочек:
Совершенно чудесный рассказчик - Николай Коляда! Он, конечно, вспомнил спектакль "Рогатка", поставленный по его пьесе. И много другого :) 
Ирина Соколова, игравшая в спектаклях «Элеонора. Последняя ночь в Питтсбурге» и «Антонио фон Эльба», также записала видео.
Это был удивительно теплый вечер, полный воспоминаний и любви. На самом деле и пересказать его невозможно, да и нужно ли? Самое главное все же - особая атмосфера. Любви, восхищения, сопричастности, наверное, даже. Мы жили в эпоху Виктюка... 

Спектакль “Путаны” в театре Виктюка может отпугнуть высокоморальных зрителей одним своим названием, тем удивительнее может оказаться факт, что этот спектакль – один из “долгожителей” театра, написанной итальянским актером и драматургом Нино Манфреди специально для Романа Виктюка. Поставленный аж в 1997 году, он до сих пор пользуется успехом у зрителей. Почему?
Соседи, волею судьбы столкнувшиеся по бытовому поводу, это писатель-неудачник Армандо (в блестящем исполнении Ефима Шифрина) и женщина весёлого нрава Принцесса (Екатерина Карпушина) .
Казалось бы, что общего у людей с абсолютно полярными интересами?
Они говорят о жизни, о том, кто и что продаёт, что именно продаётся и кто покупатель и вдруг приходят к оригинальному выводу: кто из них продажней:
тот, кто продаёт своё тело, или тот, кто предаёт себя, продавая свои мысли и идеи в угоду тому, кто их купит.
Весьма неслучайно, полагаю, в спектакль введена “группа в полосатых купальниках”. Мимы гротескно передают эмоции главных героев, усиливая эффект, а иногда и подчёркивая абсурд происходящего, гениальная же сцена со страусами, на мой взгляд, позволяет зрителю встряхнуться, освободиться от мысленной шелухи, сфокусироваться на предмете диалога.
Немая же роль Чарли Чаплина уравновешивает всё действо, он, словно незримый резонёр, постоянно и очень к месту сопровождает героев…
Хоть спектакль заявлен как лирическая комедия, на мой взгляд, это трагикомедия, и тут много трагичного, пересекающегося со смешным. Здесь поднимаются экзистенциальные, глубокие вопросы:
Ради чего мы живём? Чем мы занимаемся? Что есть наше творчество? Ради чего?
И кто в данном, случае, простите, бОльшая путана из наших героев?
Многослойный, гораздо глубже, чем может показаться на первый взгляд из-за названия, этот спектакль рекомендую тем, кто любит пофилософствовать и осмыслить нашу жизнь.

Посмотрев на декорации сцены театра Виктюка перед началом спектакля "Венецианка" (по пьесе неизвестного автора 16 века), я грешным делом подумала, что Италия собралась строить коммунизм: вместо атмосферы ночной Венеции на сцене красовалась огромная пятиконечная звезда, сложный механизм с шестеренками, различные брусья и крутая горка с зацелованными портретами Сталина и Ленина. Вздохнув, я приготовила блокнот для конспектирования вступительного слова режиссёра (актер Прохор Третьяков), собравшего рабочую молодёжь,чтобы выковать из них настоящих артистов. Распределение ролей в революционном театре нового типа - театре с политруком- сопровождалось тренажерами не только тела артистов, но и головы: лекции об элементах театрального действия и обучение техникой владения маской сменялись акробатическими этюдами артистов по режиссерскому свистку и команде "Делай" раз""!
Должна признать, что рабочая молодёжь театрального кружка была на редкость талантливой, если не сказать - гениальной, потому что всё то, что происходило на сцене после распределения ролей, было настоящим произведением искусства, и в этом несомненная заслуга режиссёра спектакля Игоря Неведрова.
Красота и гениальность исполнителей ролей
Юлио- Иванович Иван, Вальеры- Третьяков Прохор,
Андзелы - Мотырев Станислав, Нены-Когаев Алдар, Ории -Захарин Сергей,
Бернардо-Новиков Павел-не давали зрителю шанса остаться равнодушным к действию на сцене, и уже сам сюжет не имел никакого значения.
Тем не менее хочется сказать несколько слов о фабуле пьесы: благородный мессир Юлио, приезжий, остановился в венецианском "Павлине" и оказался перед трудным выбором дамы сердца между госпожой Анзелой(вдовой) с ангельским ликом и золотым сиянием, будто сошедшей из рая и доброй, благородной, благонравной знатной дамой Вальерой, к сожалению, замужней. Весёлые и бойкие субретки Нена и Ория,поверенные в делах господ, помогают своим сеньорам в их любовных интригах. Как и во времена Шекспира все роли - и женские, и мужские - исполняют мужчины. А в спектакле "Венецианка" у каждого актёра было минимум по две роли: "революция, вперёд! " , венецианская маска, кошечки- собачки на набережной Венеции и элементы актёрской импровизации , вовлекающие зрителей в действие.
Как описать или пересказать гениальную игру актеров? Это необходимо лицезреть, как "афро-итальянец" Юлио снимает доспехи и выпивает мелкими глотками любовный эликсир, распаляя жар в сердце благоволящей к нему мадонне Анзеле. Как Анзела мастерски, предупредительными ударами принимает его ухаживания, и они обменивается дистанционными поцелуями из разных концов сцены. Служанка Нена, которая просыпается только при слове "зарплата" и на вопрос вселенской значимости "Проси, что хочешь" отвечает госпоже: "Ступайте к себе и спите". А горло носильщика Бернардо, осушающего бокал, неожиданно хватает рука госпожи, находящейся... в паре метров от самого Бернардо. Спектакль был полон таких неожиданных поворотов, фокусов, уловок, удерживая зрительское внимание ежесекундно. Сценическая любовь,ревность,измена,страсть переплавляли зрительские сердца без грима, костюмов и масок, а пластика актёрского ансамбля вызывала восхищение. Артисты сами наслаждались своей игрой и энергетикой- всё это вместе создавало колоритную, яркую, талантливую палитру спектакля.
Игра Станислава Мотырева (сеньора Анзела) просто восхищает: его голос знает десятки оттенков, мимика лица и блеск глаз передают многообразие человеческих эмоций, а гуттаперчивое тело выглядит эластичным.
Кажется, в спектакле соединена пограничная человеческим возможностям актёрская пластика, акробатика, драматическое искусство, которые выходят за пределы сцены на венецианскую площадь Святого Марка.
Однако в финале мы слышим песню Александра Вертинского и звучат слова Мейерхольда, произнесённые им за месяц до его расстрела.

Есть над чем подумать.

Чем меня привлекает Театр Романа Виктюка - к визиту в его стены всегда нужно готовиться. И я имею в виду не только тайм-менеджмент и дресс-код, но и подготовку ума и сердца.
"Орфей"- вот название спектакля режиссёра Сергея Захарина, который посетила на этой неделе.
Американский драматург Теннесси Уильямс назвал свою пьесу "Orpheus Descending"("Орфей спускающийся"), которую традиционно переводят как " Орфей спускается в ад". Пьеса по эмоциональному накалу - шедевр мировой драматургии.
Именно городок на юге Соединенных Штатов.и становится тем самым адом— местом, где процветает ханжество, фальшь, лицемерие и притворство. Это место не царство Аида, его можно легко покинуть, но даже неприкаянная бунтарка Кэрол Катрир, которой запрещено законом оставаться после захода солнца в этом городке, почему-то возвращается сюда вновь и вновь. Парадокс. Но в этот раз у неё есть мотив - красавец-гитарист Вэл Зевьер ( Иван Никульча ) появился в городе в своём знаменитом плаще из змеиной кожи и гитарой с автографом Романа Виктюка, которому Театр Романа Виктюка и посвящает этот спектакль.
Претенденток на роль Эвридики было достаточно : даже шериф Толбет( Александр Семёнов) приревновал свою жену Ви (Анна Подсвирова) к этому умельцу сжигать женские сердца. Есть в городке люди, «на которых тавро ещё не выжжено», их душа свободна,хотя обожжена. У Лейди ( Мария Казначеева )- дочери итальянского бутлегера, который был сожжен вместе со своим виноградником, не хватает дыхания жить в этом городе. Женщину ждут кощунственные факты-открытия о муже Джейбе Торренсе.
Вот и сложилась история любви Орфея и Эвридики - эмоциональная трагедия об уставшем от разгульной жизни красавце-гитаристе и замужней женщине, пережившей не одну трагическую потерю.
Спектакль выдержан в чёрно-белой гамме цветов: одинаково-нарядная одежда обывателей городка,которые говорят и рассуждают синхронно. Чёрные ящики, трансформирующиеся то в тюремную камеру, то кровати, то ячейки-конуры. Звучит рефрен стука, когда на втором этаже смертельно больной Джейб зовёт свою жертву-жену (прекрасные актёрские работы Олега Исаева и Марии Казначеевой ), когда городские сплетницы передают из уст в уста последние дрязги . А, может, кто-то из почивших предков зовёт пообщаться?
Сцена расцветает только тогда, когда Лейди и Вэл вьют своё гнездышко. Зелёный цвет - цвет жизни! Но красные шапки горят предупреждающим пламенем на сбежавшем из тюрьмы арестанте и на добровольной арестантке этого города - Кэрол Катрир. В спектакле также появляется алый шланг в руках Лейди,которым она много лет пытается потушить пожар своей души после ужасной трагедии в винограднике, но мне он напоминает наградную ленту победильницы конкурса красоты.
Конечно, спектакль, в первую очередь - бенефис Ивана Никульча , яркого исполнителя роли Вэла Зевьера.. Зрительницы-Эвридики одарили его цветами после спектакля. Вообще все мужские роли были хороши.
Я тоже взяла себе на счастье капельку зелёного дождя, который с небес лился на влюбленных.
Зелёный - цвет надежды!

Посмотрели с дочкой замечательную сказку Пушкина "Сказка о рыбаке и рыбке. В восторге! Масса положительных эмоций, понравилась игра актеров, музыка, танцы, пение, свет. Настоящий Театр и настоящая сказка для детей! Придем еще!!

В советское время было написано много произведений, которые в наше время не просто остаются актуальными, но и даже поражают своей пронзительностью по отношению к окружающей нас действительности.

Очередная премьера в Театре Романа Виктюка не обошлась ни без смеха, ни без слез. Причем, слез самой Людмилы Погореловой. А ведь без слез про постановку "Лакейские игры. Почти смешная история" действительно говорить невозможно, ибо 25-летний режиссер Александр Карпушин через нее стал продолжением самого Маэстро Романа Григорьевича. Много слов на пресс-выходе было сказано про юного гения, который принес книгу, положил на стол, раздал роли и начал работу с актерами, и никто, несмотря, на казалось бы, безумность замысла и сложность работы не сопротивлялся ему, чувствуя какую-то особую внутреннюю мощь и силу его таланта. Сам режиссер, однако же, так и не появился перед зрителями, и это, мне кажется, связано с особой скромностью молодого человека, но не могло не огорчить. Столько вопросов хотелось ему задать, которые задавать актерам было просто нелогично, я бы сказала, даже глупо. Но в тот момент, когда после спектакля в зале зажгли свет, Александру были благодарны не только зрители, но и сами актеры, вновь обретшие в его лице Романа Виктюка. Спектакль понравился всем без исключения, а поклонников Маэстро и его Театра привел в полнейший восторг, так что найти слова на пресс-выходе было уже сложно, - слишком много эмоций, и это триумф!

Признаюсь, не читала пьесу и не смотрела фильм, поэтому сравнить мне не с чем, и то, что я буду писать дальше - то, что я поняла из постановки, даже если это не соответствует оригинальному произведению. Спектакль "Лакейские игры. Почти смешная история" поставлен по пьесе Эмиля Брагинского, которого любители советского кинематографа знают как соавтора Эльдара Рязанова и автора сценариев ко всеми любимым фильмам "Берегись автомобиля!", "Ирония судьбы, или С легким паром", "Зигзаг удачи", "Служебный роман", "Старики-разбойники", "Вокзал для двоих", "Гараж". Первое, что приходит в голову, это то, что на сцене будет классический спектакль, выдержанный в стиле этих кинолент, а это полностью разрушило бы эстетику Театра, но, к счастью, никакой классики. "Почти смешная комедия", почему же "почти смешная", - спрашивает одна из зрительниц. "Потому что не смешная...", - отвечает Людмила Погорелова, - "...и потому что это название книги, в которую входит пьеса "Лакейские игры". И действительно, совершенно не смешно, ведь на примере этого утопического Дома показано наше общество, эгоистичное, трусливое, подлое, подобно болоту засасывающее в себя всех, кто хоть как-то отличается от массы, превращая в часть себя, часть, возможно, даже наиболее агрессивную.

На сцене мы сразу видим белые стены Дома для приема Особо Важных Гостей и белый фонтан, символизирующие чистоту, роскошь и неприкосновенность заведения. Этот Дом благодаря труду неустанно бдящих старательных работников и суровой надменной хозяйки круглосуточно готов к заселению визитера любого уровня. У всех работников что-то вроде униформы - платья одного фасона, но разного цвета, что, по всей видимости, показывает принадлежность к одному и тому же обществу. Но какие платья! Шелковые, яркие и в пол, а на груди пуговки и рюши. Как просто и как элегантно, я хочу такое же, причем, в каждом цвете. Очень странно обошлись с волосами актрис - пышно собранные и при этом растрепанные, они смотрелись комбинацией вечерних причесок и многодневной запущенности. А грим, отдаленно напоминающий маски мимов, обезличивал героинь и превращал в кукол. Общий образ героинь хочется описать как образ людей с неряшливой роскошью и напускным достоинством, людей, в которых отсутствуют индивидуальность и воля. А еще было много симпатичных молодых людей, ну куда же в Театре Романа Виктюка без сексуальных мужчин с голым торсом! Особенно хочется отметить динамику постановки и пластику, которая сопровождала каждое движение каждого персонажа на протяжении почти двух часов. Все движения складывались друг с другом подобно пазлу, и так вырисовывалась целая картина.

На пресс-выходе актрисы рассказали нам о том, сколько разных тренировок у них проходит регулярно для поддержания формы, так что, тому, кто считает эту профессию легкой, стоит задуматься, каково это на самом деле. Людмилу Погорелову вообще, например, перевернули через голову, но все это выглядело так легко, словно никто не прилагал никаких усилий, невероятно. И ведь даже после спектакля динамичного, со сложной хореографией, с непростыми персонажами, актрисы сидели перед нами такие прекрасные и легкие, и не чувствовалось в них ни усталости, ни опустошения. В какой-то момент весь восторг от постановки превратился в слезы, слезы актрис и зрителей, но при этом все улыбались, благодарили создателей постановки и вспоминали Романа Виктюка. Честно говоря, и так говорили многие, хочется еще несколько раз пересмотреть спектакль, и кажется, каждый раз будет открываться что-то новое. Среди театралов обсуждаем спектакль "Лакейские игры. Почти смешная история" до сих пор, и ни разу я не услышала ничего негативного. Браво! Спасибо! Невероятно!

Эмиль Брагинский более чем известен, позднесоветский классик. «Ирония судьбы», «Вокзал для двоих», но не все, конечно, можно было застать, не все посмотреть, но понятно одно - уровень популярности Эмиля Брагинского, особенно в дуэте с режиссером Эльдаром Рязановым, высокий.
Не супер-известная пьеса «Лакейские игры», поставленная на сцене театра Романа Виктюка в знакомом условно-пафосном стиле, с эффектными позами, нарядами и пантомимами, режиссером Александром Карпушиным, интригует. Что же критиковал, над чем грустно смеялся автор? Название пьесы, хлесткое, сатирическое, как бы намекает нам, зрителям, что ждет тут всех гневно-несмешное действо на самую злобу дня, сатира и разоблачение. В результате просмотра спектакля происходящее на сцене мне больше всего напомнило тот самый «сеанс разоблачения». По сути, не по букве, конечно. Благо и сценография поспособствовала. Весьма удачная, на мой вкус.
«В реальной жизни это маловероятно. Белым фасадом Дом выходит на озеро, однако построен так хитро, что разглядеть его можно только лишь с самой середины озера. А там, вроде бы случайно, и днем и ночью покачивается на воде лодка, и в ней вроде бы рыбак вроде бы ловит рыбу… С трех других сторон Дом окружен лесом, а лес окружен глухим забором, окрашенным под цвет листвы. Конечно, к Дому ведет асфальтовая дорога, но свернуть на нее с шоссе нельзя — мало того, что висит запрещающий знак «кирпич», тут же вроде бы случайно вроде бы прогуливается милиционер.
Предназначен этот Дом для приема Особо Важных Гостей. И они посещают этот Дом. Иногда. Однако Дом ежечасно, нет, ежеминутно готов к приему. И обеспечат достойный прием Важному Гостю «

В реальной жизни так раз сразу приходит на ум одно совершенно реальное здание, не белое, правда,а зеленое. Дача Сталина на озере Рица, например. Прямо идеальное описание. Озеро, лес, особо важный гость (усы, охрана и прочее).
Обстановка внутри этого дома - некий бордель, несовременный (потому возникает мостик временной «так было всегда, не беспокойтесь»)
Мадам Крутилина (Людмила Погорелова) ведьмачит в зеленом платье и ярко-рыжем парике, лохматая фурия,
доминатрикс в черных чулках. Насчет доминирования все разложено так: мальчики в белых банных халатах и кроксах подчиняются,
девочки в шелковых платьях с рюшками руководят. Так что начальник охраны из пьесы Брагинского заменен на начальницу Василису Ивановну в исполнении интересной Олеси Быкодеровой, у нее самые смешные и яркие реплики («смотрю в темное будущее и вижу там…»), платье персиковое, или крем-карамель, или мороженое крем-брюле?
Горничная Тамара (благородная, реально красивая Анна Нахапетова) –подобранная Мадам девочка трудной судьбы,
единственно ей преданная, с безупречными качествами жертвы и- что характерно - жена одного из сотрудников. Остальные блудят по углам с подчиненными в банных халатах, и, наверное, тем и довольны. У Тамары голубое платье и самая аккуратная прическа.
Повар-алкоголичка (Крюкова Владислава), какая уж там аккуратность, в розовом, а врач (Подсвирова Анна) – в сиреневом. Команда Акварель, группа специалисток элитного отдыха. Выглядят они в условно- французском духе, по воле режиссера, что серьезно контрастирует с текстом.
Пример:
«. Значит, шибко грамотная, а за это зарплата положена шибко маленькая…

«Отец у студентика вообще — смех на улице — учитель рисования в средней школе…
«
ии беседа-флирт:
«Георгий Никитич. (Шепотом спрашивает.) Семечки уважаешь?
Ася. Еще как!
Георгий Никитич. Сейчас полузгаем! (Подмигивает Асе.) Ну-ка еще разок!»

ну не гадость ли?
.
и еще «Когда помчитесь в Париж, прихватите меня. Будет кому вещи таскать, да и городишко я знаю недурно».
Да, Париж – это, конечно, городишко, иначе не скажешь. Эта хамовитость, неприятная простота, советский дух известного толка пронизывает подловато-низкую словесную ткань пьесы. Потому режиссерский подход максимального отстранения от этого дела кажется мне ироничной интерпретацией картины поздне-советской роскоши. Хочется быть над всем этим, а не в.

Впрочем, в любое время жить и работать надо. Вот и спортсмен - велосипедист Жора (Иван Иванович) качественно работает. Он и муж Тамары, и спортсмен в прошлом, и тренер физкультурный, и Георгий Никитич временами, по необходимости. Посвятим красавцу песню.
«Шествуй на Олимп гордо,
К солнечной стремись награде,
Ради красоты спорта,
Родины своей ради!
Надо побеждать честно,
Надо жить на свете ярко!
Сложат и о нас песни, –
Будет небесам жарко! «
И главное лицо пьесы, за чью душу привычно, но не лениво бьются «лакеи» – Ася Мартыненко (Якушева Анастасия) - очаровательная особа, появляется в таком парижском черном платьице, на каблучках. Бледное лицо, тонкие пальцы, правильные речи. Ей предстоит стать драконом и надеть зеленое платье. Не высокая трагедия, в общем-то. Обычные дела.
«Ася (вдруг нежно гладит Крутилину). Бедная моя, погубленная девочка!
Крутилина (с показной бодростью). Совсем не опасная эта Ася. Люди много посильнее хотели нас на том же месте пог*****. Тоже пытались нам ложное дело пришить, и не раз! Но справедливость в нашей стране всегда торжествовала!»

Хороший спектакль, при всей квази-простоте, которую, в основном, текст пьесы сообщает. На опасности роли лакейской и карьере, которую с помощью вовремя направленного и куда надо доноса строят и строили, не концентрируется. А зачем?

Посмотрела новую премьеру в театре Романа Виктюка "Почти смешная история (Лакейские игры)" по пьесе Эмиля Брагинского "Лакейские игры" в постановке Александра Карпушина.
Спектакль очень красивый- услада для глаз эстета. Спасибо художнику Владимиру Боеру. Музыка, свет - все в нем совпало и сложилось в единую, совершенно целостную картину. Спектакль с очень глубокой философией и очень актуален для нашего современного общества.

Спектакль Почти смешная история (Лакейские игры) режиссёр Александр Карпушин - очень рекомендую всем к просмотру!
Это тот спектакль, на который хочется возвращаться вновь!

17 ноября 2020 года не стало Романа Григорьевича Виктюка – легендарного режиссера, который внес неоценимый вклад в мировое Искусство, и навсегда останется одной из важнейших фигур российской и мировой театральной жизни.
В посте, размещенном на странице ТРВ в этот день, актеры написали:
«Все мы его дети и стараемся сохранить все то, что он создавал многие годы, верить в театр, любовь, свет и высокое искусство!»
И не только написали, но и на протяжении трех лет, минувших с ухода Мастера, доказывают это своими новыми постановками.
15 ноября в Доме Света с триумфом прошла премьера спектакля «Почти смешная история. Лакейские игры», которую поставил Александр Карпушин, взяв за основу пьесу Эмиля Брагинского «Лакейские игры» (написана в 1989 году).
Произведения Эмиля Брагинского, хорошо известные всем еще с советских времен – они добрые, веселые и грустные, с хорошим концом.
Однако, сам автор называл «Лакейские игры» сердитой комедией и она оказалась, действительно, мало похожа на другие его пьесы.
Все ее действие происходит в Доме для приема Особо Важных Гостей. «И они посещают этот Дом. Иногда. Однако Дом ежечасно, нет, ежеминутно готов к приему. И обеспечивают достойный прием Важному Гостю»:
Директор Дома (и по должности, и по характеру абсолютный монарх) Крутилина Римма Петровна - з.а. РФ Людмила Погорелова
Старшая горничная Тамара (сплетница и доносчица) - Анна Нахапетова
Врач Зобова Наталья Владимировна (буквально видит людей насквозь) - Анна Подсвирова
Шеф-повар Пряник (сибарит, любитель курятины и тминной водки) - Владислава Крюкова
Охрана в лице Василисы Ивановны - Олеся Быкодерова
Инструктор по физкультуре Жора - Иван Иванович,
А также «рядовые» Работники пансионата:
Лукьянов Андрей
Сыровацкий Владислав
Абаев Сергей
Силантьев Жан
Ледовский Кирилл.

Надо вам сказать – змеюшник еще тот...
И вот в нем, волею судьбы, оказывается новенькая официантка Ася Мартыненко (девушка довольно разбитная, как и положено по профессии, однако честная) - Анастасия Якушева.
И затеяла Директор устроить новенькой проверку – такая ли она честная и порядочная, как представляется.
Что из всего этого вышло и предстоит узнать зрителю, пришедшему на спектакль. Но... зрелище его ждет весьма необычное!!!
Начиная с эффектной черно-белой сценографии з. худ. РФ Владимира Боера, весьма странного внешнего вида женщин – работниц пансионата (на пресс-показе одна из зрительниц сравнила их с гейшами, на что позади меня раздался голос – «лахудры какие-то», а Людмила Погорелова охарактеризовала их как «месиво женской природы, которая жаждет развлечения, жаждет красоты»), роскошной пластики в постановке Артура Ощепкова, прекрасной работы со светом Андрея Дёмина и великолепного музыкального оформления!!!
Брагинский в этой пьесе исследует природу глубинного и безнадежного русского рабства («наш человек без царя не привык») и режиссер демонстрирует нам это «исследование» в весьма гротескной форме. Сама пьеса дала артистам и постановщику широкую возможность для юмора и сатирических пассажей.
Александр Карпушин – выпускник мастерской з. а. РФ Д.С. Бозина в ИТИ им. И. Кобзона и эстетику ТРВ чувствует очень тонко, что он уже успел продемонстрировать публике в своих работах «Спектакль будет объявлен особо. Миф. Прикосновение к тайне», «Женская версия любви» и «Во всем виноват театр».
Новая его работа, на мой взгляд, просто безупречна!!! У Александра получился интересный, профессионально выстроенный спектакль.
Постановка сделана в лучших традициях этого театра – в ней и его знаменитая эстетика, и пластика, и музыка (вот только пару мужских персонажей здесь играют актрисы, а не наоборот, как было принято при Романе Григорьевиче).
Примечательно, что весь актерский состав этого спектакля на пресс-конференции, которая состоялась 14 ноября сразу после пресс-показа, в один голос «пел дифирамбы» режиссеру, рассказывая, насколько интересным был творческий процесс создания спектакля.
И по их актерской игре это чувствуется – они и сами кайфуют на сцене и зрителей в это состояние затягивают.
Поклонникам ТРВ я рекомендую во всю прыть бежать и смотреть – получите огромное удовольствие!!!
Ближайший показ уже 3 декабря. Ловите ссылку на билеты:

https://teatrviktuka.ru/spektakli/pochti-smeshnaya-istoriya-lakeyskie-igry/?afisha_open_widget=1

«Почти смешная история (Лакейские игры)»-новый спектакль в театре Романа Виктюка.
События происходят в доме для приема важных гостей,куда приезжает устраиваться на работу честная и порядочная Ася. Девушка без изъянов вызывает подозрение. В этом обществе считают, что невиновных нет, есть необнаруженные и решают надломить Асю.
Важный гость Георгий Никитич пытается соблазнить девушку. Но позже оказывается, что он и не гость вовсе, а инструктор по физкультуре Жора. Таким образом он устроил новой сотруднице проверку, будет ли она хорошим «работником». Ася начинает мстить и у нее это здорово получается!
История о том, где каждый проходит проверку на человечность и делает свой выбор.
Актеры невероятным образом двигаются на сцене под музыку, все действие очень эмоционально и красиво. Женщины в ярких костюмах и невообразимых париках, с фарфоровыми личиками и мужчины в белых халатах.
Декорации лаконичны: белые столы, стулья - все легко передвигаются в пространстве.
Финал неоднозначный, но как считает автор, мы не должны терять надежду на то, что свет есть, даже несмотря на то, что в современных реалиях его маловато.
Театр Романа Виктюка я посетила впервые, мне он показался очень необычным и тем самым очень интересным. Историческое здание, небольшое уютное фойе, удобное расположение зрительных мест.
В зале большие окна, которые во время спектакля закрывают темными шторами.
Очень рада, что состоялось мое знакомство с театром. Всем рекомендую к просмотру.

В театре Виктюка любят разнообразные игры: двадцать пять лет идут "Странные игры Оскара Уайльда" (подзаголовок Саломеи), в прошлом году появились "Масенькие супружеские игры". И вот премьера: "Почти смешная история / Лакейские игры" по пьесе Эмиля Брагинского. Поставил спектакль очень молодой, но безмерно талантливый Александр Карпушин. Предыдущий его спектакль в театре Романа Виктюка "Во всем виноват театр" был великолепен, но закрадывалась мысль, что возможно это случайная удача - поглядим что дальше будет. Теперь же сомнений не осталось: в театре появилась реинкарнация Мастера. Не подумайте, что Карпушин копирует стиль Романа Григорьевича, нет все гораздо глубже. Молодой режиссер мыслит как Виктюк, понимает театр как Виктюк, и как Виктюк вдыхает жизнь в свои работы.
Хирургической белизны пространство спектакля создано верным соратником Романа Виктюка, Заслуженным художником РФ Владимиром Боером. Эстетика декораций Боера перекликается с конструктивистской эстетикой фасада здания театра, созданного Мельниковым, черная штора на сцене - отражение штор на окнах зрительного зала. И громадная сфера - образ вселенной, образ бесконечности, но и образ бесконечного бега по кругу.
"Лакейские игры" не самая известная пьеса Брагинского - отражение модной, в то, перестроечное, время, борьбы с социальными и экономическими язвами застоя. Уверена, что режиссер Александр Карпушин далек от таких понятий как социалистическое соревнование или продуктовый дефицит, на которых основано действие пьесы. Но удивительным образом спектакль смотрится очень современно: борьба за тепленькие местечки, подсиживание коллег и самодурство начальства тянется в российской драматургии аж с Ревизора, а то и раньше.
В спектакле "Лакейские игры" действуют в основном женщины в экстравагантных париках и ярких платьях (художники по костюмам Александр Карпушин и Владимир Боер) - обслуга Дома для приема Особо Важных Гостей, а суровые мужчины в банных халатах - безмолвный кордебалет вип-клиентов. Великолепна Людмила Погорелова в роли Крутилиной, интересна в начале ее антипод, а затем адепт - успешно сдающая экзамен на лакейство Ася Мартыненко (Анастасия Якушева). Абсолютно неузнаваема, в остросоциальной и одновременно комедийной роли врача Зобовой, Анна Подсвирова - раньше я ее видела только в блистательных ролях лирических героинь. Собственно все участвующие в спектакле актрисы - отжигают по полной: на сцене кружится созвездие колоритных, запоминающихся образов. Как всегда, изумителен Иван Иванович в роли физкультурника Жоры, который любит "деньги, баб и велосипед, но велосипед у него все-таки на первом месте".
Эффектно поставлены массовые сцены: движения актеров настолько идеально отлажены (художник по пластике Артур Ощепков), что возникает ощущение: герои спектакля не люди - андроиды.
Спектакль "Лакейские игры" в театре Виктюка идет почти два часа без антракта и смотрится буквально на одном дыхании: калейдоскоп событий проносится перед нами в таком темпе, что просто некогда моргать.
Есть лишь небольшое "но": с боковых мест часть действия не видна, так как на сцене выстроена комната-коробка, стены которой срезают обзор.

Премьера в театре Романа Виктюка "Почти смешная история" ("Лакейские игры") произвела сильное впечатление не только смелостью и широтой замысла, но и актерской игрой, хореографией, костюмами и глубиной мысли, и сейчас актуальной пьесы, написанной в 1988 году. Очень сильная, яркая постановка.

Театр Романа Виктюка подготовил для нас премьеру - "Почти смешная история (Лакейские игры)".

Название спектакля само за себя говорит, а именно вас ждут смешные, а может и нет, ситуации и игры на службе. Всё действие происходит в Доме для приёма Особо Важных Гостей. Уже давно сложившийся коллектив принимает на работу новую молодую коллегу Асю Мартыненко. И к сожалению, как это часто и бывает, изначально негативно к ней настроен. Ей устраивают суровый испытательный срок. Ничего вам не напоминает? Наверное, все мы с этим сталкивались. С неприятием, непониманием, противопоставлением, завистью. Но Ася оказывается достаточно сильной, всё выдерживает и выстраивает по своему.

Какой актуальный спектакль! Да, в жизни приходится бороться, ведь побеждает сильнейший. Как много людей сходят с дистанции из-за того, что склонны к страданиям. Станиславский говорил: "Не верю!" А я верю, что надо верить в себя и в то, что твой мир заботится о тебе. Не давать себя в обиду и в любой ситуации выбирать себя и исходить из того, как тебе лучше. Правда в тебе, а в толпе правды нет.

Еще правда за театром, а Театр Виктюка - это настоящее место силы. Очень крутые актёры, прекрасные и тонкие реплики. Много пластики и музыки. Интересная и взрослая подача материала. Обязательно сходите и составьте своё мнение.

Путешествие в Золотой век Пушкинской поэзии.
«Сказка о рыбаке рыбке», реж. Игорь Неведров.
Продолжая исследовать репертуар театра Виктюка, я добралась и к детским спектаклям. Посмотрела последнюю часть триптиха «Пушкин»: «Сказка о рыбаке рыбке», реж. Игорь Неведров.
Любовь к искусству прививается с малых лет юным зрителям, которые в будущем непременно станут постоянными почитателями театра. В театре Виктюка было выпущено три сказки: «Сказка о мертвой царевне и семи богатырях», реж. Сергей Захарин, «Сказка о царе Салтане», реж. Сергей Тарасов и «Сказка о рыбаке рыбке», реж. Игорь Неведров. Каждая сказка уникальна тем, что их ставили разные режиссеры и создатели триптиха сами, на время работы над спектаклем, становились детьми.

Зрители, на ближайший час, оказываются на праздничном гулянии – на ярмарочной площади. Парни и девицы начинают появляться из зала: песни, пляски, пластические номера, отовсюду доносятся веселые голоса и постепенно зрителей вводят в «Сказку о рыбаке и рыбке». Перед зрителем разворачивается фольклорно-пластическая сказка.

Сказку А.С. Пушкина «О рыбаке и рыбке» мы помним еще из детства, но о глубоком смысле наверняка многие из нас даже не задумывались. Автор наглядно показывает, к чему может привести неуемная жадность. К сожалению, человеческая сущность такова, что всегда будет мало имеющихся материальных благ. Смысл «Сказки о рыбаке и рыбке» кроется в самом сюжете.
Старик каждый день отправляется к морю, чтобы поймать рыбу. Он привык к такой жизни: тяжелой, однообразной, безрадостной. Но вот в сети старику попадается золотая рыбка, готовая выполнить любые желания только бы старик отпустил её назад в море. Но старик не знает, что попросить у рыбки и просто отпускает её с миром в море. А дальше, дальше начинается самое интересное. И вот здесь задача зрителя извлечь из сказки самое важное – мораль.
Сказка учит малышей ценить то, что имеешь, радоваться жизни, несмотря на сложные жизненные ситуации. На примере старухи показано, что важно не быть потребителем, и что высокомерие и заносчивость не приводит к добру. Непомерная жадность неизбежно приводит к печальным результатам. Материальные блага и место в социуме не принесут счастья, если душа будет оставаться черствой и алчной. С помощью аллегорий автор пытается донести до зрителя, как важно жить в гармонии с внутренним миром и окружающими людьми. Поймать удачу – не самое главное. Важно уметь правильно распорядиться всеми благами, чтобы впоследствии не остаться у разбитого корыта.
Декорации. На сцене мы видим две больших куклы старика и старухи. Золотая рыбка красочная, яркая и привлекает внимание малышей. Каждый актер погружается в образы главных героев сказки и ведет повествование от их имени. Зал заполнятся волшебной энергией и сказочной атмосферой. Энергия – это то, с чем искусно справляются все актеры театра Виктюка. Все внимание зрителя сосредоточено на пластике актеров (Режиссер по пластике: Аносов Владимир).

Причудливая игра света (Художник по свету:Старостин Александр) создает ощущение волшебства, и на несколько мгновений, можно оказаться у самого синего моря и даже погрузиться в морскую пучину, очень яркое и красочное оформление.
Красная ковровая дорожка – элемент богатого царского дворца, причудливый головной убор -корона и даже жемчуга - сквозь декорации и элементы костюмов зритель видит трансформацию старухи. И только у старика один невод и безграничная любовь к своей старухе. Потому что сказка не только о жадности, а о самом важном чувстве – о любви. Старик оставался рядом со своею старухою, не смотря ни на какие обстоятельства. И любил ее и простою, и дворянкой столбовой, и царицею - и когда она вновь осталась у разбитого корыта, старик продолжал любить «свою старуху».
Музыкально оформление спектакля дополняет целостность общей картины.
Костюмы актеров привлекают внимание детей и взрослых. Для себя отметила костюм Алдара Когаева с принтом Романа Виктюка. У меня даже, на какое-то мгновение было ощущение, что сказку рассказывает сам Роман Григорьевич.
Спектакль Игоря Неведрова «Сказка о рыбаке и рыбке» будет увлекателен для всех зрителей – и для детей, и для взрослых. Ведь сказка дарит неограниченные возможности всем. Здесь каждый найдет что-то важное для себя.

«Сказка о рыбаке и рыбке»
======================
Актер и режиссер Театра Романа Виктюка, один из любимых учеников Мастера, Игорь Неведров, поставил дивную сказку, которую с большим интересом смотрят не только детишки, но и взрослые. А разыгрывает ее талантливая молодая поросль Театра – с шутками-прибаутками, русскими песнями и танцами и красивыми древнерусскими обрядами.
Получилась у него очень красивая театрализованная читка известной всем с детства сказки Александра Сергеевича Пушкина, в которой несчастного старика и его сварливую жену представляют огромные куклы, а текст за них говорят по очереди все участвующие в постановке актеры.
И Золотая рыбка здесь тоже игрушечная, с роскошным разноцветным хвостиком.
За пластику в спектакле отвечал постоянный сопостановщик Романа Григорьевича – Владимир Аносов и смотреть на его работу – одна услада для глаз!!!
Молодые актеры с таким удовольствием разыгрывают перед зрителями это представление – словно купаются и в стихах Пушкина, и в русском фольклоре, которым изобилует спектакль, что своим энтузиазмом «заражают» зрительный зал, который с восторгом следит за каждой сценой этого великолепного зрелища!!!
Спектакль Игорь поставил в своем любимом жанре площадного театра, начало которому было положено им еще в «Венецианке», которая с успехом идет на этой сцене вот уже девятый год.
Из анонса спектакля: «Зрители попадут в атмосферу праздника еще в фойе театра: их встретят акробаты, коробейники, певцы и танцоры. Юных посетителей спектакля пригласят водить хоровод».
К сожалению, я прибежала на спектакль буквально в последние секунды до его начала, поэтому фойе театра было уже пустынно…
Партер был забит под завязку и мне пришлось идти на свое место на балконе (ох, и долгий же это и трудный путь). На мое удивление и там в первых рядах было много маленьких зрителей. Но вот им не очень повезло – смотреть сказку через ограждение первого ряда балкона было не совсем комфортно (даже мне периодически приходилось сильно наклоняться вперед), при этом малыши все равно сидели с открытыми ртами и явно были довольны разыгрываемым представлением!
«Сказка о рыбаке и рыбке» завершила триптих спектаклей Театра по произведениям нашего великого сказочника. Спектакли поставлены разными режиссерами и в абсолютно непохожих жанрах и, поверьте, смотреть каждый из них – отрада не только для юных зрителей!!!

Очень мощная постановка выдающегося режиссера. Сильное впечатление. Главное - воссоздан дух Шиллера и его великой трагедии современным театральным языком.
Подробнее - в моей рецензии:
https://dzen.ru/a/ZUNrlAudX2sd0VSC?share_to=link

Сказка о рыбаке и рыбке

Необычная постановка по классической сказке А. С. Пушкина.

Спектакль начинается с ярмарки с русскими песнями, танцами и скоморохами. Это именно то, что совсем не ожидаешь увидеть. Но это и манит смотреть дальше.

Вот на сцене дед и бабка. Дальше вроде все по классике, невод, рыбка, желания, но как же чертовски здорово сыграно.

Рассказ по очереди ведут все актёры.

Все внимание на них: у каждого яркий грим, множество деталей в образе, просто великолепно!

В их руках корыто превращается в избу, из ниоткуда появляется красная ковровая дорожка, дивный головной убор, жемчуга и сапоги.

И бабка действительно превращается то в столбовую дворянку, то в вольную царицу. Ну а деду остаётся только вздыхать и каждый раз ходить к рыбке на поклон.

Замечательно обыграны и волны и нелёгкая судьба деда танцами.

В финале спектакля, как и полагается дед и бабка, взявшись за руки остаются у разбитого корыта, а мы жаждем увидеть другие постановки этого театра.


Нам очень понравилось.
Яркий, красочный спектакль с оригинальным текстом Пушкина, но с необычной подачей и идеей.

Сам театр тоже необычный, впервые вижу, чтобы в зрительном зале были окна, во время спектакля они закрываются жалюзи.

Зал удобный, сцену хорошо видно с любого места. Кресла удобные, комфортные.

Таинство Танго.
Это неординарная и смелая постановка режиссера Игоря Неведрова, которая вызвала во мне бурю эмоций. Танго – спектакль по одноименной парадоксальной пьесе польского сатирика Славомира Мрожека. Не однозначный и глубокий спектакль, пестрящий загадками и многозначными смыслами.
Да и сам Славомир Мрожек - воплощение причудливости и гротеска. Творчество популярного польского писателя всегда относили к театру абсурда.
Основная идея, заложенная в постановке — конфликт отцов и детей. Мы видим старшее поколение, для которого отсутствуют такие привычные для классического общества нормы и ценности.
Семья Артура (Игорь Неведров), погрязла в разврате и пороке, и молодой принципиальный Артур, раздраженный таким отношением к миру, взывает к здравому смыслу и порядку свое семейство бунтарей. Но проблема в том, что они привыкли так жить. Их принцип — отсутствие любых принципов, и иначе они не могут и даже бабушка. Бабушка это главный бриллиант постановки! Шедевральная роль, начиная от внешнего образа и трансформаций практически до финала спектакля. Финальные сцены бабушки – это гениальный режиссерский ход! В первые мгновения спектакля на сцене мы видим, толи того самого фараона из саркофага, толи саму царицу Нефертити (я увидела отсылку именно к этому персонажу). К слову, в саркофаге кружащуюся на карусели бабушку, мы еще увидим ближе к финалу спектакля. Актер Владимир Белостоцкий стал для меня неожиданным открытием. Абсолютно гениальная бабушка в его исполнении! В ходе действа мы все услышим вопрос «Кто вы?», который вначале обращен к героям, а после и в зрительный зал. И вот здесь, я бы очень хотела, чтобы каждый из присутствующих в зале зрителей ответил самому себе на этот вопрос.
Артур же пытается построить принципиально правильный строй в своей семье, все должно быть по четким нормам и правилам. Даже бабушка, собравшаяся умирать, обязана изменить свои планы и прежде благословить Артура и Алю на брак. Но как только Артур достигает своих целей, он снова требует «жить по правилам»: «Здесь уже вообще нет никаких традиций и никакой системы. Одни фрагменты, прах! Вы всё уничтожили и продолжаете уничтожать…»
На первый взгляд все просто и понятно – молодой Артур хочет просто воззвать к здравому смыслу свое семейство, изменить мир к лучшему и исправить "бардак, где ничего не работает, потому что всем всё позволено". Родители Артура – Элеонора (Мария Матто) и Стомил (Станислав Мотырев) дети эпохи хиппи, отчаянные бунтари, которые так и стремятся выразить свой протест. В молодости они это совершали посредством запрещенных танцев, а сейчас бесконечно продолжают играть в карточные игры, которые так не приемлет их сын. Ведь вся семья то и дело проводит за карточной игрой, интригами и другими порочными вольностями. Артур же решает ввести свой строгий порядок, приравнивая свободолюбие семейства к распущенности: «Вы отравили своей свободой поколение до вас и поколение после вас…». Но, как известно, диктатура ни к чему хорошему никогда не приводила, собственно эти последствия мы и увидим в финале спектакля.
Артур же стремительно торопится вернуть традиции и начинает с самого себя. Он хочет жениться на своей кузине Але (Валерия Энгельс) для него самое главное, чтобы все было по правилам. Но в этих правилах он упускает самое важное – любовь. В отместку Аля говорит о том, что изменила Артуру с Эдиком прямо перед свадьбой утром. Сам же Эдик, попутно, еще и спит с матерью Артура. Отец молодого человека не сильно обеспокоен этим досадным событием в своей личной жизни.
Возможно ли хоть как-то привести в сознание деградирующее семейство? Вопрос, ответ на который мы узнаем в финале спектакля, но не слишком ли это высокая цена?!
Декорации (художник-постановщик Владимир Бойер). Гротеск – слово, которое первым возникает в мыслях при виде декораций к спектаклю Игоря Неведрова Танго. На сцене сооружена гигантских размеров карусель и детская горка, перетекающая в песочницу. В песочнице расположился соответствующих размеров саркофаг одного из египетских фараонов, небрежно прикрытый саваном. А сама песочница, в ходе спектакля, легким движением всех артистов, превращается в багетную раму для фото, бережно собирающую в свои рамки всю «классическую» ячейку общества. «Мы пролагали путь в будущее, выходили за пределы нормы…» Для себя я интерпретировала песочницу как рамки, в которых семейство пытается держать себя, но пребывать им там невыносимо тесно и тошно. От того и рвутся, заигравшиеся взрослые дети бунтари, то прокатиться на карусели, то взмыть на горку и скатываются вниз снова в, такие необходимые для всех, рамки социальных норм и правил.
Потрясающие, яркие и необыкновенно красивые костюмы работы художника по костюмам Елены Предводителевой. Образ каждого персонажа – отдельный шедевр. Здесь невозможно выделить какой-то один из костюмов, они все достойны внимания.
Задник сцены тоже «одет» в свой костюм, который бесконечно преображается световыми решениями. На нём фоном через весь спектакль транслируются разъяснения терминов, которые звучат в спектакле, именно там мы увидим и услышим, что же подразумевается под словом «танго», «пергамент» и еще ряд других, не менее интересных терминов, на нём найдется место Адаму и Еве и даже египетским иероглифам.
Здесь мне хочется сказать лишь одно, *********** ценности – слишком ненадежный фундамент.

Театр Виктюка продолжает каждый день создавать таинство игры между божественным и человеческим началом.

Посмотрела спектакль "Мой бедный Марат". Пронзительная постановка, актеры играют очень душевно. Прекрасная сценография, очень впечатлило то, что показана история в двух течениях времени одновременно. Очень чувствуются переживания главной героини и ее боль от сделанного ею выбора в юности. Но так она ждала своего Марата, любовь, жалость и чувство долга, которые юная девушка пронесла сквозь долгие годы. Спектакль о том, что никогда не поздно позволить себе быть счастливым и верить в свою мечту! Браво артистам и режиссеру!

«Мой бедный Марат… Не бойся быть счастливым!»
В Театре Романа Виктюка состоялась премьера спектакля «Мой бедный Марат» по самой пронзительной из пьес Алексея Арбузова (режиссер Александр Тарасов). Пьеса занесена в золотой фонд советской и российской классики. Это пьеса, которая рассказывает историю любви молодых людей и обретения ими цели в жизни. Сложная, многогранная, её нельзя трактовать однозначно. Пьеса написана в 1964 году, но она очень актуальна и в наши дни. Это история о Любви. Любви, которая родилась вопреки голоду, холоду и ужасу *****.

Блокадный Ленинград. Холодная зима 1942 года. Голод, ужас и абсолютно юные и еще не знавшие жизни, подростки смогли сохранить свои лучшие человеческие качества, сквозь весь страх и ужас, который выпал на их юношеские сердца. Нам сегодняшним есть чему у них поучиться. Важно сохранять доброту, гуманность и чистые сердца друг к другу. Режиссер Александр Тарасов очень психологично и осторожно, шаг за шагом постепенно раскрывает перед нами образы героев.
В основе сюжета любовный треугольник. Глубокие душевные переживания героев, постоянная борьба за жизнь и за счастье под звуки несмолкающей воздушной тревоги.
В пьесе Арбузова нет однозначно правых или виноватых героев, здесь каждый прав и виноват в равной степени.
Наивная и смешная кокетливая, хрупкая и звонкая девочка Лика, которая любит творчество Тургенева, встречает гордого Марата Евстигнеева. И случается чудо, между ними рождается огромное и светлое чувство. Которое каждый из них пронесет через всю жизнь. Чувство Марика к Лике настоящее и всепрощающее. «Любовь закрывает глаза на все». На наших глазах герои пройдут свой сложный путь взросления.
Огромная душевная сила Марата, его способность бороться, не смотря ни на что, рваться к цели. Он бесстрашный и деятельный сопротивляется суровым законам жизни, которая вынудила его повзрослеть внезапно. И в этих обстоятельствах его душа не огрубела, а наоборот, она остается детской и ранимой. Он придумывает героические истории о подвигах, которые возможно совершить только в мечтах. Марат сам верит в выдуманные им подвиги и это помогает ему не терять уверенности в себе.
И Леонидик, который явно уступает Марату в характере – слабый, болезненный полная противоположность храброго и рвущегося к подвигам Марата. Леонидик всячески вызывает жалость к себе будоражащим сознание рассказом о матери и приемном отце.
Когда Лика оказывается перед выбором между двумя любящими её мужчинами -Леонидик снова старается вызвать жалость к себе: «Я без тебя пропаду. Ты для меня сестра и мать. Весь белый свет». Эта же жалость будет прослеживаться и во взрослой линии персонажа.
В постановке прослеживается дуальность. Двухуровневая *********** ленинградская квартира, где не просто так на втором уровне, еще юные герои проживают свою полную возвышенных мечтаний жизнь, куда пытаются вернуться и уже повзрослевшими. И приземленные повзрослевшие герои на первом уровне, *********** ******, квартиры. На сцене мы видим сразу взрослую семейную пару Лику и Леонидика, а дальше сюжет развивается в двух параллельных временных плоскостях - блокада и мирное время, юность и взрослые годы героев.
Молодого Леонидика играет — Константин Авдеев, а взрослого Леонида играет артист, с шикарным и чарующим голосом, Павел Новиков. Лику в юности играет Мария Матто, а взрослую Лику – заслуженная артистка России Екатерина Карпушина. И только Марата (Никита Башков) мы видим в юном возрасте весь спектакль. В памяти Лики он по-прежнему юный 17 летний мальчишка, который рвется к подвигам. Актеры играют очень талантливо и душевно. Перед просмотром я прочитала пьесу Арбузова «Мой бедный Марат» и хочу отметить то, что игра актеров очень пронзительна и кажется, будто герои сошли со страниц пьесы. И перед нами в зале, на мгновение, оказались настоящие Лика, Марат и Леонидик и их история.
В спектакле очень интересная сценография, начиная от декораций и завершая световым и музыкальным сопровождением. Марат в спектакле показан все время в одном возрасте, в отличие от героев Лики и Леонидика, но в диалогах с Маратом отвечает то взрослая, то юная Лика. Своеобразная отсылка к тому, что уже состоявшаяся, взрослая Лика продолжает жить прошлым и прокручивать в своем подсознании диалоги с любимым Маратиком. А в это время любовь и жалость медленно выжигают ее. Лика пытается, но не может себе объяснить, что ею сильнее движет: любовь к Марату или жалость к Леонидику? Она безнадежно живет прошлым, которое утекает словно песок. Песок тоже присутствует в сценах – герои пьют чай и из чайника вместо кипятка сыпется песок – символ безвозвратно уходящего времени.
Декорации. В Доме Света всегда актеры играют в нескольких метрах от зрителя, что имеет немаловажное значение в восприятии действия. Перед нами полу*********** комната обычной ленинградской квартиры. На стенах следы ********** после *********. И застывшие в воздухе фрагменты стен, которые приходят в движение во время воздушных тревог, к слову, вначале я ассоциировала эти фрагменты с льдинами. Дыммашина добавляет реальности картине **********, не буду всех подробностей раскрывать, скажу лишь то, что декорации меня очень впечатлили. Это невероятно эстетичная целостная картина. Которая погружает нас в разворачивающиеся события и дает возможность, нам зрителям, прожить, прочувствовать те эмоции, которые проживают герои постановки. А на фоне *********** квартиры мы видим необыкновенное пространство с лестницами, уходящими высоко в небо, в небо к своей мечте.
Марат готов оставить свою Лику с Леонидиком, готов отступиться, не смея предавать своего друга… И только Леонидик в этой пьесе счастлив, как мне показалось. Я не берусь осуждать никого из героев, в этой пьесе нет однозначно правых или виноватых героев. Есть жертвенность. Здесь каждый сделал свой выбор, а правильным он в итоге оказался или нет - каждый решит для себя сам. Финал спектакля расставит многое по местам, но свои ли это места…
«Не бойся быть счастливым!» – никогда не поздно обрести свое счастье, открыть для него душу, принять его и просто стать счастливым!
Спектакль Александра Тарасова «Мой бедный Марат» о любви, пронесенной сквозь годы, о важности и ценности отношений. Он заставляет каждого задуматься – кого-то о правильности своего выбора, кого-то – о своей мечте. Но основная философская идея в том, что даже за день до смерти не поздно, жизнь начать сначала.

Можно ли быть счастливым во время *****? Трудно ли быть счастливым, зная, что твой объект любви нужен еще одному человеку? Можно ли стать счастливым, вернувшись через много лет туда, где когда-то был счастлив? Именно о счастье, о его возможности и невозможности – премьера в Театре Романа Виктюка по пьесе А. Арбузова «Мой бедный Марат».

Здесь совпали звезды. Очень давно мечталось побывать в этом необыкновенном здании на Стромынке - памятнике архитектуры эпохи конструктивизма. И хотелось посмотреть что-то из драматургии 1960-70-х гг., когда творили Вампилов, Арбузов, Розов. В своих пьесах эти авторы поднимали вопросы, которые актуальны и сейчас, и будут востребованы будущими поколениями. Потому что любовь, дружба, честность, долг – это духовный базис человека, в какое бы время он ни жил.

Итак, перед нами – разделенное пространство сцены, квартира в блокадном Ленинграде. Волею судьбы там оказались трое подростков – Марат, Леонидик и Лика. Идет *****, герои не доедают, с трудом отапливают помещение, вздрагивают при резких звуках бомбежек и… говорят о счастье, мечтают учиться, строят планы на будущее. Молодость берет своё! Под взрывы снарядов здесь зарождается большое чувство. Но как быть, когда выясняется, что Лику любят оба – Марат и Леонидик? Принесет ли эта дружба троих, связанных навсегда ужасом пережитого, счастье хоть кому-то из них? Как водится, счастье – вещь непростая. Не случайно рефреном спектакля стала фраза «Не бойся быть счастливым!» Испугаются ли герои своего счастья или все же отважатся шагнуть навстречу ему?

Необычный прием режиссера Александра Тарасова – переплетение настоящего и прошлого – в очередной раз доказывает, что эти пласты жизни человека взаимосвязаны. Герой из прошлого отвечает на вопрос героя из настоящего. Лику-подростка и Лику-взрослую женщину играют две актрисы – Мария Матто и Екатерина Карпушина, и они обе практически всегда одновременно находятся на сцене. Леонидик также представлен в юношеском возрасте (Константин Авдеев) и взрослом (Павел Новиков). И лишь Марата играет один актер – Никита Башков. Я увидела в этом символ никуда не исчезающего чувства - все такого же по-юношески пылкого.

Здесь все накалено до предела - нервы, диалоги, эмоции. Постановка насквозь пронизана символичностью: чайник, из которого вместо воды течет песок, качели, мосты, которые строит Марат.

Потрясающая мимика актеров, жесткий свет, цвет, звук усиливают эмоциональную составляющую.
Спектакль идет 2 ч 20 мин. Бережное отношение к тексту, аутентичные костюмы и сценография – впечатлило все! Запомнилась цитата: «Бойся победы! Можно унаследовать пороки побежденных». Актуалочка, как ни крути.

"Сколько лет мы не виделись с вами —
Даже страшно уже считать!
Как в упряжке с лихими конями,
Прогремели года бубенцами,
И попробуй теперь догнать!

Ах, как мчались они сквозь вьюги!
Как нам веру и память жгли!
Но забыть-то мы друг о друге,
Что б там ни было, не смогли!.."
Эдуард Асадов

С творчеством Алексея Арбузова я начала знакомиться не так давно, но вот чего я не ожидала, так это того, что в Театре Романа Виктюка по одной из его пьес поставят спектакль. И вуаля, представляю вашему вниманию спектакль "Мой бедный Марат" режиссера Александра Тарасова по одноименной пьесе Алексея Арбузова. Это не история *****, это история любви, пронизанная трагедией непростых взаимоотношений и совершенных ошибок. Идя на спектакль, готовьтесь к диалогам, простым диалогам простых людей о чем-то очень важном и значимом!

Герои спектакля "Мой бедный Марат" - Лика, Леонидик и Марат - трое подростков, которых связала одна общая беда - *****. Они встречают друг друга в полу*********** доме, где заботятся друг о друге, защищают и поддерживают друг друга, и где в оглушающем грохоте разрывающихся снарядов, чередующихся со сводящей с ума тишиной потребность в тепле особенно высока. Сложно представить, что в основе такой крепкой дружбы, искренней человеческой любви, бесконечной жертвенности и отваги стоит смертоносная *****. Казалось бы, когда есть *****, больше ничего нет, но в ***** все так же есть любовь, мечты, желания, только чувства обострены, желания более простые, а планы на жизнь с оговоркой "если будем живы". Так мечтали в блокадном Ленинграде три подростка - Лика, Леонидик и Марат.

Эта история не о *****, и даже не о блокадном Ленинграде, - это история о непростых взаимоотношениях, о принятых сгоряча решениях и о цене допущенных ошибок. Здесь все неоднозначно, невозможно поделить на хорошее и плохое. Кому сделала лучше Лика, совершив благородный поступок - пожалев Леонида и оставшись с ним? Ведь эта нелюбовь была третьим жильцом в их небольшой квартирке еще долгие годы. Имел ли право Марат, проявив силу духа, оставить друзей, не мешая их отношениям? Ведь поступок этот в равной степени так же эгоистичен и глуп. Верно ли поступил Леонид, сдавшись наконец и отпустив Лику? Хотя, возможно, стоило это сделать еще тогда, в блокадном Ленинграде. Как говорится, благими намерениями вымощена дорога в ад, так и герои пьесы жалея, помогая, уступая, все запутали и провели много лет в воспоминаниях и сожалениях.

Действие спектакля происходит в обломках дома, поэтому на сцене мы видим разломленные плиты с разорванной надвое надписью "6 этаж". Еще несколько обломков висят буквально над головами актеров. Вместо стен - металлический каркас и лестница, по всей видимости, к тем самым соседям, чья квартира еще уцелела, и там осталось немного мебели. Как и во всех спектаклях в Театре Романа Виктюка для дополнительной экспрессии применяются громкие звуки, в том числе страшные звуки сирены и взрывов. Страшно. Из люков в полу персонажи достают алюминиевую посуду, которая стоит и в квартире у повзрослевшей Лики. Связь времен вообще очень хорошо прослеживается в спектакле, в том числе в диалогах, переплетающих между собой жизненные нити героев. А из алюминиевого чайника вместо воды сыпется песок, сыпется до последней песчинки, напоминая нам о времени...

Очень глубокая пьеса и прекрасный сильный спектакль, но одно меня огорчило, и это никак не касается театра. Позади сидела девушка, которая, видимо ничего не понимала. И вовсе не потому, что в постановке есть что-то непонятное, напротив, происходящее на сцене очевидно даже без предварительного прочтения пьесы. Но девушка смеялась над тем, как сладок был Лике и Марату маленький кусочек сахара, как они пытались сохранить тепло в квартире. Вот почему так важны подобные спектакли, - чтобы помнить! Спасибо за них!

"Не бойтесь быть счастливыми!"

Именно этой фразой зафиналили спектакль "Мой бедный Марат" в театре Виктюка или, как его ещё называют, в Доме Света. И именно эту фразу я неизменно повторяю все эти дни сама себе и окружающим людям. Спектакль не отпускает до сих пор, и хоть пьеса мне известна, и я видела другие постановки, но Виктюки затронули особые струны души. Постановка очень актуальна в наше время, и так трогательно жили актёры на сцене, что хотелось им помочь найти свое счастье и не отпускать.

Отдельно благодарность режиссёру, Александру Тарасову, за потрясающее решение спектакля, начиная от двух поколений главных героев (Лика и Леонидик были показаны одновременно в разных возрастах, юные и уже с опытом прошлых лет, тоскующие по упущенной жизни, итого 4 актёра, а вот Марата играл один актёр, который так и остался в одном возрасте, что очень символично и знаково) до декорационных решений с дымом и хлопающими дверями.

Актеры выкладывались на полную, видно, как близок им материал, как тонко они чувствуют боль пьесы, как бережно передают эту атмосферу зрителям! Огромное спасибо за эти эмоции и отдачу! Пусть этот спектакль увидит максимальное количество зрителей, и тогда этот мир станет немного счастливее! Главное! Не бойтесь быть счастливыми!

ВО ВСЕМ ВИНОВАТ ТЕАТР

Вместе с мамой открыли театральный сезон в Театре Романа Виктюка спектаклем "Во всем виноват театр". Спектакль прекрасный. 1,5 часа без антракта пролетели на одном дыхании.

На сцене - минимализм. Почти никаких декораций. Главенствуют цвета. Три цвета: чёрный, белый и красный, вспыхивающий пожаром вечернего платья и изнанкой занавеса. Внимание зрителей полностью приковано к актерам. Их игра завораживает. В зале - невероятное напряжение, кажется, сейчас полетят искры. Главные герои - актёры.

Классический любовный треугольник (муж, жена и любовница) мастерски разыгран Людмилой Погореловой, Олегом Исаевым и Анной Нахапетовой. У Людмилы очень необычная манера исполнения. Хочется слушать снова и снова. Ее героиня - манящая, манкая, по богемному - томная женщина, растворившаяся в муже наравне со второй любовью всей жизни - театром. "Я обожаю своего мужа, а мой муж - это театр. Значит, я люблю театр." - говорит она.

В противовес ей героиня Анны - юная актриса второстепенных ролей, звонкая, таящая за нежной улыбкой и напускным восторгом в глазах, сталь. Соревнование ли это за сердце (и только ли?) главного героя в исполнении Олега Исаева и кто одержит в нем победу - главная интрига спектакля.

Спектакль поставлен режиссёром - постановщиком Александром Карпушиным и художником сценографом Владимиром Боером по пьесе Жана Кокто "Священные чудовища". Близко к тексту, но с авторским видением. В конце 80-х начале 90-х пьеса Кокто была популярна. Сразу в нескольких театрах шли постановки по ней.

"Во всем виноват театр" посвящен основателю и руководителю театра Роману Виктюку. Что интересно, три десятка лет тому назад маэстро тоже ставил спектакль по этой пьесе с Адой Роговцевой в главной роли, Людмила Погорелова и Олег Исаев также играли в нем.
Другое время. Другие роли.
Но таже энергетика (я не удержалась и посмотрела в записи спектакль 1996 года) и тот же накал страстей.

Лишь более открытый финал, приближенный к истине, напоминает нам, что за окном 21 век, в котором больше нет градаций лишь на чёрный и белый цвета. Эпоха полутонов. В финале муж, мужчина, главный герой делает выбор, правильный выбор. Все вернётся на круги своя, каждый из героев получит то, к чему стремился. Но нет ощущения безмерного счастья.
Да и может ли оно быть, когда тебя выбирали. Не выбрали моментально, а думали и сравнивали. И даже сравнив, герой Олега Исаева не проявляет решительности и первого шага. Женщины вынуждены все решения принять самостоятельно.

Для меня лично ответ был бы очевиден - если трудно выбирать, то меня выбирать не надо. Но за плечами главных героев прожитая жизнь, взрослый сын. И все не так однозначно.

Мечтатели. «Мой бедный Марат «( «Не бойся быть счастливым», 1965, перераб. 1980) в театре Романа Виктюка
Лика (задумчиво). Человек всегда должен всем жертвовать для другого.
Марат. Ну, это не факт
Да, а самый не бедный из трех ленинградских пассионариев, чья история волнует нас с давних времен – Марат (Никита Башков).
Что поневоле (или напротив, целенаправленно) подчеркивается режиссерским решением Александра Тарасова.
Он здесь такой один.
Марат – яркий герой, почти нахально удачливый, в карьере и в любви. И нам он не нравится, по ходу дела.
Хотя Марата любят все – Лика, Леонидик, наверняка бОльшая часть публики в театральном зале.
А он по сути – управленец и душнила
Лика. За эти пять дней ты мне врал неоднократно. Скажешь, нет?
Марат. Конечно, не скажу.
Лика (вдруг с интересом). А почему ты врун?
Марат. Так веселее. (Резко.) И вот что – хватит отъединяться. Сегодня я отведу тебя в бытовой отряд, и ты начнешь приносить пользу. Ты же вполне здоровая – просто стыдно на тебя смотреть… Ты должна помогать ослабевшим людям.

Но пьеса-то о чем. О том, что и у нег, Марата Евстигнеева, есть сердце и способность принимать не только правильные решения. Мы ведь все такие бедные люди. («О жалкий жребий мой», подтвердил бы не менее известный всем Евгений).
Касаемо Марата Никиты Башкова – высокий, белозубый, но как по мне - так не слишком обаятельный для такой роли. Ежели прямо по тексту, так Марат наш должен разить наповал, раз фея Лика и грустный демон Леонидик так его любили. С другой стороны, и победоносному Марату пришлось испытать серьезные превратности судьбы.

Марат (запальчиво). Почему ты называешь меня бедным?
Лика. Потому что ты веришь в невозможное.



Тогда кого же мы полюбили? Молодого Леонидика (Константина Авдеева). Этот Леонидик – псих (говорит о себе в третьем лице), поэт (да, может не нетленки, но слагает вирши не по случаю, а постоянно), и он неповторим. Разве что чуть-чуть. Потому что из памяти не уходит Лариосик – прямой предшественник, как мне кажется, Леонидика.
Все же помнят житомирского кузена Лариосика?
«Лариосик — маменькин сынок, нелепый, неприспособленный юноша, «ужасный неудачник», живущий в собственном мире и времени. Он ехал из Житомира 11 дней, по дороге у него украли узел с бельём, оставили одни только книги и рукописи, уцелела только рубашка, в которую Лариосик завернул собрание сочинений Чехова. «
Леонидик Константина Авдеева – такое точное попадание в образ. Он - именно то, что нам бывает порой дано, тот самый несчастливый случай. Когда просишь – и получаешь, а за это отнимается важное. Любовь, дружба, понимание, часть тела, наконец.
Из Леонидика позднего (Павел Новиков) магия нездешнего- несбывшегося уходит. Так видится. В этом спокойном благородном человеке есть сила, но нет места подвигу. Хотя именно он его как раз в этот момент и совершает.
Леонидик. Что я могу сказать… Мы тринадцать лет вместе, но я люблю тебя, как в первый день, Лика. Но так люблю, как умею я. Хотя дело, вероятно, не в этом. Просто я не оправдал твоих надежд. Ты столько вложила в меня, даже о себе забыла, и все-таки… все было напрасно.
Лика. Поверить в это… мне?
Леонидик. Я должен остаться один. Если не сегодня, то уже никогда. Не позволяй мне быть слабым, Лика.

Получается, предшественник Лариосик мельче и нелепее нашего любимого Леонидика, продолжаем наш маленький сравнительный анализ. Вообще не тот масштаб личности.

«Лариосик смущён, отнекивается, но всё же говорит:" Мы все снова вместе... И даже больше того: вот Елена Васильевна, она тоже пережила очень и очень много и заслуживает счастья, потому что она замечательная женщина«.
В диалогах 3 части пьесы я бы больше поверила Леонидику Константина Авдеева, молодому. Он просто должен оставаться нервным, худым, неплохо бы хромым (хотя уже есть другое увечье, куда еще ногу отнимать) поклонником алкоголя, в аполлинеровском смысле. Навсегда.
(а где-то там, в другой пьесе Елена называет Лариосика «страшным поэтом» и «трогательным человеком», просит почитать стихи, по-дружески целует его в лоб. А затем признается, что давно влюблена в одного человека, более того, у неё с ним роман; и Лариосик очень хорошо знает этого человека...)
Лика – Екатерина Карпушина тоже целует Леонидика – Павла Новикова – может и в лоб, но по-супружески.
О д****** Лике. Юной - Марии Матто, в платье- белом «мешке» (костюмы Геннадия Скороморохова), и взрослой – Екатерине Карпушиной, в черном платье «мешке». Обе – красивые, трогательные, жертвенные и умные. Это прямо-таки цельный тандем. Хрупкая нежная Лика 16 лет Марии Матто, санитарка, выносящая мертвых из ленинградских квартир, с сердцем в размер тела. И сдержанно-страстная, неловкая и величественная одновременно, Лика Екатерины Карпушиной, сохранившая в песке времени личное пламя, которое она достает, буквально, вручную, стремительно и неотвратимо, чтобы снова принести в дар.
В общем, спектакль огненный получился в театре Виктюка. Местами этот огонь притворяется льдом, но не угасает.

В Театре Романа Виктюка состоялась премьера спектакля по пьесе Алексея Арбузова «Мой бедный Марат», режиссер постановки — Александр Тарасов. Первое, что мне хочется написать после просмотра, этот спектакль в стилистике того театра, который я полюбила за несколько лет.
В блокадном Ленинграде шестнадцатилетние Марат и Лика полюбили друг друга. Та же беда привела к ним Леонидика, мальчишку, который считает себя поэтом, и случается ещё одна влюблённость. Но ***** продолжается, оба парня отправляются воевать.
Проходит несколько лет, с фронта приходит Леонидик, потерявший руку. Но Лика продолжает ждать Марата, и он появляется, чтобы через короткое время уступить своё счастье товарищу. Спустя много лет он возвращается, вызванный телеграммой Леонидика...
Понравилась идея кастинга актёров — Лику и Леонидика играют пары актеров (Мария Матто/Екатерина Карпушина и Константин Авдеев/Павел Новиков), а Марата один (Никита Башков). Смысл заложенный тут режиссером красивый — первая любовь остается в наших глазах всё тем же образом, даже спустя годы.
Интересная идея с параллельным действием молодых и взрослых героев, до этого я такого не видела (только в книгах сталкивалась), и это было интересно следить за одними и теми же лицами в двух временах.
Александр Тарасов внес несколько правок в оригинальную пьесу, и главная, что последняя встреча героев происходит не 13 лет спустя, а целых 30 лет спустя. Так драма Лики (Екатерины Карпушина) показывается острее. И правда финал смотрится страшно.

"Мой бедный Марат".
В конце сентября удалось попасть на предпремьерный показ нового спектакля в знаменитом театре Романа Виктюка. Народу на удивление было не много, села в первый ряд.
Декорации спектакля минимальны — все действие происходит в комнате Марата на Фонтанке. 1-я часть: март 1942 года. 2-я часть: март 1946 года. 3-я часть: декабрь 1959 года.
Дети (а они же действительно дети — 16-летняя Лика и 17-летние Марик и Леонидик), чудом спасшиеся во время Блокады, прибившиеся друг к другу. Они пройдут вместе через Блокаду и *****, черезх первые мирные годы.
Не могу сказать, что пьеса очень тяжелая (хотя почему же нет, «блокадная» часть просто вымораживает каждым словом), но почему-то с середины второго акта я начала РЫДАТЬ. Так, что пришлось стараться не напугать соседей.
Ужасно жалко всех — Лику, мальчиков. Все они живут новую, послевоенную жизнь, состоялись как взрослые, но... Рефрен «Никогда не поздно, даже за день до смерти начать все сначала» — такой знаете ли... Глядя на Лику Екатерины Карпушиной, не верится, что что-то можно исправить.
Текст пьесы я кинулась гуглить сразу же в электричке. И вот что выясняется — в последней части, третьей, «старым и разочарованным в жизни героям» всего... 31-33 года. Боже, с нашей точки зрения они дети. Но Марат и Леонидик (мне все время хочется нахвать его Лариосиком, думаю, не случайно) прошли *****, успешны в мирной жизни, Лика уже заведущая (неосвобожденная) отделением! Почему в театре Виктюка ее играет моя ровесница? Чтобы было жальче, глядя на нее, понимать, что иногда уже действительно поздно?
О полезности чтения непосредственно текста пьесы — только потом я поняла, что Леонидик фактически спасает Марата и Лику в в 1959-м. Так же, как спасли они его в 42-м, в Блокаду. Это он присылает Марату телеграмму «Приезжай не позднее 31-го декабря!», он принимает решение за себя и за Лику уйти наконец и не длить этот ужас без конца. Он не может жить без Лики, но понимает, что она не живет без Марата, а просто существует.
В спектакле Александра Тарасова про телеграмму или нет (тогда совершенно не понятно, чего Марат снова приехал, да еще и так удачно), или я этого не услышала.
Теперь очень хочется сравнить с другими постановками этой пьесы.

Можно по разному относиться к творчеству Романа Виктюка, но равнодушным оно не оставит никого.

Впервые мы познакомились с этим театром 15 лет назад на спектакле "Служанки", визитной карточке режиссёра, и были очарованы! Символично, что сейчас мы увидели спектакль "Орфей", который стал продолжением театра уже без знаменитого режиссёра. Спектакль-посвящение и спектакль-восхищение, дебютная работа Сергея Захарина в качестве режиссёра. Сама пьеса Теннесси Уильямса трагична, отношения Вэла Зевьера (музыканта-бродяги) и Лейди Торрент (владелицы магазина) развиваются при еще живом, но уже тяжело больном и озлобленном муже Лейди. При этом Вэлу ставят условие - исчезнуть из города или умереть. В театре решили максимально уйти в сторону света, которую несёт главный герой. Он словно древнегреческий Орфей, только в кожаном плаще и с гитарой, идёт по миру и призывает к жизни и любви. Не мудрено, что все жители городка тянутся к нему: женщины, чтобы сбежать обыденности и одиночества, мужчины - чтобы погасить непривычный свет и вернуться в свое болотце. Спектакль пронзителен своим посылом жить во имя любви, даже если против тебя весь мир! Сценография, хореография и музыка до мурашек! Особенно эффект домино с чёрными ящиками через всю сцену. Актёры проживают роли через собственные истории, ведь каждому есть что поведать миру.
И наше отдельная благодарность Ивану Никульча (исполнителю главной роли) за харизму и потрясающую форму, помним его ещё по роли Мсье.

Очень рекомендую ходить именно парам, чтобы подогревать свои чувства, и помнить, что любовь обязательно спасёт этот мир и подарит новую жизнь!

Спектакль по пьесе Шиллера о трагичной любви юной Луизы и аристократа Фердинанда - пластически и музыкально выразительная постановка полная ассоциаций и пробуждающая желание разгадывать заложенные режиссером смыслы.
Влюбленная пара пытается сохранить свои чувства сквозь интриги и козни, у них есть только светлое чувство, которое они питают друг к другу. Справятся ли они с внешними обстоятельствами, смогут ли сохранить то светлое, что есть между ними двумя или «разделятся», словно вурм? Шиллер написал трагедию о любви, где влюбленные оказались жертвами коварства. Режиссер Виктюк, в своем спектакле показывает, что жизнь без этого светлого чувства бессмысленна, пуста и нет смысла следовать навязанным идеям других людей. Он проводит анализ любви между мужчиной и женщиной, между родителями и детьми. Здесь нет места для привычного романтизма Шиллера, здесь о любви без прикрас, о цинизме и подлости мира, об искушении предательством, о том, как низшие инстинкты разъедают сердца и души и превращают людей в агрессивных, безжалостных животных, лишенных сострадания и веры.
Луиза и Фердинанд начинают терзаться сомнениями, внутренняя целостность их пары нарушается и каждый из них допускает роковую ошибку…
Декорации: на сцене мы видим ряд дверей тюремных камер, которые символично нечто схожее с капсулой-гробом, они образуют острые наклоненные лезвия гильотины, а в самом центре сцены сооружена, огромных размеров гильотина, лезвие которой возведено и готово мгновенно прийти в действие и разр***** человека пополам, словно дождевого червя. А развевающаяся под колосниками белая и черная сорочки, поочередно накрывают героев, словно саван, укутывая то в темные энергии, то в жертвенные, поглощая все вокруг.
Давайте вспомним, какой символизм несет дверь? Это символ перехода, символ развития ситуации и трансформации. Персонажи пьесы, постоянно проходят сквозь символические грохочущие двери, некоторые застревают в них и бьются в конвульсиях, кто-то и вовсе не может выбраться, но каждый претерпевает неизбежную трансформацию.
В постановке Романа Виктюка герой Вурма разделен на две части - он двуличен, способен существовать, выживать и приспосабливаться к любым обстоятельствам. Они управляют самыми низкими инстинктами человеческих желаний, словно червь, они пробираются внутрь человека и начинают поедать его мгновенно видоизменяя облик человека, делая его алчным, ненавидящим все и всех вокруг и жаждущим власти и идущего напролом к той самой власти.
Вся постановка пестрит символами расщепления и раздвоения, социального неравенства (любовь дочери музыканта и сына президента)– это прослеживается и в костюмах, где преобладает только черный и белый цвета, и в ролях актеров - Вурма исполняют два актера, Дмитрий Бозин и Станислав Мотырев. Раздвоение прослеживается и в костюмах. К слову, стильные костюмы актеров очень напоминают коллекцию дизайнера Рика Оуэнса - острые плечи, обнаженные торсы и черно-белая цветовая гамма. Мой внутренний эстет ликует от совершенства всей сценографии спектакля.
Музыкальное оформление спектакля делает целостной всю картину постановки, в нем есть место и Рамштайн и Маррика Рекк–In der Nacht и Michael Jackson - Got To Be There, которую я продолжала напевать еще несколько дней после просмотра спектакля.
В этом спектакле я открыла для себя талантливого актера Игоря Неведрова, до сего момента знакома была только с его режиссерскими работами.
Тем, кто еще не успел посмотреть «Коварство и любовь» в театре Виктюка – почитайте перед просмотром пьесу Шиллера.
Подводя итог просмотра спектакля «Коварство и любовь» в театре Романа Виктюка хочется сказать, что для меня, в первую очередь, это эстетически красивое действо – совершенная пластика, магическое владение голосом, актеры с внешностью, то ли атлантов, то ли греческих богов - это эстетическое совершенство. Яркая театральная манера Виктюка не оставит равнодушным никого.

Недавно мне посчастливилось посетить спектакль “Баня” в театре Виктюка. Спeктакль поставлен по одной из самых таинственных пьес XX века! Это удивительная постановка, полная юмoра, сатиры и глубокого смысла.
Спектакль поставлен к 130 летию со дня рождения поэта по одноименной пьесе Владимира Маяковского, которая была написана в 1929 году и посвящена теме общественного устройства и морали. Однако, режиссер спектакля сумел внести в постановку свою интерпретацию, сделав ее актуальной и для современного зрителя.
Актерский состав “Бани” был превосходным. Каждый актер продемонстрировал высокий уровень мастерства и умение передать эмоции своих персонажей. Особенно хочется отметить игру героя Маяковского, роль которого исполнил Дмитрий Бозин. Перед нами в зале оказался буквально настоящий Маяковский, который заставил зрителей переживать вместе с ним.
Визуальное оформление спектакля было также на высоте. Декорации в спектакле стильные и запоминающиеся, в них вложена частичка души художника Юлии Коротковой, костюмы актеров – стильные и соответствующие эпохе, и в то же время, абсолютно современные. Музыкальное сопровождение также было подобрано идеально, дополняя атмосферу действа.
Для меня главной особенностью спектакля “Баня” является его сатирический характер. Режиссер Сергей Захарин сумел умело использовать юмор и иронию для того, чтобы показать недостатки современного общества и предлoжить пути их решения. Благoдаря этому, спектакль не тoлькo развлекает зрителя, нo и заставляет его задуматься о важных вопросах.

В Театре Романа Виктюка премьера – в год юбилея В.Маяковского представляют спектакль «Баня» по его самой известной сатирической пьесе. Режиссер Сергей Захарин, который уже ранее ставил здесь «Орфея», обратился к абсурдной пьесе, высмеивающей советскую бюрократию 1930-х гг. – и сейчас она кажется актуальной, как никогда.

Сюжет простой: талантливый ученый товарищ Чудаков (Ян Латышев) изобретает машину времени и получает послание из 2030 г. Но он никак не может добиться приема у товарища Победоносикова, главного начальника по управлению согласованием (главначпупса! О, эта сатира). Победоносикова, этого типичного самолюбивого бюрократа в дорогом костюме, с животиком, играет Станислав Мотырев – и это просто необыкновенное превращение, с учетом того, что буквально пару недель назад я видела его в роли юной служанки Клер.

Кажется, что в показанном учреждении представлены все «традиционные» пороки: тут и начальник-самодур с холеной туповатой любовницей, и секретарь-канцелярист Оптимистенко (Павел Новиков), и кривляющийся художник Бельведонский (Владислав Сыровацкий), и бухгалтер-растратчик Ночкин (Алексей Галкин). Так как «Баня» - это все-таки комедия, смешных сцен с героями тут будет в избытке, просто поверьте – зал часто хохотал! Из моего любимого: «Вы знаете МикелянджЕло? – Нет, а он меня знает?»

Необычна часть, в которой, как «пьесу в пьесе», режиссер показывает своим героям их самих как бы со стороны. Конечно же, такая постановка никому не нравится, и после огромного количества комментариев режиссер отправляется ставить что-то злободневное про равенство, братство, революцию и щупальца капитализма.

Невозможно не отметить небольшую, но такую важную роль самого В.Маяковского, которого сыграл Дмитрий Бозин. Если честно, его голос всегда погружает меня в какой-то транс – и его несколько появлений шли обязательной сквозной нитью через все повествование.

Наконец, очень интересно было со стороны смотреть за реакцией героев на посланницу из 2030 г. – Фосфорическую женщину (Виктория Савельева), которая обещала забрать в будущее достойных. Это тогда до ее появления был целый век, а сейчас мы фактически ее современники. И, хочу я вам сказать: не оправдалось наше будущее, каким видели его наши предшественники. И главначпупсы никуда не делись. Но это уже совсем другая история…

8 сентября в Театре Романа Виктюка прошла премьера спектакля Сергея Захарина «Баня» по пьесе Владимира Маяковского.
В этом году исполнилось 130 лет со дня рождения поэта и театр, своей постановкой, отдал дань этому юбилею.
Спектакль что называется «на злобу дня», по-моему очень современная постановка, при том, что пьеса написана почти век назад.
Товарищ Чудаков придумал машину времени, но чтобы ее сделать нужны деньги, их нет. Приходится просить у чиновника -Товарища Победоносикова, но получает резолюцию «Отказать».

Герои очень знакомы и понятны каждому, мир бюрократической машины с очередями, просителями, карикатурный, перевернутый, но так перекликающийся с нашей действительностью.
«Лучом света» в этом «темном царстве” оказывается прилетевшая из будущего Фосфорическая женщина - надежда на светлое будущее, в которое так хочется верить. Она отбирает лучших для строительства социализма и отправляется с ними в 2030 год.
При яркой идеологической направленности и абсурдности «Бани», на сцене она выглядит вполне актуально и, несмотря на свою комедийность, местами даже трагично.
В сюжет пьесы были внесены изменения и на сцене появился лирический герой -сам Маяковский (в великолепном исполнении Дмитрия Бозина). Лирический герой поэм «Облако в штанах», «Про это», «Флейта-позвоночник» существует на контрапункте с гротесковыми персонажами пьесы, грезит о любви и светлом будущем. А исполнить стихи Маяковского лучше, чем это сделал Бозин по-моему невозможно 👏!
Спасибо театру, что радует такими премьерами😀.

«Баня» Маяковского в театре Романа Виктюка
Пьеса Маяковского предназначалась для постановки в театре В.Мейерхольда, но похоже, сейчас, в театре Виктюка, Баня начала жить свою лучшую жизнь. Здание театра более чем соответствует эпохе поэта.
Надпись «Школа коммунизма» обязывает
Но хотя пьеса - сатира на советскую бюрократию, фантазия на тему будущего, в которое возьмут не всех (ах вот где И. Кабаков смахнул), то есть социально-общественный контекст главный, однако в этой постановке ко всему прочему добавлен супер-тяжелый мощный лиризм. за который отвечает трагический герой (Д. Бозин). Он будто Ленский эпохи авангарда, револьверу есть здесь место. Бозин артикулирует голосом и телом стихи о любви будто стихи о пытке, отмечая пребывание на краю-в опасности как бытие сердца поэта, которому смерть-соседка и гостья. Такое антре.
Будет и парад-алле, ведь «Баня» - пьеса с цирком и фейерверками, так указывал автор – время и место: СССР, 1930 г.
Сюжет не так прост.
Некий безумец-инженер-конструктор (поэт?) Чудаков (Ян Латышев) собирается включить изобретенную им и изготовленную машину времени. Включает изделие, раздаётся взрыв (фейерверк?) . Чудаков ловит письмо, написанное «пятьдесят лет тому вперёд».оповещение о том, что завтра прибудет посланец из будущего.
Симпатизант деятельности Чудакова – Велосипедкин (Алдар Когаев), оба хотят продолжать опыты. Нужны деньги. Взять хотят у государства, потому нужно идти на поклон в органы управления.
Но их не пускает к начальству своеобычный клоун и секретарь начальника Победоносикова - Оптимистенко (Павел Новиков), у него понятный акцент и уютный жилет, а также готовое решение— отказать.
Победоносиков в это самое время диктует машинистке речь по случаю открытия новой трамвайной линии. Чтооо? Да.:) В этот день. премьеры «Бани», открыли МЦД-4, кстати.
Машинистка Ундертон (Валерия Энгельс) красит губы красной помадой (цвет как у меня), она милая, аккуратная, в кудряшках.
Выход Победоносикова (Мотырев Станислав) со свитой достоин отдельной песни, к слову. Но смотреть надо, такие танцы пересказывать бесполезно.
Итак, открыли линию трамвая (и МЦД-4 тоже), новое дело и забота: к Победоносикову приходит художник Исак Бельведонский, которому поручено подобрать мебель. Бельведонского играет Вл. Сыровацкий, ну просто принц и Фигаро здесь-Фигаро там. Выбрав «Луя 14 из трех Луев» Победоносиков собирается отдыхать, с собой жену не берет, она у него скучная, а берет с собой Мезальянсову (эффектная Мария Матто). Жена Поля (Наталья Мороз), которую Победоносиков считает ниже себя, не поднялась по «умственной, социальной и квартирной лестнице», получает от него отказ в поездке, и не только. И мы не имеем в виду секс. Он вкладывает ей в руку револьвер и объясняет, как с ним поступить. «Прощай, Поля».
«Я всегда говорил, что лучше умереть под красным знаменем, чем под забором.», в «Бане» это слова Моментальникова (Константин Авдеев). В пьесе никто не стреляется. Это же комедия. Но револьвер есть.
(Маяковский застрелился из маузера, подаренного Аграновым Яковом Сауловичем). Кому подарят револьвер еще?
Не смешно.
Тогда как обсуждение пьесы начальством – сцена «театра в театре» – очень смешно. Пантомима на тему борьбы рабочих с капиталом такая саркастически-пластическая, что огонь. Понравилось всем.
И вот уж время гостя из будущего наступает. Вдруг – о-ля-ля – это гостья, Фосфорическая женщина (Виктория Савельева), делегатка 2030 года. Для нас-то года совсем недалекого, хотя еще дожить надо, конечно.
Фосфорическая женщина реально искрометная особа, ибо успела уже облететь страну СССР и восхититься, так что пора ее избранникам устремитться в будущее, куда примут только тех, у кого найдётся хотя бы одна черта, роднящая его с коллективом коммуны — «радость работать, жажда жертвовать, неутомимость изобретать, выгода отдавать, гордость человечностью.» При этом «летящее время сметёт и срежет «балласт, отягчённый хламом, балласт опустошённых неверием».
По поводу балласта, кстати, Победоносиков объясняет Фосфорической женщине, что собирается отправиться в будущее по просьбе коллектива, и тут же замечает, что отобранные ею экземпляры— менее достойные люди: Велосипедкин курит, Чудаков пьёт, Поля — мещанка. Да, культура отмены придумана не сегодня.
Все полетели, а Победоносикова оставили, лежачего, но не сдающегося. И аплодисментов зрителей более всего герою С. Мотырева досталось. И Маяковскому, конечно.
Знаем - значит- любим.

В театре Романа Виктюка премьера: "Баня" Маяковского. Конечно идет юбилейный год - 130 лет со дня рождения поэта. Казалось бы святое дело влиться в поток юбилейных торжеств, но "Баня" обязательно должна была появиться в театре Виктюка и даже удивительно, что этого не случилось раньше.
Здание, в котором работает театр - знаменитый авангардный "дом-шестеренка", построенный архитектором Константином Мельниковым в 1929 году - гениальный образец конструктивизма, составленный из кубов, вырвавшихся наружу из основного пространства.
"Баня" - детище Маяковского, одного лидеров кубофутуризма и русского авангардного искусства, создана в 1929-1930 годах.
Не знаю, шла ли когда-нибудь "Баня" в клубе Русакова, но они должны были встретиться. Режиссер Сергей Захарин задумал и осуществил этот проект, а нам остается лишь восторгаться невероятному врастанию искусств и течений в себе подобные противоположности.
Декорации, которых почти и нет, но которые поддерживают кубический минимализм множеством картонных коробок, выстроены художником Юлией Коротковой. В них видится и отсылка к кубизму Мельникова и к горам циркуляров, копий, тезисов, поправок и прочих оправдательных документов бюрократа Победоносикова (Станислав Мотырев).
"Баня" парадоксально двойственна и парадокс возникает от того, что лирика, главная смысловая линия творчества Маяковского, получает не лирическое, а драматическое воплощение. Единственное, что в "Бане" не попадается, но важнейшее, что там есть, — это личность автора. Для театра Виктюка, театра, поэтического по своей сущности, естественно было наполнить сатирическую пьесу щемяще трагической лирикой Маяковского. Поэт (Дмитрий Бозин), присутствуя на сцене, не оценивая, но всматриваясь в происходящее, задает новый смысл и естественный переход к фантастической линии спектакля.
Машина времени в "Бане" не просто изобретение Чудакова (Ян Латышев), но и метафора самого изобретательства, новаторства, творчества и ей противопоставлена другая машина - бюрократическая. В машине Победоносикова реальность превращается в фикции, а теория относительности в теорию отношений, увязок и согласований.
Фосфорическая женщина (Виктория Савельева) для Победоносикова лишь кассирша, продающая билеты в еще более сытую жизнь. Для Чудакова, Велосипедкина (Алдар Когаев), Ночкина (Алексей Галкин) и Поли (Наталья Мороз) это гостья из будущего, ради которого можно жить, созидать, изобретать.
Маяковский поделил героев пьесы на бюрократов и созидателей. Режиссер Сергей Захарин выстроил на сцене мысль поэта, как своеобразную Тайную вечерю с Фосфорической женщиной в центре, поделив героев на "чистых" и "нечистых".
Маяковский определил свою пьесу как сатирическую с цирком и фейерверком, она призвана высмеивать и обличать, но револьвер в ней не просто реквизит, а персонаж. Через три месяца после премьеры поэт застрелился.

Тамбовский драматический театр 19 августа открыл свой гастрольный тур, посвященный 150-летию со дня рождения великого русского композитора, пианиста и дирижера Сергея Рахманинова на сцене Дома Света.
Выбор сценической площадки, с которой начались гастроли тамбовцев – не случаен. Андрей Боровиков, плодотворно работающий с ними и назначенный не так давно главным режиссером Тамбовского драматического театра (мои искрение поздравления) много лет служит в ТРВ, где с самого начала стал незаменимым ассистентом самого Маэстро и одним из первых, кому Роман Григорьевич доверил ставить самостоятельные спектакли (эх, так я и не посмотрела «Тень Лира», о котором мне все уши прожужжали…)
Ну, что я могу сказать? Имея в труппе такого актера, как Вячеслав Шолохов, грех было не поставить спектакль о Сергее Рахманинове!!!
Стопроцентное попадание в образ великого русского гения! И это не только поразительное внешнее сходство – Вячеслав очень убедительно передал все метания души молодого Рахманинова.
Теперь вы понимаете, что постановка Андрея Боровикова «В сиреневом саду» была просто обречена на успех?!
Сказать, что спектакль мне понравился – ничего не сказать. Я получила истинное наслаждение от лаконичной, но так точно выверенной сценографии, потрясающего музыкального оформления (это все Андрей Боровиков!), великолепных танцевальных вкраплений (хореограф Наталья Беляева), красивых и очень романтичных нарядов, созданных художником по костюмам Еленой Предводителевой и облачивших в них девушек, которым было суждено оставить свой неповторимый след в душе будущего Гения и которым были посвящены его первые сочинения.
А молодой Рахманинов, надо вам сказать, был очень влюбчивым!
Сначала в его жизни появились дочери генерала Дмитрия Скалона - Наталья, Вера и Людмила. Каждой из сестер начинающий композитор посвятил по романсу и даже написал специально для них пьесу, которую можно было играть в шесть рук.
Затем его сердце посетила любовь к цыганке Анне Лодыженской. Сплетение судеб героев пушкинской поэмы «Цыгане» отразилось и в жизни Сергея. Как и пушкинская Земфира, Анна Лодыженская была замужем. Рахманинов для Анны сочинял романсы. А потом сразу оперу – «Алеко».
Третьей любовью Рахманинова была Наталья Сатина. Она же и стала его первой женой.
Всех этих девушек можно увидеть в спектакле, поставленном по пьесе Елены Исаевой «В заброшенном саду».
Большое место в постановке отведено людям, сыгравшим знаковую роль в становлении Рахманинова:
Его учитель Николай Сергеевич Зверев. «Он был прекрасный человек, - говорил Рахманинов о Звереве. - Лучшим, что есть во мне, я обязан ему».
Композитор Петр Ильич Чайковский, по рекомендации которого оперу «Алеко» поставили в Большом театре.
Русский предприниматель и меценат Савва Мамонтов, чье вмешательство в судьбу молодого музыканта способствовало его выходу из длившейся более трех лет после провала Первого фортепьянного концерта депрессии и сделало его еще и дирижером!
Появляется в ней и Федор Шаляпин, с которым композитора связала тесная дружба.
Я практически ничего не знала о жизни Сергея Васильевича (ну, за исключением каких-то основных вех) и с большим интересом постигала путь его становления.
Спектакль Андрея Боровикова динамичный, романтичный и очень музыкальный. Режиссер весьма точно подобрал композиции, которые созвучны нерву и драматическому накалу его постановки. Многолетний опыт работы с Виктюком не прошел даром!
Смотрится «В сиреневом саду» буквально на одном дыхании, я бы даже антракт не устраивала. Спасибо огромное всем причастным к его созданию за тот шквал эмоций, который я на нем пережила!
Московская публика приняла спектакль «на ура».
В сентябре его представят на сцене Государственного академического Малого театра России, в октябре - в Театральном центре «На Страстном». Не пропустите!!!

К 150 летию Великого русского композитора Сергея Рахманинова на сцене Театра Романа Виктюка Московские зрители увидели премьеру Тамбовского театра драмы "В сиреневом саду" , поставленного к юбилею маэстро! Режиссёр спектакля - Андрей Боровиков, много лет являвшийся ассистентом Романа Григорьевича Виктюка , на мой взгляд передал в спектакле весь опыт работы с великим режиссёром . Определив жанр как недокументальная история русского гения , точно отобразив путь становления личности Рахманинова , получился очень яркий и трепетный спектакль !
.
Поиски себя , недопонимания с педагогами , влияние и наставничество Чайковского, стремление к совершенству, время депрессии, помощь Мамонтова, дружба с Шаляпиным , критика и признание - знаковые события , которые нанизываются на нить жизни великого композитора находят отражение в спектакле !
Всю постановку можно разделить на ряд мудрых размышлений , уроков и наглядных примеров достижения успеха . Например , в разговоре с меценатом Саввой Ивановичем Мамонтовым , когда он предлагает композитору место дирижёра в своём оркестре, Сергей Васильевич ответил что совсем не умеет дирижировать , на что он сказал : «концерт в следующую субботу, учись» , можно понять что для освоения любого дела нужно искреннее желание и усердие .
.
Вместе с Фёдором Шаляпиным поднимается тема того, чем отличается гений от талантливого человека . Так вот талантливый человек способен ко всем занятиям , когда гений властвует над одной стихией!
.
Особенно хочется отметить исполнителя главной роли Вячеслава Шолохова . Весь спектакль смотрел на вас и на фото Сергея Васильевича на программке , удивлялся стопроцентному попаданию в образ и вашему профессионализму !
Не первый раз я на спектаклях Тамбовского театра драмы , так вот вы в очередной раз ввели меня в восторг! На поклонах была такая атмосфера , что казалось аплодировали души всех мастеров: и Рахманинова, и Чайковского , Шаляпина , Зверева, Мамонтова и даже Виктюка ! А пока Тамбовский театр отправляется в турне по городам, знаковым для творчества Сергея Рахманинова. Также и в Москве постановка будет показана осенью еще несколько раз! Так что если увидите афиши, не раздумывая идите!
.

Субботним вечером 19 августа в театре проходили гастроли Тамбовского драмтеатра, показывали спектакль «В сиреневом саду» посвященный 150-летия Рахманинова. Величайший композитор, пианист и виртуоз, снискавший успех у публики спустя мучительные годы.

Его учителями был Н.Зверев и П.Чайковский. Лентяй, который не хотел учиться, но обладал феноменальной памятью и мог все повторить даже не уча.

Талантливый человек-талантлив во всем и Рахманинов помимо виртуозной игры на пианино стал еще и композитором. Его произведения знают все! Симфонии, концерты, опера, романсы, их он и посвящал своим музам.

“Недокументальная история великого гения” - так опеределил жанр своей постановки режисер театра Андрей Боровиков.

В спектакле представлен период жизни Рахманинова от студенческих лет до первого успеха, пройдя через поиск себя, критику и годы депрессии.

Но! “У творца лишь один судья-он сам!” Фраза Чайковского победила сомнения Рахманинова и он перестал бояться критики. И… ошеломительный успех!

Спектакль Тамбовского театра провожали криками “Браво!!!” Публика была в восторге!

Великолепная акустика и высокий купол здания, стремглав поднимали звук наверх, а после разбивали на многие кусочки… Они попадали прямо в самое сердце и оставались там … творчество Рахманинова вечно…

Волшебная музыка, изумительная постановка режиссера и талантливые артисты очаровали нас. Долго публика не отпускали их со сцены.

Кстати, близость сцены, нет подъема от зала к ней, сделало нас невольными участниками спектакля, чему мы, затаив дыхания были безмерно рады.

А гастрольное турне театра продолжается! И если он будет выступать в вашем городе - поспешите купить билет - великолепный вечер вам обеспечен.

Утром 4 августа с разных сторон к Дому Света стекались на Сбор труппы по случаю открытия 27 сезона ТРВ отдохнувшие и загоревшие его актеры.
Первой на сцену, на которой уже стояли декорации к азаровскому «Пиру», которым 5-го августа Театр и открыл свой новый сезон, вышла сотрудница администрации с приятным известием о повышении всем окладов. Принято это сообщение было, разумеется, «на ура»!
После короткого вступительного слова директора Театра Александра Олеговича Смертина слово было предоставлено члену Худсовета, ведущему актеру и режиссеру – Дмитрию Бозину, зачитавшему приветствие Председателя СТД Александра Калягина. Первый раз видела Дмитрия в очках!
Затем с планами на сезон 2023-2024 собравшихся ознакомил руководитель Худсовета, режиссер Александр Тарасов.
Больше 12 новых наименований должно появиться в афише Театра!!!
Добавьте к этому еще участие во всех городских мероприятиях – Всероссийской акции «Ночь кино» (26 августа), Дне города (9-10 сентября), Международной выставке-форуме «Россия», которая откроется 4 ноября на территории ВДНХ.
Особенные мероприятия готовит Театр ко Дню рождения Романа Григорьевича Виктюка (28 октября) – здесь пройдут творческие встречи с артистами театра, в рамках которых планируется показать уникальные материалы о создании последней законченной работы Мастера – спектакля «Отравленная Туника» по пьесе Николая Гумилева.
Не оставит без внимания Театр и маленьких зрителей – в Дни зимних праздников в фойе театра их будут ждать анимационные программы у новогодней ёлки.
Будут проводиться экскурсии по Театру с посещением мемориального кабинета Романа Григорьевича. А мне посчастливилось первый раз побывать в нем еще при жизни Мастера - именно здесь он оставил для меня автографы на своем двухтомнике «Небо».
Итак! Уже в сентябре Театр покажет новый спектакль «Мой бедный Марат» Александра Тарасова. Как я услышала в его интервью, последнюю встречу Марата и Лики он отодвинул на 30 лет, по сравнению с указанными у Алексея Арбузова 13 годами. Эх, молодость, молодость… Не понимают они, что с возрастом становится ценным каждое прожитое мгновение жизни и с легкостью «украл» у арбузовских героев 17 лет счастья!
Сентябрь в Театре обещает быть горячим – помимо двух запланированных на него премьер, Дня города и готовящегося к нему открытия интерактивной выставки «Архитектура Мельникова» - 20 сентября состоится знаковое событие – юбилейный показ легендарного спектакля Романа Виктюка «Служанки», которому исполнится 35 лет (а я была лишь на 25-летнем юбилее, проходившего в московском театре «Сатирикон», на сцене которого в 1988 году и состоялась его премьера).
Далее:
С нетерпением буду ждать новую постановку актера и режиссера (а теперь еще и главного режиссера саратовского ТЮЗа) Сергея Захарина - спектакль «САТИРиКА» по произведениям Саши Черного. Судя по режиссерским работам Сергея в ТВР «Орфей» и «Баня», официальная премьера которой состоится 8 сентября и будет первой в новом сезоне, должно быть интересно, тем более, что этот спектакль предложил театру Ефим Шифрин,! А еще зимой я с большим удовольствием посмотрела спектакль Сергея для детей «Сказка о мертвой царевне и семи богатырях»!!!
Также среди режиссеров были названы имена Андрея Боровикова, Глеба Черепанова и Кирилла Шендерова.
Меня очень заинтересовал спектакль «Визит дамы» Фридриха Дюрренматта, задуманный замечательным режиссером Андреем Боровиковым, работа которого в театральном альманахе «Островский. Авангард» просто выше всех похвал!
Прозвучали и неизвестные мне фамилии режиссеров - Игорь Селин и Максим Мышанский. Почему выбор худсовета пал именно на них –неведомо.
Интересной мне показалась идея Дмитрия Бозина поставить спектакль «Река Потудань» по мотивам повести Андрея Платонова и бажовским сказам. Уверена, что это будет что-то весьма необычное…
И, все же, на мой взгляд, «вишенкой на торте» станет спектакль «Славянские мифы», задуманный актером и режиссером Игорем Неведровым, как наиболее близкий к эстетике этого Театра.
Соавтор проекта Нана Татишвили – единственный в России аккредитованный специалист по методу всемирно известного японского режиссера Тадаши Судзуки, с основами которого Игорь познакомился еще во время своей службы у Юрия Петровича Любимова в Театре на Таганке.
Да уж! Что и говорить - планов у моего любимого Театра – громадье!!!
Буду держать за него кулачки, чтобы они все с успехом воплотились в жизнь!

Театр Романа Виктюка открыл 27-й сезон показом спектакля «Пир»
04.08.2023 состоялся сбор труппы Театра Романа Виктюка!

Художественный совет театра режиссеры, ведущие артисты театра Дмитрий Бозин, Игорь Неведров, Сергей Захарин, Александр Тарасов и директор театра Александр Смертин рассказали о планах на 27-й сезон, в котором ожидается большое количество интересных событий, премьер, встреч и проектов.

27-й театральный сезон будет насыщен яркими запоминающимися премьерами, интересными творческими вечерами, экскурсиями и другими театральными событиями, о которых я расскажу вам чуть позже.

5 августа Театр Романа Виктюка открыл 27-й сезон показом восстановленного спектакля «Пир» режиссера Дениса Азарова, первые показы которого прошли в июне 2021 года. В 2022 году спектакль был внесен в Long List 2022 Российской национальной театральной премии «Золотая Маска» в номинации Самые заметные спектакли сезона 2020-2021 гг. по мнению экспертного совета. Основатель театра Роман Григорьевич Виктюк обращался в работе к авторам-обэриутам, его интересовал театр парадокса.
Даниил Хармс, Александр Введенский, Николай Олейников, Яков Друскин, Леонид Липавский, Николай Заболоцкий. Спектакль о судьбах поэтов, писателей, философов 20-30-х годов XX века. Объединение Реального Искусства (ОБЭРИУ), декларирующее ВНЕреальное. Их пиры. Их тексты, их разговоры, их фантазии. Их сны. Их хулиганство. Их поиски чуда. Их жизни. Их гибель. Это спектакль о них и не совсем о них. Грустный и смешной. Страшный и трогательный. Спектакль о чуде, в обязательный приход которого все они так верили, и которого не дождались. И о чуде, которое свершилось, спустя сорок лет после их ухода. Когда они, не нужные никому, – внезапно – стали нужны всем.

Итак, в новом 27 театральном сезоне в Доме Света состоятся экскурсии по театру, мастер классы артистов, будет продолжена работа с совсем юными зрителями – яркая, насыщенная новогодняя компания, с анимационной программой у новогодней ёлки в фойе театра.
Любовь к искусству прививается с малых лет юным зрителям, которые в будущем непременно станут постоянными почитателями театра.

Также театр примет активное участие в общегородских акциях.
26 августа театр примет участие во Всероссийской акции «Ночь кино». Состоится творческий вечер с участием ведущих артистов театра, зрители увидят демонстрацию отрывков из фильмов, режиссером которых был Роман Виктюк. Продолжит этот вечер встреча с артистами театра в библиотеке на Аргуновской улице.

На этом яркие события не заканчиваются, и театр представит для зрителей ко Дню города следующие мероприятия:

9 сентября – состоится праздничный концерт артистов театра, посвященный любимой Москве! Прозвучат популярные песни, стихи и музыкальные композиции.
10 сентября – экскурсия по театру и показ спектакля «А все-таки вы хорошая» по дневникам и произведениям Марины Цветаевой.

Также ко Дню города в фойе Театра Романа Виктюка будет открыта интерактивная выставка «Архитектура Мельникова». Зрители смогут прикоснуться к истории архитектуры Москвы глазами великого архитектора, рассматривая и изучая материалы выставки на видеоэкранах.

В октябре ко Дню рождения Романа Григорьевича Виктюка, театр готовит сюрприз для зрителей – это будет особенное мероприятие, которое будет посвящено последней законченной работе Романа Григорьевича Виктюка – спектаклю «Отравленная Туника» по пьесе Николая Гумилева. Состоятся творческие встречи с артистами театра, театр планирует показать уникальные материалы о создании спектакля и, конечно, состоится показ самого спектакля.
Здесь я хочу добавить то, что «Отравленная Туника» - великий спектакль и его стоит увидеть каждому зрителю. Спектакль не оставит равнодушным никого. Если вам еще неведомо ощущение катарсиса – то это именно тот спектакль, который позволит вам испытать его во всех красках! Рекомендую перед походом прочитать пьесу Николая Гумилева «Отравленная Туника».

В ноябре театр планирует принять участие в Международной выставке-форуме «Россия», которая откроется 4 ноября на территории ВДНХ.

А еще в театре Романа Виктюка планируется совместная интересная большая работа с театром Ефима Шифрина по предложению самого Ефима Шифрина. Зрителей ждет премьера спектакля «САТИРиКА» по произведениям Саши Черного, режиссер Сергей Захарин.

В новом 27 сезоне театр представит такие премьеры:
В сентябре театр выпустит две премьеры:
8 сентября – спектакль «Баня» Владимира Маяковского, режиссер Сергей Захарин. Карикатурный, перевёрнутый мир бюрократической машины в режиссуре Сергея Захарина предстанет увиденным глазами самого Маяковского, роль которого исполнит Дмитрий Бозин.
Персонажи пьесы «Баня» соорудили машину времени, на которой решили отправиться в 2030 год… Дмитрий Бозин, исполнитель роли Маяковского о спектакле:
«В спектакле много пластики, танцевальных фрагментов, гротеск персонажей обязывает к этому. К тому же в пьесе много условностей. Например, машина времени, которую изобрел Чудаков воображаемая. Уверен, что юмор, который Маяковский заложил в пьесу, будет понятен и зрителям нашего времени, так как многое из того, о чем писал поэт актуально смешно и сейчас.

30 сентября – спектакль «Мой бедный Марат» Алексея Арбузова, режиссер Александр Тарасов.
Драма трех тесно переплетенных судеб и одной сбывшейся мечты — сбывшейся, пусть и очень поздно, пусть и на осколках мечты другой…
Это одна из самых человечных и камерных пьес о страшном времени блокады Ленинграда, рассказ не о героях и героическом времени — история простых людей, с их достоинствами и недостатками, добротой, обидами, странностями, любовью и дружбой.
В спектакле будет необыкновенное пространство и декорации с лестницами, уходящими высоко в небо, в небо к своей мечте.

Еще одна премьера сезона - спектакль «Почти смешная история» Эмиля Брагинского, режиссер Александр Карпушин.
Для постановки «Славянских мифов» в Театр Романа Виктюка приедет Нана Татишвили, художник и актриса, которая много лет проработала в японском театре Тадаши Судзуки. Вместе с ней над спектаклем будет работать режиссер Игорь Неведров.
Следующая премьера - спектакль «Визит дамы» Фридриха Дюрренматта, режиссер Андрей Боровиков.
Также театр планирует до конца 2024 запустить работу над следующими проектами:
- «Река Потудань» по мотивам повести Андрея Платонова и произведениям Павла Бажова, режиссер Дмитрий Бозин.
- «Сон в летнюю ночь» Вильям Шекспир, режиссер Игорь Селин
- «Песнь песен» истории о любви, режиссер Максим Мышанский
- «Каин» трагифарс, режиссер Глеб Черепанов
- «Веранда в лесу» Игнатий Дворецкий, режиссер Кирилл Шендеров
- «Маскарад» Михаил Лермонтов, режиссер Игорь Селин
А самое главное и знаковое событие 27 театрального сезона состоится 20 сентября – зрителей ждет специальный юбилейный показ легендарного спектакля Романа Виктюка «Служанки», которому исполнится 35 лет. Этот спектакль является жемчужиной в Доме Света Романа Григорьевича Виктюка.

Театр открывает двери нового, 27 сезона в Доме Света на Стромынке, 6!

Премьера "Островский. Авангард" в театре Романа Виктюка
26 Сезон в Театре Романа Виктюка выдался плодотворным. Публике было представлено большое количество премьер и вот, к закрытию сезона, театр подарил нам еще одну премьеру «Островский. (точка) Авангард» в честь 200-летия великого русского драматурга — Александра Николаевича Островского — Театр Романа Виктюка сыграет лучшие сцены о любви из его пьес.
Это непривычный для данного театра формат спектакля. Но давайте обо всем подробнее.
30 июня в театре Виктюка премьера, я была на предпремьерном пресс-показе и наше путешествие по известнейшему памятнику советского конструктивизма и одного из главных творений Константина Мельникова - ДК Русакова, было построено немного иначе, нас не разделяли на две группы. Мы начали свое путешествие из фойе театра, которое символизирует подсознание, и начали свое перемещение к высшему уровню сознания по лестницам, ведущим на балконы и далее уходящим в небо.
ДК имени Русакова спроектирован в виде неполной шестеренки с глядящими на три стороны зубцами. Именно в этих зубцах и располагаются три балкона с местами для зрителей. Каждый из балконов служит отдельным зрительным залом и выходит в одно пространство, которое объединено большой сценой. Каждый из балконов может быть самостоятельным залом. Но самая невероятная красота открывается с авансцены театра. Взору открываются все пять объемов зрительного пространства — три наверху и два внизу. Увидеть эту красоту можно только с авансцены. Зал, залитый светом и невероятным потоком энергии. Именно в этот момент становится понятно, почему Роман Григорьевич Виктюк называет театр Домом Света. И дело здесь не только в окнах, высотою в несколько этажей, которые наполняют пространство лучами солнечного света. Само пространство живое, я ощущала его каждой клеточкой своего организма и сознания, когда стоишь на авансцене, закрываешь глаза и чувствуешь этот поток энергии и света, проходящий сквозь все тело, и ты уже не просто человек, ты становишься проводником этого потока дикой и мощной энергии. Я очень рекомендую всем попробовать прочувствовать это ощущение потока и мурашек по всему телу. А чтобы это сделать, достаточно просто прийти на спектакль «Островский. Авангард».

Что же это за спектакль - «Островский. Авангард» это, скорее иммерсивный спектакль-путешествие, он поставлен таким образом, что зрители путешествуют по пространству театра, и само здание театра становится еще одним участником всего действа наряду со зрителями и актерами. Все, буквально, пропитано потоком энергии между зрителем, пространством и актерами. Роман Григорьевич Виктюк мечтал поставить спектакль в своем Доме Света, где зритель сможет увидеть зал глазами актеров. Зал, залитый солнечным светом, зал в котором хочется дышать и творить, творить искусство и добро.
По задумке зрители разместятся на сцене и развернутся в сторону балконов. Где в этот момент начинается действо. Проводником и связующим фрагменты пьес звеном стали цыгане. Они и повели нас в путешествие по зданию театра и по пьесам Александра Николаевича Островского.
Четыре отрывка о любви от разных режиссеров нам покажут на разных площадках пространства Дома Света.

Спектакль начинается в фойе, нас уже ждал, заботливо подготовленный зал, в который на время спектакля преобразилось фойе театра. Заслуженный артист России Дмитрий Бозин в этот вечер был для нас рассказчиком, он познакомил нас с историей авангарда. Нам продемонстрировали отрывки из шедеврального кинофильма "Гроза" 1933 г., режиссер Владимир Петров. А Дмитрий Бозин поделился с нами, почему были представлены фрагменты из кинофильма «Гроза» 1933г. «Потому что Мейерхольд и, возможно, всплывающий в сознании Эйзенштейн - кино здесь ещё очень театральное – ярко, живописно выписанные лица, движущаяся камера. Кадр становится атмосферой внутреннего ощущения героини, это абсолютно живописный приём – когда грани кадра становятся для неё непреодолимой стеной, сквозь которую она решится уйти. И абсолютно психологический расфокус, как отношение оператора к происходящему, как передача атмосферы момента».
А дальше зал залился звонким смехом, танцами и все мы понеслись в пляс вместе с цыганами и после безудержных и энергичных танцев, цыгане увлекли нас за собою в путешествие по пространству театра.
Первыми нам представили отрывок из пьесы островского «Волки и овцы» в постановке Игоря Неведрова. Глафира (Мария Матто) и Лыняев (Прохор Третьяков) увлекли нас ироничными и наполненными любовью диалогами своих героев и импровизированными лужей и калиткой. Мы, словно, стали не просто свидетелями их диалога, а непосредственными участниками и когда мы переходила в пространство левого балкона, я сама, невольно, переступала эту воображаемую лужу и пробиралась сквозь узкую калитку.
Следующим перед нами разворачивается отрывок из пьесы Островского «Доходное место» реж. Кирилл Шендеров. Это самое острое действие пьесы Жадов (Никита Башков), уже женатый на Полине (Анастасия Якушева), начинает постепенно сомневаться в своих убеждениях, которым так яро следовал всего год назад. Окружающие жаждут признания его беспомощности, а он борется с сомнениями, и, пытаясь оградить себя от них, незаметно отдаляется и от жены. Очень сильный отрывок, вызывающий гнетущее ощущение неминуемой катастрофы. И в самый пиковый момент врываются снова цыгане, которые ведут нас дальше по шедевру конструктивизма архитектора Мельникова. И вот здесь мы оказываемся прямо на авансцене. Именно о ней я рассказывала в самом начале. Именно здесь, практически в самом сердце театра, перед нами открывается потрясающе сильный вид на Дом Света, здесь можно увидеть его душу.
Именно здесь нам показали «Бесприданницу» реж. Александр Тарасов. Для меня это очень глубокая пьеса, я всегда смотрю ее с трепетом. Александр Тарасов видит ключевой темой «Бесприданницы» невозможность принять мир таким, каким он является в действительности, что приводит каждого из героев к внутренней безысходности и - в итоге - трагедии. Перед нами разворачивается трагическая история «Бесприданницы» и в этот момент задействовано абсолютно все пространство театра и все балконы и сцена, здесь я не буду подробно рассказывать, мне бы очень хотелось, чтобы каждый из зрителей смог увидеть это действо своими глазами. И снова появляются танцующие цыгане, но здесь уже не хочется веселиться, потому что осознаешь трагичность пьесы, после фрагмента «Бесприданницы» всегда хочется послушать внутреннее молчание.
На полотне, которое разделяет авансцену от основной сцены, мы видим проекцию надписи, которая гласит о просьбе «Судари и сударыни, извольте занять ваши места в зрительном зале». Финальной точкой в нашем путешествии стал фрагмент из пьесы в жанре авангард «Свои люди, сочтемся» реж. Андрей Боровиков. Андрей Боровиков считает, что, хотя Островский и относил пьесу «Свои люди - сочтемся» к жанру комедии, ее можно и нужно считать скорее трагикомедией, русским «Королем Лиром». Перед нами, словно открывается толи музыкальная шкатулка, толи арена цирка, с кружащимися в танце куклами-клоунами в гротесковом танце жизни. Очень красочные костюмы, оформление сцены, музыкальное и световое оформление. Акерский состав: дочка Липочка (Виктория Савельева), Павел Новиков в образе купца Самсона Силыча Большова, Аграфена Кондратьевна (Наталья Мороз), Сергей Соломин в роли Лазаря Елизарыча Подхалюзина и другие актеры показали нам феерию красок. Очень хотелось бы увидеть полный спектакль «Свои люди, сочтемся» в репертуаре театра.
Наше путешествие по пространству театра Виктюка длилось, без малого, 3 часа. Время для меня пролетело незаметно и я с превеликим удовольствием приду на этот спектакль, уже в новом 27 театральном сезоне.

Островский. Авангард - новая постановка в Театре Романа Виктюка.
Сразу несколько произведений: - «Волки и овцы» в постановке Игоря Неведрова , «Доходное место» в постановке Кирилла Шендерова «Бесприданница» режиссера Александра Тарасова, «Свои люди – сочтемся» в постановке Андрея Боровикова и отрывки из фильма 1933 года "Гроза" стали опорными точками, через которые режиссеры провели зрителя по многогранному наследию Островского.
Слияние искусства и жизни, в авангардном проявлении яркой нитью пронизано сквозь спектакль.
Фильм режиссера Владимира Петрова "Гроза" 1933 года, с первых кадров окунул в вакханалию, крикливое бесячье общество. Удивительно тонко проработаны образы, как ярки взгляды проникающие вглубь и оставляющие там след. Картинка оживает и уносит, незаметно перенося тебя в переживания героини, в ее мир, что словно в болоте, тонит в аду...
Нам показали лишь фрагменты картины, акценты выделил Дмитрий Бозин, давая векторы и подсказки для дальнейшего интереснейшего путешествия.
А потом внезапно, вихрем ворвались они - цыгане, зажигательные пляски наполненные жизнью в каждом движении, огнем в каждом взгляде, экспрессией растворяющиеся в моменте. Они закружили и умчали нас:
" И вдвоем по тропе, навстречу судьбе, 
        Не гадая, в ад или в рай. 
Так и надо идти, не страшась пути, 
        Хоть на край земли, хоть за край! 
Так вперед! – за цыганской звездой кочевой.."
Разве возможно устоять?! Я не смогла, пустилась в пляс и сама не заметила, как оказалась на одном из трёх балконов, куда пришли, кроме нас, ещё двое, Глафира ( Мария Матто) и Лыняев ( Прохор Третьяков). И мы притаились, жадно, подглядывая за ними, сквозь "узенькую калиточку". Как тут не почувствовать себя частью стаи волков?! Игра, игра, манипуляции и ещё раз игра. Но как же упоительны и ироничны диалоги героев. Как милы они, когда забываясь, предаются любовным заботам и мечтам.
Восхитительная работа актеров, нет ни единой петельки в ровном прекрасном полотне их истории.
После которой нас повели на другой балкон и здесь царило совсем другое настроение, атмосфера катастрофы, ощущение рушащегося мира.
"Полина ты меня убиваешь, коль не любишь, так пожалей"
На нижних рядах разбросаны подушки с человеческими силуэтами, мы сверху, словно напираем, а они Жадов (Никита Башков) и Полина (Анастасия Якушева) в эпицентре, на грани. Непонимание, ломка внутреннего мира, они метались, бились о невидимые стены, возведённые друг другом под напором общества, частью которого были мы. Очень сильное впечатление производит такой ход.
Не успевши, осознать до конца увиденное, вслед за цыганами, мы пройдя лабиринт коридоров оказались в святая святых, на главной сцене театра. Удивительно и трепетно смотреть в уходящие в глубокую высь балконы, ряды партера закрытые полотном, застывшие словно в ожидании.
Здесь нас встретил Кнуров ( Александр Семёнов) и начал свой рассказ, подхватил его Карандышев (Константин Авдеев) метавшийся среди нас словно раненый зверь. Раздавал ружья, словно намекая, что каждый из нас убийца и ведь действительно задумываешься, оглядываясь назад, на свои отношения, чувства и личные трагедии. А с левого и правого балкона точно магнитом из разных миров притянуло Паратова ( Никита Башков) и Ларису ( Мария Матто). Будто на верёвочном мостике в центре они пытались устоять держась друг за друга, но иногда одной любви мало. И вот Лариса полна безысходности, то ли на краю балкона, то ли пропасти, что в данном случае равнозначно..и каждый из персонажей остаётся со своей трагедий один на один, внутри огромного мира, среди тысяч и тысяч окружающих людей.
И цыгане словно догорающие искры пламени жизни уже не зовут за собой, они плавны и задумчивы, как и все зрители. На этом можно было бы закончить погружение, иммерсива, эмоций и пищи для раздумья более чем, но пара занять традиционные места в зале. Запрещённая при жизни пьеса Островского "Свои люди - сочтемся" стала на мой взгляд чудесным обобщением нашего путешествия. Острая трагикомедия, как ее определяет режиссер Андрей Боровиков как ничто лучше отражает хрупкость положения человека играющего по законам общества. Словно яркие фигурки в музыкальной шкатулке, на арене цирка или на поле юлы персонажи разыгрывают свой гротесковый забег по жизни, есть ли первые и выигравшие в этом забеге? Счастливы ли они, имеют ли устойчивую почву под ногами и можно ли выпрыгнуть с этой арены?! Много вопросов всплывает после просмотра и это прекрасно. Не зря прожиты три часа. Огромное удовольствие получено. Очень сильные актерские и режиссерские работы. Хочется прочитать и перечитать произведения классика, вернуться и повторить маршрут, вновь встретиться с цыганами и попробовать найти свой путь к счастью, гармонии и свету.
Спасибо за пережитый опыт, за смыслы, символы и мысли которые словно вулкан бурлят теперь в голове!

Островский. Авангард.
30 июня состоялась премьера в «Театре Романа Виктюка». Впервые эскиз пьесы сыграли в рамках акции «ночь театров» и в честь 200-летия великого русского драматурга — Александра Николаевича Островского. И она так понравилась зрителям, что они попросили ввести её в постоянный репертуар театра.
Пьеса очень неожиданная по решению, это скорее имерсивное путешествие по театру. Идея в том, чтобы использовать места, где обычно сидят зрители для выступления актеров, а поклонникам театра дать возможность выйти на сцену. О таком необычном решении мечтал еще Роман Григорьевич Виктюк, по словам его учеников.
Наше впечатление началось с посещения кабинета-музея Р.Г. Виктюка, в который теперь можно заходить перед каждым спектаклем, чтобы посмотреть на интересный выбор книг, афиши и вид из окна.
Потом мы спустились в нижнее фойе, где увидели фрагменты фильма Владимира Петрова «Гроза» 1933 года и Дмитрий Бозин рассказал нам об авангарде, о его приемах и решениях, это подобно камертону в музыке, должно настраивать зрителя на правильный лад. После этого толпа цыган исполнила зажигательный танец и увлекла нас за собой. Этот момент используют, чтобы разбить зрителей на две группы, которые потом, посмотрев два спектакля, объединятся.
Мы поднялись на балкон и посмотрели первый спектакль, режиссированный Игорем Неведровым. Это был кусочек из «Волки и овцы». Прохор Третьяков в роли Лыняева, Мария Матто в роли Глафиры и Алдар Когаев, в прямом смысле на подпевках. Этот кусочек больше всего понравился моему сыну, как и многим, кто не знаком с творчеством Островского, здесь было все просто и понятно, красивое и ясное визуальное решение. Актеры хороши.
Затем мы переместились на второй балкон и там посмотрели отрывок из «Доходного места». Как сказал позже, на пресс-конференции режиссер этого фрагмента, Кирилл Шендеров, он заложил в этот спектакль метафору Ноевого ковчега, на котором Жадов пытается сохранить себя и Полину в любви и беспорочности. Анастасия Якушева и Никита Башков отлично и эмоционально отыграли отрывок.
Далее цыгане нас повели на сцену театра. Мы стояли на этом не побоюсь этого слова святом месте, а внутри нашего круга и на балконах разворачивалась драма «Бесприданница». Константин Авдеев – Карандышев, Никита Башков –Паратов, Мария Матто –Лариса и Александр Семенов – Кнуров. Вот тут я увидела первый минус спектакля, во-первых, не видела ни одного актера, который бы переиграл Никиту Михалкова в этой роли рокового мужчины (если видели пишите, мне кажется это невыполнимая задача), во-вторых, т.к. действие меня ********* до глубины души и мне нужен был антракт, чтобы выпить чашечку кофе или шампанского и поговорить с о коварстве любви и жестокой судьбе. Но нет на сцене зажглась надпись, что нужно садится в партер. Мы понеслись по четвертой пьесе поставленной Андреем Боровиковым.
«Свои люди –сочтемся» Зажигательный актерский состав: Павел Новиков, Наталья Мороз, Виктория Савельева, Сергей Соломин, Олеся Быкодерова, Игорь Тенсин, Владислав Сыровацкий. Отсылка к Всеволоду Мейерхольду, который считал, что спектакли Островского должны быть сказочными. Сцена похожая на музыкальную шкатулку, наполненную гротескными образами фарфоровых кукол-клоунов. Декорации в духе «Супрематической композиции» Казимира Малевича. Трагикомедия, выполненная в лучших традициях русского авангарда. Очень смешно, контрастно, ярко и выразительно. Визуально тоже интересно, видела много фото со спектакля – очень интересные. Открытие для меня в этом спектакле Сергей Соломин – потрясающий в одной из главных ролей, очень артистичен и великолепен. Браво! Виктория Савельева – отличная Липочка получилась, очень талантливо, тонко и смешно. Все актеры большие молодцы – отличная командная работа. Браво!
Особенно хочу отметить пластику актеров спектакля, как всегда – на высоте. Режиссер по пластике Владимир Аносов продолжает радовать зрителей.
Шероховатости были с размещением зрителей, но это и понятно, т.к. это эксперимент для театра и эта схема еще не отработана до конца. Мне в целом идея путешествовать по театру понравилась, т.к. я люблю ходить, было очень интересно и впечатляюще, надеюсь этот спектакль оставят в театре.

От этого дня у меня останутся впечатления, фотографии и видео. И я сейчас не только про видеофрагменты спектакля, но и про видео, где я с артистами в цыганских костюмах отжигаю на сцене. Так вот, совершенно неожиданно для себя...

30 июня состоялась премьера нового спектакля в Театре Романа Виктюка "Островский. Авангард". Когда я впервые увидела название, возникло много вопросов. Посудите сами - Островский умер за несколько десятков лет до зарождения авангарда. Каким же образом фамилия русского классика 19 века и название новаторского течения в искусстве 20 века оказались рядом в названии спектакля? Оказывается, этому есть вполне логичное объяснение.

Спектакль начался с выступления Дмитрия Бозина, который продемонстрировал нам несколько фрагментов из фильма "Гроза" 1933 года режиссера Петрова по одноименной пьесе Александра Островского. Вот в чем была скрыта загадка связи классики с авангардом. В начале 20 века Эйзенштейн, сотрудничая с Мейерхольдом, стал основоположником советского киноавангарда. В фильме "Гроза" мы можем увидеть стиль, повторяющий работы Эйзенштейна. Те же крупные планы, расфокус, а потом диагональные кадры и движущаяся камера. Те же живописные мизансцены, те же постановки кадра, еще пока театральные, и актерская игра там пока театральная.

Если я верно поняла идею, спектакль "Островский. Авангард" - это эксперимент от обратного, то есть, от авангардного кино к театру. Постановка состоит из четырех частей, фрагментов из четырех произведений Островского, сценами для которых стали разные локации Театра. Первые два фрагмента из пьес "Волки и овцы", режиссер Игорь Неведров, и "Доходное место", режиссер Кирилл Шендеров, были сыграны на балконах, где установили небольшие импровизированные сцены с поручнями. Отрывок из "Бесприданницы", режиссер Александр Тарасов, играли по очереди то на центральном балконе, то на сцене Театра, то в рядах партера. А сцену из из пьесы "Свои люди - сочтемся", режиссер Андрей Боровиков, усадив зрителей в партер, перенес полностью на сцену, на круглый вращающийся подиум в самом ее центре. От локации к локации нас водили цыгане, не настоящие. конечно. Это были актеры в цыганских нарядах, но, должна отметить, сыграно крайне правдоподобно.

Контраст ярких голубых, оранжевых и желтых оттенков света, разные ракурсы, выход актеров за пределы импровизированных сцен, крупные планы и замкнутое пространство балконов, 360 градусов сцены в третьем действии и ограниченная часть сцены в четвертом, архитектура самого Театра в качестве сцены для спектакля - все это напоминает нам приемы постановки кадров в авангардном кино. И если первые три фрагмента были...так и хочется сказать - сняты...поставлены в классическом варианте, то для того, чтобы разглядеть авангард в четвертом, - можно ничего не знать ни о самом этом направлении, ни о кино, ни о театре. Гипертрофированный авангард в нем буквально кричит со сцены посредством цветных геометрических декораций, ярких костюмов с геометрическим принтом, резких угловатых движений, манеры речи. Тем не менее, все фрагменты связаны общей нитью и при всех вводных по-прежнему остаются произведениями Островского.

Разобранные на части и вновь собранные воедино, но уже с расставленными акцентами и подчеркнутыми деталями, здесь, на сцене Театра Романа Виктюка, пьесы Островского заиграли новыми красками, нашли отголосок в сердцах зрителей. Все так же о любви, о жизни, о действиях и противодействиях, о поступках и последствиях, они остаются актуальными и в наше время. Вобрав в себя житейскую мудрость, они несут в себе мораль и учат жизни. Несмотря на почти двести лет разницы с героями пьес, мы все так же на них похожи, у нас прежние ценности и грехи. Спектакль цепляет, он заставляет задуматься, ведя от балкона к балкону, от одной картины человеческих трагедий к другой. Непосредственная близость к актерам вовлекает в спектакль, затягивает в действие.

Конечно, путешествие, а особенно - подъем из фойе ниже первого этажа сразу на четвертый к балконам, очень выматывает, но однозначно того стоит. А благодаря оригинальному формату и удачно выбранным фрагментам, постановка будет интересна и искушенным театралам, и среднестатистическому зрителю, и не очень симпатизирующей классике современной молодежи. В очередной раз Театр Романа Виктюка пронзил мое сердечко стрелой Купидона. Браво!

«Островский. Авангард» в театре Романа Виктюка

В начале этого спектакля (4 части, 3 часа) мы посмотрели отрывки из фильма 1933 года «Гроза» реж. В. Петрова.
Не понравился он нам. Комментировал эпизоды фильма Дм. Бозин, как всегда красивый, лукавый и еще, как быстро стало ясно, весьма знающий профессионал, он и предупредил нас, что только вредные старухи могут быть недовольны показом фильма, а нормальные люди поймут, в чем соль и смысл. При этом он изобразил, как выглядят эти самые старухи. Но я лично отказываюсь даже и после этого себя считать такой. И скажу: Дм. Бозин и все его комментарии – ок, а чем фильм лучше еще одного спектакля, не знаю или не признаюсь. Ну разве что мультижанровость - это ведь современно, когда можно накидать балет, лекцию и укрощение черепашек в одно действие.
Опять же все эти крупные планы, когда лицо актера во весь экран и кажется, в первую очередь, что он жуть как отъелся, это в 30-то годы. Ну или опух. А на самом деле это камера так человека видит. Каждую каплю пота и каждый недостаток грима.
Хотя сцена свадьбы была вполне хороша, в купеческом доме, на пиру, все участники которого вели себя по-скотски. Некрасиво ели, орали и валялись в постыдных позах.
Должна была выделиться Алла Тарасова в роли луча света Катерины. И выделилась, походкой медленною и невеселостью демонстративной. В то же время видно, что она – часть этого мира, невеста и должна быть невеселой, мы, крестьяне, в курсе культуры народной, ведь в новое социальное положение нелегко переходить. У Катерины еще и весьма страстная экспрессия на лице как появилась, так и не уходила никуда (немецкий экспрессионизм так попутал актрису?), с лица широкого и круглого, выражение которого я бы прочла, не зная пьесы, как довольно злое. Ох, не овца такая Катерина, а чисто будущая Кабаниха, которую играет в фильме Варвара Массалитинова, ярче яркого играет, грозная настолько, что даже уютно сидя перед экраном, страшно слышать ее реплики. Тихона (Иван Чувелев) понимаю и поддерживаю. Момент, когда он деру дает из дома, показали. Мы бы тоже побежали, причем прямо сейчас и в тот же момент, но, как ответственные зрители, остались сидеть и терпеть, чинно и благородно. Ведь это еще не все. Как разрешат нам другое зрелище, театральное, так мы сразу и убежим.
Да, все же стыдно за себя и за товарищей по стульям, ведь кино это между прочим, в числе прочих советских картин, показывалось на 2-м Венецианском фестивале, завоевало кубок, и актёрский ансамбль «Грозы» был особо отмечен, что бы это ни значило. А мы, премного недовольные, цыган ждем, чтоб увели куда-нибудь из «подсознания», места довольно уютного, но только когда оно буфет и брюи недорого.
Настал момент движения в спектакле-променаде, мы получили свои красные карточки (а кто-то синие) и пошли смотреть эпизод на правом балконе.
Это были сцены из пьесы «Волки и овцы» с коварной Глафирой и увальнем Лыняевым. Волк Глафира – Мария Матто, красивая, хищная и худая, в белом платье, а овечка Лыняев – Прохор Третьяков. Это было великолепно. Смешно, легко и достоверно. Алдар Когаев играл на гитаре, создавая свою линию и третий путь. Режиссер эпизода – Игорь Неведров.
В приятном состоянии и настроении перешли налево и вскарабкались к сиденьям не без труда. Чтобы посмотреть эпизод из «Доходного места». Полинька и Жадов. Анастасия Якушева и Никита Башков. Режиссер - Кирилл Шендеров.
Тут мы заскучали. Жадная Полинька, обычная современная девушка видом, супер-честный Жадов, полы моет сам, вот же его экономия довела. Нет, не коснулись нас проблемы этой молодой пары. Ну их, право слово.
Нас опять цыгане зовут, слава –слава им.
Встали мы на сцене в непривычном положении и головы задрали вверх. А там, на балконах, - бешеная страсть.
Паратов и Лариса (Никита Башков и Мария Матто) издалека нам ее показывают. Они там, на берегу мечутся, вестимо, раз выше, а мы тут, на дне реки Волги-матушки, стоим и мучаемся, смотрим, как девушку насчет обещания жениться опять прокинули.
Зато здесь, на сцене, нас серьезно согрел Карандышев-Константин Авдеев, лихие вещи говорил, все время оружием из большого сундука манипулируя. Прям секси. В разы дороже такой Карандышев жадного Паратова. Надо было Ларисе другого брать. И красив, и энергичен. Бесприданница-то наша, наверное, слегка того, тронулась от обиды и давай его оскорблять. При нас прямо.:). И все это нас так тронуло, до глубины души, которая есть у каждого, как оказалось. Еще один красавец, Семенов Александр-Кнуров, элегантный и неожиднный, Ларисе Париж как начал предлагать и другое всякое что могут отдавать легко богатые и своенравные люди. А Лариса - чисто лошадь породистая и бешеная. Ноздри раздуваются, глаза искрят, копытами только не бьет. Пока рога не выросли у такой невероятной, но существующей в природе Ларисы, раздался выстрел. Бешеных ведь усыпляют на месте.
Да, а режиссер – Александр Тарасов.
Цыган далее самым наилучшим и красивым манером представляют.

Финал – пьеса «Свои люди-сочтемся», реж. Андрей Боровиков.
Идеальное, во многом, зрелище.
Старинно-модерное представление: комедианты на вращающемся круге, все пестрые, страшные внутри, дикие и красивые снаружи, и еще весьма громкие. Одежду актеров я где-то видела уже, с намеками на крестьян Малевича, а у жены Самсона Силыча (Наталья Мороз) халат узбекский, как сегодня из Ташкента привезла да надела сразу. А подходит. И Лазарь – Петрушка (Сергей Соломин)в красном, гибкий, не сломать. Липочка – Виктория Савельева, а ее папенька – Павел Новиков. Про сваху чуть не забыла, а она кричит тут чуть не громче всех – Олеся Быкодерова.
В общем, хорошо получилось с Островским у Дома Света, думаем. Выбивает из колеи это представление, даже датой, в конце сезона премьерой жахнуть! Так и должен театр с нами поступать всегда.

Перед закрытием 26 сезона Театр Романа Виктюка побаловал своих зрителей премьерой - спектаклем-альманахом «Островский. Авангард», поставленным в честь 200-летия великого русского драматурга Александра Островского.
Надо сказать, что в ТРВ теперь не только решения принимают сообща – всем Худсоветом, но и спектакли ставят тоже сообща – у «Островский. Авангард» аж четыре режиссера!!! Плюс замечательный режиссер по пластике - Владимир Аносов.
Все они, правда, в разной степени, уже пробовали свои силы на этих подмостках и вот теперь вместе придумали, как отправить зрителей в театральное путешествие по всему Дому Света!
Итак – чтобы посмотреть два отрывка из пьес А.Н. Островского - «Волки и овцы» (режиссер – Игорь Неведров) и «Доходного места» (режиссер Кирилл Шендеров) – зрителям придется подняться аж на пятый этаж Дома Света, их сценической площадкой являются балконы.
Отрывки из «Бесприданницы» (режиссер Александр Тарасов) разворачиваются сразу в двух пространствах – на сцене, по краям которой стоят зрители, и на балконах, на центральном из которых и происходит объяснение между Паратовым (восходящая звезда ТРВ Никита Башков) и Ларисой (восхитительная Мария Матто).
В награду за стойкость, набегавшимся по лестницам и потолкавшимся на сцене зрителям предложат посмотреть совершенно очаровательную постановку Андрея Боровикова по пьесе «Свои люди – сочтемся!», оформленную в стилистике русского авангарда.
Не хочу выделять в ней никого из артистов – Боровикову удалось собрать прекрасный ансамбль, где молодая поросль театра ничуть не уступает его корифеям.
Очень красивая финальная точка у этого театрального путешествия! Только ради постановки Андрея на этот спектакль стОит сходить!
А начинается театральное путешествие в фойе театра, где харизматичный Дмитрий Бозин (вот кому Паратова-то играть!!!) в роли Рассказчика погружает зрителя в мир великого драматурга, и где на экране можно увидеть отрывки из «Грозы» с Аллой Тарасовой.
А затем со всех сторон выбегают цыгане, без которых пьесы Александра Николаевича не обходились, начинают кружить зрителя в вихре своего танца и влекут за собой наверх…
Мария Матто хороша была и в роли Глафиры из пьесы «Волки и овцы», и в роли Ларисы из «Бесприданницы». Ее и комедийный, и драматический талант, к счастью, становится все более востребованным в родном театре.
А какого Карандышева сыграл Константин Авдеев! До этого для меня эталоном этой роли был Евгений Цыганов, так Константин его даже переплюнул (по крайней мере, в том отрывке, который мы увидели).
А какой Мокий Парменыч Кнуров предстал перед нами в исполнении Александра Семенова – просто загляденье (я бы с ним в Париж непременно махнула)!
Всех достоинств нового спектакля не перечесть! Да и сама его задумка просто замечательная, а после того, как устранят шероховатости с ее воплощением, спектакль «Островский. Авангард» станет, на мой взгляд, одним из самых востребованных у зрителя.

Оказывается, Маяковский на сцене может быть очень разным. Совершенно не похожим на прототип, но все же узнаваемым и горячо любимым. И каждый из этих Маяковских имеет право на жизнь внутри театра.
19 июня я оказалась среди счастливчиков, которым досталась регистрация в Театр Романа Виктюка на показ спектакля Сергея Захарина "Баня" по одноименной сатирической пьесе Маяковского. Выход спектакля в свет приурочен к знаменательной дате - 130-летию со дня рождения поэта. Постановка пока не репертуарная, но искренне надеюсь, что это временно, ведь она совершенно не выглядит как зарисовка. Это сногсшибательный спектакль, который просто не может оставить равнодушным ни единого зрителя, даже того, кто мало знаком с Владимиром Владимировичем. Ну а для меня, с детства интересующейся творчеством Маяковского, это был особый подарок. Тем более, в спектакле играет Дмитрий Бозин.
Бозина мы заметили не сразу, поскольку были заняты попыткой занять местечко получше и фотосъемкой программки. Лишь потом, случайно подняв голову, я заметила его, задумчиво наблюдающего за хаосом в зале с металлической конструкции вроде строительных лесов. Необычно и то, что перед началом действия не закрыли жалюзи. Хочу напомнить, что Театр располагается в доме, построенном архитектором Мельниковым, в 20-х годах, а конструкция здания предполагает максимальное естественное освещение внутри, и в 19:00 летом еще очень светло. Жалюзи закрыли немного позже, и началась поразительная игра света. Чего стоит одно только свечение Фосфорической женщины, ну а как иначе, ведь в переводе с греческого фосфор - несущий свет.
Кажется, в спектакле продуманы все детали. Сразу бросились в глаза декорации, собранные из простых картонных коробок, с элементами в стиле супрематизма. В этом же стиле выполнен и грим большинства актеров. Участи быть разукрашенными разноцветными геометрическими фигурами были удостоены персонажи второго плана. Все остальные герои имели гротескную внешность с ярко выраженными отсылками на их характерные черты и на советскую эпоху. Самый "весомый" герой пьесы Товарищ Победоносиков, которого сыграл Стас Мотырев, помимо возможности выбрать себе стул в стиле эпохи любого "Луя", был награжден увесистым животиком. А миниатюрная Валерия Энгельс в роли Товарища Ундертон с начесом была с двумя пучками-бубликами и яркими губками бантиком, приводя публику в восторг каждым своим появлением на сцене.
От начала и до конца действие спектакля пронизано присутствием автора. Наблюдая за жизнью своих комичных персонажей со стороны, он проживает, пожалуй, самые тяжелые минуты своей жизни, минуты разногласия и с окружающим миром, и с собой. Он декламирует свои "Флейта-позвоночник, "Про это" и "Облако в штанах", но слова его не идут строгим рядом, чеканной поступью. Здесь Маяковский другой, сломленный, и слова с трудом вырываются наружу, выворачивая наизнанку и приближая конец. Пластичный и выразительный Дмитрий Бозин показал нам не внешний облик поэта, а раскрыл перед нами его душу и сердце, которые уже неизлечимо поражены вирусом боли. Только сейчас благодаря Бозину в полной мере я смогла прочувствовать строки вышеуказанных произведений, хотя прежде читала их не единожды.
Персонажи "Бани" напротив же полны оптимизма и веры в светлое будущее, на которое, кажется, уже не надеемся мы. Хотя, если верить строкам, Фосфорическая женщина находится уже совсем близко. И если персонажам до нее и до идеального социалистического мира оставался целый век, то нам осталось подождать всего семь лет. А если серьезно, то время несется с невероятной скоростью, и мир меняется так же быстро, поэтому лично я не уверена, что будет, и чего не будет завтра. И пусть даже мы давно живем в совершенно ином и абсолютно не похожем на прежний мире, почему-то все равно произведение остается отчасти актуальным. И сквозь смех прорывается какая-то грусть, ведь, в конце концов, "Театр не отображающее зеркало, а - увеличивающее стекло"…

На прошлой неделе я впервые побывала в Театре Романа Виктюка на спектакле режиссера, заслуженного артиста театра Российской Федерации Дмитрия Бозина "Царь-Девица", по одноименной фольклорной поэме Марины Цветаевой, написанной в 1920 году. Поэма была написана в сложные времена и была наполнена переживаниями, болью и одиночеством поэтессы. Сюжет был заимствован из сказки Александра Астафьева, значительно изменён и услажнен. Это не сказка со счастливым концом, это лирическое произведение, наполненное трагизмом.

Спектакль построен на контрастах и сопоставленях мужского и женского, где главная героиня Царица - Мачеха (Виктория Савельева), молодая и красивая, влюбляется в своего пасынка Царевича (Станислав Мотырев) творческого и утонченного человека, играющего на гуслях, который абсолютно безразличен и слаб по отношению к ней. Тогда главной героине приходится обратиться к представителю высших сил - Колдуну (Дмитрий Бозин), он советует ей воткнуть в ворот булавку, чтобы усыпить Царевича. Хитрый и мудрый, похожий на дьявола, нашептывающего заклинания, с торчащими иголками на спине и длинными когтями на пальцах, он плавно передвигался по сцене, а на ногах у Колдуна было что- то вроде копыт. Также он исполнял роль Ветра, нового персонажа.

Большое впечатление на меня произвело перевоплощение Виктории Савельевой из чувственной и пластичной Царицы -Мачихи в мужеподобную воинствующую Царь -Девицу. В золотой кольчуге (здесь Царевна сравнивается с Солнцем), с мечом в руке и шлемом , тяжело передвигаясь, ведь на ногах у героини тяжёлые сапоги с черепами, грубым голосом и манерами она подчёркивает свою силу и мужской характер. Несмотря на это величие, внутри она остаётся хрупкой, ранимой и любящей. Но безвольный Царевич -гусляр, поддаётся искушению и проводит ночь с Царь - Мачехой.

Не менее интересную роль беспробудно - пьющего царя (а также Няньки) сыграл Дмитрий Жойдик, от которого мечтает уйти несчастная молодая жена. Ему абсолютно наплевать на родных людей и свой народ.

На протяжении всего представления все внимание было сосредоточено на переживаниях, мыслях, чувствах героев, а также важной составляющией была магическая пластика и движения. Декораций было немного , лишь по центру размещалась большая лодка, качающая героев по волнам, а также служившая колыбелью для вечно спящего Царевича и палаткой, где герои растворяются в любовном танце.
Впечатлили совершенно Фантастические и колоритные костюмы от Евгении Панфиловой, которые напоминали о сказочно-былинных повествованиях.

"Всем хорош, да больно спать-то горазд!", - на этих строках я чуть не расхохоталась вслух, вспомнив своего "царевича". Похоже, это присуще всему мужскому полу...

31 мая я вновь побывала в Театре Романа Виктюка, в этот раз на премьерном спектакле режиссера Дмитрия Бозина "Царь-девица" по одноименной поэме Марины Цветаевой. На сцене в качестве актера Бозина я уже видела, причем в другом театре, а вот про то, что он еще и режиссер - не знала. Но теперь для меня это несомненно знак качества во всех отношениях. Забегая вперед, скажу, что буквально сразу после этого я посмотрела еще один его спектакль, и мое мнение в очередной раз имело подтверждение. Но об этом чуть позже.

Свою поэму Марина Цветаева написала в период заинтересованности русским фольклором по мотивам сказки Александра Афанасьева. Вот только сказка эта претерпела изменения в соответствии с трагическим мироощущением поэтессы. Поэтому афанасьевский счастливый конец превратился в драматическое окончание для всех героев: для Царя, Мачехи, Царь-девицы и самого Царевича. Привлекательный молодой Царевич предстает перед нами изнеженно-хрупким, способным только играть на гуслях, - таков обобщающий образ мужчины в глазах Цветаевой. А вот прототипом Царь-девицы, скорее всего, становится сама поэтесса, - сильная и непобедимая, но нежная и уязвимая в своих чувствах. Отчасти, прототипом Мачехи является она же, ведь в своей поэме Цветаева не делает ее отвратительной в своем влечении к пасынку, а скорее жалеет молодую страстную женщину, которой приходится каждый день находиться рядом со старым пьющим уродливым мужем и с привлекательным молодым парнем под одной крышей.

Возможно, именно поэтому двух столь противоположных героинь Дмитрий Бозин объединил в одной актрисе - Виктории Савельевой. Несколько раз за спектакль она меняет не только костюмы, но и образы: характер, голос, интонацию, взгляд, движения, - так что, пожалуй, сидя не на первом ряду сразу и не поймешь, что это один и тот же человек. Другим актером, сыгравшим две роли, стал сам Дмитрий Бозин, первая - Колдуна, вторая - Ветра. Далеко не главные персонажи поэмы в исполнении талантливого артиста стали неотъемлемыми спутниками главных героев на протяжении всей постановки. И у меня сложилось впечатление, что он, словно один и тот же проводник в разных воплощениях, сопровождал своих героев на пути к неминуемой погибели. Дмитрий Жойдик тоже исполнил две роли - Царя и Няньки. Роль Царевича исполнил Станислав Мотырев, великолепно передавав непростой образ изнеженного мальчишки. Наблюдая за его плавными и отточенными движениями и слушая его интонации, подумала - достойный преемник Бозина.

Очень говорящими в этой постановке были декорации и костюмы, наравне с артистами они играли свои роли, дополняя смысловую нагрузку спектакля. Спасибо за невероятную работу художнику Владимиру Боеру и художнику по костюмам Евгении Панфиловой. Кто читал поэму Цветаевой, тот помнит, что "Сила — Солнце — огонь — Царь-Девица. Слабость — Месяц — холод — Царевич." Так, на одной стороне сцены мы видим ладью в форме Месяца, она же - колыбель Царевича. Цвет лица у Царевича тоже бледный, аккурат отражение света Месяца. Он ходит в белой рубахе с рукавами длиной во весь его рост, по всей видимости, подчеркивающей его неспособность к какой-либо работе. По другую сторону сцены находится стена с огромным щитом, символизирующим Солнце, из-за нее и появляется всегда Царь-девица. Но когда обнажается обратная сторона стены, оказывается, что с другой стороны в щит воткнуто огромное количество копий. Мне думается, что это символ внутренней ранимости Царь-девицы, ее уязвимости перед любовью, вопреки физической мощи, силе духа и победоносности. Ее мощь подчеркивает и костюм, кстати, в золотистых тонах, ибо она - Солнце. Доспехи с широкими плечами, огромная и явно тяжелая, судя по походке актрисы, обувь в виде двух груд черепов, давно поросших травой, на голове - шлем-маска, а в руке - меч. Рядом с ней - Нянька с щитом, на котором отпечаток лица. А вот костюм Колдуна, был черный, напоминающий дикобраза с его защитными иглами, на руках были огромные острые когти, а на ногах у Дмитрия Бозина было что-то типа копыт, на которых я не знаю, как он вообще передвигался. Так что образ был скорее даже демоническим. Еще много деталей я хотела бы назвать из этой постановки, но боюсь излишней игры своего воображения и чрезмерного спойлера.

Хотя, не разжечь воображение эта постановка просто не может: игра света и музыки, стихотворные строки со старорусскими напевами, таинственная пластика, сказочные костюмы, - все это создает особую магию, полное погружение в сказку. В сказку для взрослых, недетскую, недобрую, наполненную не радужными посылами о победе добра над злом, а накопленными за долгие и непростые годы жизни разочарованием и болью. Тем не менее, спектакль великолепен и обязателен к просмотру, ведь и трагедия имеет место быть на сцене.

Театр располагается в бывшем здании Клуба Союза Коммунальников. Оно было выстроено в 1927‑1929 годах архитектором К.С. Мельниковым, имеет форму шестерёнки и является всемирно известным памятником советского авангарда. Несмотря на почти вековую историю, здание это выглядит очень современно и необычно – как я люблю.

Теперь о спектакле, на который я ходила. «Во всем виноват театр» посвящен основателю Театра - Роману Виктюку. Сценарий состоит из кусочков его архивных записей и адаптирован его учениками в дань памяти режиссеру, совершившему революцию в сценическом искусстве XX века.

На сцене разыгрывается типичная драма для нетипичных героев. Это любовный треугольник, где в жизни уже не молодой супружеской пары актеров (Марго и Франсуа) появляется юная горячая кровь – поклонница, которая плетет свою сеть интриг (Аннет), чтобы поймать в неё жертву. Франсуа безволен и не готов брать на себя какую-либо ответственность. Марго – талантливейшая актриса, которая горячо любит своего мужа – готова ради него на любые жертвы, даже если он и не просил о них. Аннет двулична и в жизни играет лучше, чем на сцене.

Признаюсь честно, это один из тех случаев, когда спектакль зацепил меня не сразу. По началу трудно было воспринимать происходящее из-за впечатления, что актрисы, исполняющие главные роли сильно переигрывают. И это даже несмотря на то, что актрисы играли актрис и им, наверно, полагается так ненатурально вести себя в жизни. Но потом случился переломный момент и это ощущение прошло. Я прониклась бесконечной симпатией и к Марго, и даже к Аннет. А ещё они обе просто невероятно красивы.

По ходу повествования я также начала проникаться этой «театральной лихорадкой», и поняла, что смысл гораздо глубже и сильнее, чем тот, что лежит на поверхности. Это спектакль о Любви с большой буквы. Главная героиня произносит гениальные реплики: «Я люблю любить» и «Я не умею любить немножко, я или люблю, или нет».

Но самое потрясающее в спектакле - это концовка. Абсолютно логичная, справедливая, и наполненная символизмом и жестами, которые удачно завершили полную картину. Актеры, которые кланяются не зрителям, а сцене – это было просто гениально.

В Театре Романа Виктюка необычно всё. Начиная с одного очень странного ощущения. Когда подходишь вплотную к зданию театра(знаменитому ДК Русакова), кажется, что это мощное, угловатое творение Мельникова раздавит тебя, как букашку. Спасают только легкомысленная неоновая вывеска, красочные афиши и толпящиеся у входа радостные дамы с цветами. Значит, ничего, выстоит. Я здесь впервые, но спектакли Виктюка несколько раз встречались мне по жизни. Было это, правда, довольно давно, на других площадках, однажды даже в другой стране, так что я примерно представляю, к чему быть готовой. Сразу признаюсь, даже больше, чем спектакль, хотелось посмотреть знаменитый зал, в который встроены те самые опасно торчащие снаружи кубические выступы. Оказалось даже круче, чем я представляла. Радостное чувство свободы и воздуха от проникающего в зал через множество окон дневного света сменяется затем мимолетным страхом от ощущения полной герметизации, когда начало спектакля сопровождается скрежетом железных жалюзи, консервирующих всех присутствующих, как в подводной лодке. Ради одного этого стоило прийти. А ведь тут еще и спектакль показывают! Сегодня он называется "Во всём виноват театр".
Очень свободную вариацию на тему пьесы Жана Кокто "Священные чудовища" поставил на сцене театра Виктюка Александр Карпушин. В центре сюжета борьба двух женщин за место под театральным солнцем и за любовь одного мужчины. Знаменитая прима Марго(Людмила Погорелова) изначально кажется капризной, избалованной славой и комплиментами дивой, что еще больше подчеркивается манерной интонацией: "Жа-а-ан, где ты, Жа-а-ан?" и пластикой ленивой кошки. Но когда на горизонте появляется молоденькая актриса, сначала вроде бы пришедшая выразить свое восхищение ее игрой, а на самом деле сообщить, что является любовницей ее мужа(тоже известного актера), всю благодушную лень и манерность с Марго как ветром сносит. Соперница молода, красива и, судя по всему, обладает железной хваткой удава. Стареющий актер самостоятельно точно не вырвется из ее объятий. Марго понимает, что проиграет в этой борьбе и выбирает единственно возможный способ устранить соперницу - уступить и даже помочь ей. Оказывается она не капризна и не жеманна, а по-женски мудра, и это временное отступление вернет ей в финале и мужа, и успех. На вопрос, как ей это удастся, ответ предельно прост - любовь. Истинная Любовь к театру, и Любовь к человеку, вместе с которым прошла долгий путь к славе, и эта Любовь в конце концов побеждает всё.
Спектакль очень лаконичный, цельный, разборки двух главных героинь происходят на фоне стилизованного пространства театральной сцены. Временами оживающий занавес то закрывается наглухо, то обнажает красное бархатное нутро. Еще один ярко-красный элемент, платье-роба на авансцене - переходящее знамя от опыта к молодости и обратно. И яркие пластические вставки с помощью группы парней-статистов(куда ж без них) - неизменный признак театра Виктюка, и музыка подобрана тонко и со вкусом. Декаданс Кокто прочитыаается в каждом движении и звуке. Ну и надо, конечно, отдать должное виртуозному актерскому исполнению. Предельно точно переданы характеры и самой Марго и ее соперницы, молодой карьеристки Аннет. Анна Нахапетова блестяще проходит путь от самоуверенной старлетки на взлете, готовой на все ради славы и денег, до истеричных стенаний и бессильной злобы от того, что задуманная комбинация рушится, как карточный домик. Она уже, казалось бы, совершенно приручила Франсуа(Олег Исев), но тот постепенно с горечью понимает, как он ошибся и что в ней нет любви, а есть лишь стремление использовать его, как ступеньку наверх и возвращается к той, кто его действительно любит. Тем более, что у них есть и совместное счастливое прошлое и одна на двоих большая любовь - Театр.
Пьеса и поставлена, как гимн этой любви и одновременно, как дань уважения Маэстро Роману Виктюку. Поэтому поклоны всех занятых в спектакле актеров адресованы не только зрителям, но и Ее Величеству Сцене. Мы понимаем, и мы не виним Театр, мы его за всё благодарим.

"Во всем виноват театр" в театре Виктюка

Наверняка у каждого в судьбе можно найти момент, когда жизнь вдруг меняется кардинально: меняются интересы, круг общения, исчезают старые друзья, а им на смену приходят новые. Для меня таким моментом стал спектакль Романа Виктюка "Служанки". Как сказал один знакомый: "Если бы я Служанок увидел раньше, я бы жизнь прожил по другому". Вот и моя жизнь пошла по другому: стала ярче, насыщеннее, разностороннее. Сколько интересных встреч, путешествий, друзей и интересов появилось в моей жизни. А спектакли Романа Григорьевича! Смотренные-пересмотренные, обдуманные и обсужденные, веселые и трагические, но всегда рассказывающие о любви. Мастера уже нет с нами, но жив его театр, идут его спектакли, ставятся новые, и вот опять премьера. Спектакль "Во всем виноват театр" поставлен учениками и соратниками Романа Григорьевича и посвящен Мастеру и Учителю. А еще конечно же он о любви и о театре.
В основе постановки - пьеса французского писателя, драматурга, актера и режиссера Жана Кокто "Священные чудовища". Кокто! - о сколько в этом звуке... Виктюк как минимум дважды ставил эту пьесу. И тогда, тридцать лет назад, в спектакле, как и сегодня, участвовали Людмила Погорелова и Олег Исаев. Сейчас у них другие роли, но абсолютно невозможно сказать когда было лучше. Раньше или сейчас. Другое время, другая постановка, другие зрители, другое восприятие.
Спектакль поставил Александр Карпушин, молодой, но уже достаточно опытный режиссер, понимающий стиль Романа Григорьевича до мельчайших тонкостей и вибраций.
Художник-сценограф конечно же Владимир Боер - верный соратник Виктюка, соавтор множества постановок идущих в "Доме света".
А какие в спектакле замечательные актерские работы! Когда на сцене Людмила Погорелова и Анна Нахапетова, то буквально видно как между ними проскакивают искры и набирает энергии готовая взорваться шаровая молния. Казалось бы они царят на сцене, но как только появляется Олег Исаев, исполняющий роль Франсуа, внимание волшебным образом переключается на него. Это просто магия: невысокий пожилой человек, но его тихий голос проникает напрямую в душу и пробирает организм до мурашек. Когда Олег Исаев выходил на сцену, я буквально забывала дышать. Поистине он великий, к сожалению недооцененный актер.
Спектакль идет два часа, но эти часы пролетели как минута. И вот уже овации, поклоны. Волшебство закончилось, но магия театра остается с нами навсегда!

Теперь я лично убедилась, что этот театр не похож ни на какой другой.

Я про театр Виктюка. Это было как заглянуть в колодец: бездонный, с гулким эхом, с отражением звезд даже в дневные часы. Смотришь в такой колодец и от глубины смыслов кружиться голова, а от красоты мироздания *********** дух.

С первых моментов погружаешься в особый мир театра. Необычный здание и зал построены в 1929 году для работников Союза коммунальников по проекту архитектора-конструктивиста Константина Мельникова.

Поражать продолжают декорации, появление актеров, текст, интонации: всё работает на то, чтобы пригвоздить к креслу зрителя и полностью завладеть его вниманием, чувствами , мыслями. Мне кажется, порой я забывала дышать. Я не могу стройно описать спектакль и впечатления от него, но почти физически чувствую, как во мне качественно изменилась восприимчивость, открылись новые, скрытые ранее, двери души.

"Во всем виноват театр" посвящен Р.Г. Виктюку и основан на его архивных записях. "Театр - храм света. Он требует служения."- эти слова режиссера хорошо подходят для эпиграфа к спектаклю.

Немного про сюжет. Есть три главных персонажа актриса, ее муж актер и его молодая любовница актриса. Да, вроде классический любовный треугольник. Но! Но здесь присутствует четвертый - это театр.

Актриса настаивает на том, что в жизни не должно быть театра. В жизни обычная женщина, которую любит своего мужа актёра, детей и счастлива своей простой жизнью. Актёр- ее муж, который говорит, что театр испортил их, во всём виноват театр. Молодая актриса- любовница, для которой театр должен быть и в жизни на сцене. Переплетения личностей и мировоззрений создает бурные страсти на сцене.

На сцене кровопролитная борьба. Борьба жизни и театра внутри актеров-людей. Они не понимают где живут, а где играют. Вот в данный момент надо бы жить или играть или это одно и тоже? Слова пьесы рождали столько смыслов, что я не успевала их подумать. Хотелось поставить спектакль на паузу, чтобы пригасить шквал эмоций и инсайтов.

Впечатлила игра заслуженной актрисы РФ - Людмилы Погореловой. Я буквально купалась в звуковых волнах ее сильного голос и ярких интонаций.

Я зарядилась эмоциями, мыслями, ассоциациями, которыми так щедро поделился театр Романа Виктюка. Определенно, сюда надо ходить за личностным ростом и длительным театральным послевкусием.

Проезжая мимо бывшего дома культуры имени И.В. Русакова, недалеко от метро Сокольники, обращала внимание на сооружение необычной формы с зубцами-выступами на фасаде.
Это творение гениального архитектора К. Мельникова было построено в 1929 г., и предназначалось для работников Сокольнического трамвайного парка.
В 1996 г. здание было передано театру Романа Виктюка и только в 2016 г., после длительной реставрации, двери театра открылись для зрителей.
«Дом света» - так часто называют этот театр. И это действительно так, входя в зрительный зал, я ожидала, что меня охватит привычный, таинственный полумрак, но не тут-то было! Яркий, солнечный свет наполнял все пространство вокруг. Только перед самым началом спектакля опускаются жалюзи на окнах. Здесь даже дышится легче и свободнее. А зубцы, которые я наблюдала снаружи, это - балконы, вынесенные за пределы основного пространства зала.
К сожалению, я не успела побывать в театре еще при жизни знаменитого режиссера, но мне посчастливилось увидеть спектакль «Во всем виноват театр». Это - своеобразная дань памяти учеников своему учителю. Пока человека помнят - он жив, а театр для Виктюка был смыслом всей его жизни. Как и у героев спектакля, у которых, помимо любви друг к другу, еще и общая страсть к театру, которому они служат много лет. Их союз насколько хорош, что является причиной зависти и желания этим обладать. А время, к сожалению, часто не служит семейному благополучию. Оно жестоко и коварно, особенно к женщинам, не зря говорят, что «бабий век – короток». Часто возрастная, за долгие годы ставшая больше партнером и сотоварищем женщина, проигрывает молодой, амбициозной и расчетливой сопернице. «Когда чудо длится слишком долго, его перестают считать чудом». Грустно, несправедливо, но так жизненно.
Сдержанность, мудрость, тихая грусть и принятие Людмилы Погореловой, и порывистость, болезненная страстность Анны Нахапетовой. Невероятный дуэт! Убедительно жалок и растерян, свалившимся на него чувством и невозможностью усидеть на 2-х стульях - Олег Исаев. Отлично передают накал страстей и дополняют постановку танцевальные номера в исполнении юношеской команды. Но, вот музыка, порой оглушает. Из декораций лишь занавес и театральные подмостки, не отвлекающие зрителя от драмы, что развивается на сцене. Костюмы выдержаны и строги, лишь в начале спектакля появляется одно ярко-алое пятно, каркас сценического наряда героини. Ведь все, что дальше показывают зрителю, это - изнанка, закулисье театральной жизни героев. С ее интригами, масками и игрой, которая часто не заканчивается с окончанием спектакля. Но, любовь друг к другу и театру, проверенная временем, оказывается сильнее всего. Очень тронула сцена, когда в финале актеры собираются все вместе и смотрят вверх. Как бы спрашивая, что скажет их учитель? Оправдали они его ожидания?

Посмотрела "Во всём виноват театр"
Эта премьера в Театре Романа Виктюка, если задуматься, имеет все шансы на успех. Интригующее название, талантливейшие актёры и лучшие традиции фирменного виктюковского стиля.
Людмила Погорелова, играющая Марго, практически безупречна. Пластика, мимика, голос. Позы, жесты, платья. Идеальные линии, точные акценты. Наблюдать, как она держится на сцене - истинное удовольствие.
Для поклонников - д****** удовольствие! Здесь всё как надо, мэтр бы одобрил! Впрочем, Заслуженные артисты РФ - они и должны, наверное, быть такими. Безупречными.
О, как Людмила Погорелова хороша в первой же сцене! Её монолог о театре я слушала, замерев и сдерживая дыхание, словно боясь спугнуть очарование, а по спине бежали мурашки.
Так, практически "с места в карьер" начался этот спектакль. Обнадёживающе!
А потом появляется Аннет (Анна Нахапетова) с её кукольной внешностью и ангельским взглядом. Восторженная, порывистая и какая-то раненая.
И снова попадание! Красиво! Интригующе! Браво!
Восторженный взгляд мечется между двумя дамами, такими разными, и ещё более прекрасными в это невольном (или нарочном?) противопоставлении друг другу. Лёд и пламень! Ух!
Но... Ох, уж эти крики, стуки, орущая музыка.. Отвлекающие, сбивающие, раздражающие децибелами.. Порой настолько, что хотелось приглушить, выкрутить, ЗАПРЕТИТЬ. Да, я понимаю, что это часть фирменного стиля, но... не моё, и всё тут.
И потом и действие фраза за фразой всё сильнее отсылающее к "Священным чудовищам", но какое-то рваное, суетливое, а потому не дотягивающее. И невозможно избавиться от навязчивой мысли, что ты уже знаешь не только то, что за поворотом, но и то, что будет в финале.
И тут мне потребовались недюжинные усилия, чтоб сосредоточиться не на сюжете, а на том КАК это сделано. Сдвинуть ракурс в сторону визуального ряда. Костюмы, причёски, платья. Движения, позы, точки.
Михаилу Половенко (Жан) так и хотелось крикнуть "Ничего не делай - просто ходи!" Впрочем, его роль ничего иного практически и не предполагает. Но как же красиво!
Спастись от скуки, сосредоточившись на визуальном ряде и игре актёров, оказалось единственно правильным. О, сколько красивых нюансов я успела заметить и оценить!
Заметить, как "Царевна-лебедь" снова становится "гадким утёнком", пусть даже всего на пару мгновений.
Заметить, как ангелочек превращается в фурию. Бесповоротно и безоговорочно.
Заметить, как воскресает и возрождается любовь!
Во время финального диалога между Марго и её мужем Франсуа (Олег Исаев) словно бы наяву видишь, как эта самая любовь буйно разрастается во все стороны миллионом побегов, окутывая героев, сцену, зрительный зал. Наверное, она объяла бы весь мир, если бы спектакль не решил вдруг закончиться... Падением занавеса и темнотой.
А всё он, театр. Во всё виноват.

«Театр - это религия. Театр - это ХРАМ СВЕТА, храм любви, красоты и величины духа, это всегда полет в одиночестве, только в одиночестве, только ты и свет; Театр требует служения", - говорил гениальный режиссер Р. Виктюк.
В 90х годах Роман Григорьевич поставил в Киевском театре русской драмы им. Леси ********, а позже и на Московской сцене, пьесу французского писателя, драматурга, актера и режиссера Жана Кокто «Священные чудовища». В главных ролях выступали: Ада Роговцева, Евгений Паперный, Людмила Погорелова и Олег Исаев. На Таировском фестивале, посвящённом юбилею Камерного театра, постановка получила премию имени Таирова, а Виктюка и поныне продолжают считать единственным продолжателем таировской традиции в русском театре.
Актеры театра Романа Виктюка, продолжающие нести службу по заветам своего Учителя, восстановили из его архивных материалов придуманную им тогда сценическую фантазию и сыграли спектакль «Во всем виноват театр», посвятив его незабвенному Роману Григорьевичу.
Благо, что любой материал, который подбирал и ставил Виктюк, остается всегда современным и актуальным.
А создали эту постановку о любви к театру и любви в театре молодой режиссер Александр Карпушин, ученик Заслуженного Артиста РФ, режиссера и ведущего актера ТРВ Дмитрия Бозина, художник-сценограф , Заслуженный художник России Владимир Боер и художник по свету Андрей Демин.
Главные же роли в спектакле-посвящении исполняют Заслуженные артисты РФ Людмила Погорелова и Олег Исаев, начавшие много лет назад свое совместное путешествие по вселенной Виктюка именно с этой пьесы.
Перед зрителями на протяжении почти двух часов разворачивается история любви двух великих актеров – Марго и Франсуа, которая проходит испытание в лице молодой любовницы Аннет и театральных страстей.
Здесь нет декораций. Только театральные подмостки и кулисы. Однако, при минимуме декораций спектакль очень ярко приоткрывает закулисную жизнь тех, кто раз и навсегда отдает себя сцене.
Спектакль по атмосфере абсолютно виктюковский. С надрывными, чуть преувеличенными голосами и песнями на французском…
Режиссер Александр Карпушин, безусловно, дерзнул, пытаясь повторить ту самую незабываемую интонацию, которая отличала постановки Виктюка.
Мне кажется, что ему это удалось. Я просто наслаждалась спектаклем.
Правда, расстроилась из-за Олега Исаева – смотрю вот уже второй послевиктюковский спектакль, где талант этого актера практически не раскрыт…
В спектакле всего пять действующих лиц. Помимо Марго, Франсуа и Аннет, мы видим еще помощника Марго – напомаженного молодого человека Жана (прекрасный актер Михаил Половенко, но играть ему здесь было особо и нечего) и ее экспрессивную подругу Шарлотту (Владислава Крюкова, хотя по возрасту и темпераменту на эту роль, на мой субъективный взгляд, больше подошла бы еще одна любимая актриса Виктюка – Екатерина Карпушина).
В роли лицемерной начинающей актрисы Аннет выступила Анна Нахапетова, не так давно, в отличие от своих именитых коллег, ступившая на драматическую сцену (до того она много лет прослужила в Большом театре). При этом, неожиданно для меня, она очень гармонично смотрелась в дуэте с Людмилой Погореловой, перед чьим актерским талантом я просто преклоняюсь! От их артистической дуэли в зрителей буквально летят огненные искры - не оторваться, не уклониться.
В конце спектакля любовь побеждает фальшь театра, но…его вечные хитросплетения остаются, просто опутаны ими будут уже другие персонажи.
Спасибо любимому театру за такую интересную постановку!!!

«Сказка о царе Салтане» в театре Романа Виктюка.
Спектакль поразил с первых минут. Мы словно совершили настоящее путешествие в мир сказки, на корабле «объездили весь свет», полетели на остров царя Салтана, к которому зрителей несли буйные морские волны. Инсталляции на экране создают иллюзию полного погружения в происходящее. Словно летишь на дирижабле и наблюдаешь за сказочными героями.
Спектакль с прекрасным тонким юмором. Фантастическое актерское трио - ткачиха, повариха и сватья баба Бабариха. Яркий грим, множество деталей в образе, великолепная игра актеров. Настоящая радость для детей и взрослых.
Все действие зрители оказываются прямыми участниками событий. Дети стреляли из пушек, попали под настоящий дождь. На одном дыхании пролетел спектакль.
Среди всех персонажей сказки в спектакле присутствует и сам автор. Интересное решение интегрировать великого поэта в его же произведение.
Яркий, красочный спектакль с ироничными моментами, стихами Пушкина, мультимедийным сопровождением и вовлечением детей. Современная сценография идеально вписана в классическую сказку.

Когда-то давно я смотрела в театре Романа Виктюка спектакль-сказку «Кот в сапогах» и была от него в восторге! Сейчас же в афише этого театра появилась целая серия спектаклей по сказкам А.С. Пушкина – театральный сериал «Пушкин», в который вошли «Сказка о рыбаке и рыбке», «Сказка о мертвой царевне и семи богатырях» и «Сказка о царе Салтане».
Со слов своей няни, Арины Родионовны, юный Пушкин записал сюжет сказки, известной как «Волшебное зеркальце» или «Самоглядное зеркало». А много лет спустя, Болдинской осенью 1833 года, на свет появилась одна из самых поэтичных его сказок - «Сказка о мертвой царевне и семи богатырях».
Сказку перед зрителями разыгрывают лишь восемь актеров, прекрасно справляясь при этом и с главными, и с второстепенными ролями.
Сергей Захарин – не только известный актер и режиссер театра Романа Виктюка. Он еще хореограф и режиссер по пластике, чьи постановки с успехом идут на многих театральных сценах матушки России. Поэтому и этот его спектакль содержит много интересных и необычных танцевально-акробатических номеров. И музыка подобрана очень удачно. В пляс у Сергея пускаются все – даже сам Царь с Царицей!
Сергей вместе с художником Владимиром Боером придумали необычную сценографию для своего спектакля – несколько стремянок разной высоты превращаются по ходу действия то в стол, то в терем, то в гору, где «гроб качается хрустальный»…
Интересной мне показалась и их задумка с многофункциональными веревками-канатами, которые чем только не были – и длинными макаронинами, и стременами, и морскими волнами…
А еще они в свой спектакль и немного театра теней добавили – получилось здОрово!
Сказка идет всего час и детишки смотрели ее с большим удовольствием. Я, правда, ожидала, что их тоже будут вовлекать в действие. Но к ним актеры обратились лишь однажды с вопросом, не видали ли они где Царевны молодой?
Прекрасные стихи Александра Сергеевича, исполненные в весьма оригинальной постановке Сергея Захарина талантливыми актерами ТРВ с задором и шутками-прибаутками – это было просто феерично!

«Сказка о рыбаке и рыбке», режиссер Игорь Неведров.
Давно я не получала такого удовольствия. Улыбка не сходила с лица на протяжении всего спектакля. Это была одна сплошная радость от того, что происходило на сцене...
Очень красивые костюмы, хореография, песни, танцы, музыка, свет- все создавало праздничную, веселую атмосферу ярмарки с настоящим русским фольклором...
Сказка А.С.Пушкина, которую знают наизусть все взрослые и дети. Девочка, которая сидела со мной рядом, рассказывала эту сказку совместно с артистами.))
"Раз он в море закинул невод, —
Пришел невод с одною тиной."
"В третий раз закинул он невод, —
Пришел невод с одною рыбкой,
С непростою рыбкой, — золотою."
Талант всех создателей этого спектакля сделал незабываемым воплощение сказки на театральных подмостках.
БРАВО всем! Режиссеру-постановщику, режиссеру по пластике- ВЛАДИМИРУ АНОСОВУ, художнику по костюмам- ИРИНЕ КУЗНЕЦОВОЙ и всем артистам!
Не раздумывайте, отводите своих детей на этот спектакль, и идите сами. Вам и детям это понравится!

«Сказка о рыбаке и рыбке», режиссер Игорь Неведров.
Это третий спектакль, который я посмотрела в этом театре.

Давно я не получала такого удовольствия. Улыбка не сходила с лица на протяжении всего спектакля. Это была одна сплошная радость от того, что происходило на сцене...
А было совсем не так, как на картинке выше. А было так<lj-cut>...
<img src="https://ic.pics.livejournal.com/veraklo/14245795/1682687/1682687_800.jpg" alt="IMG_0884" title="IMG_0884">

Очень красивые костюмы, хореография, песни, танцы, музыка, свет- все создавало праздничную, веселую атмосферу ярмарки с настоящим русским фольклором...
<img src="https://ic.pics.livejournal.com/veraklo/14245795/1683233/1683233_800.jpg" alt="IMG_0876" title="IMG_0876">

<img src="https://ic.pics.livejournal.com/veraklo/14245795/1682950/1682950_800.jpg" alt="IMG_0877" title="IMG_0877">

<img src="https://ic.pics.livejournal.com/veraklo/14245795/1682814/1682814_800.jpg" alt="IMG_0879" title="IMG_0879">

Сказка А.С.Пушкина, которую знают наизусть все взрослые и дети. Девочка, которая сидела со мной рядом, рассказывала эту сказку совместно с артистами.))
"Раз он в море закинул невод, —
Пришел невод с одною тиной."
<img src="https://ic.pics.livejournal.com/veraklo/14245795/1683471/1683471_800.jpg" alt="IMG_0881" title="IMG_0881">

"В третий раз закинул он невод, —
Пришел невод с одною рыбкой,
С непростою рыбкой, — золотою."
<img src="https://ic.pics.livejournal.com/veraklo/14245795/1683843/1683843_800.jpg" alt="IMG_0883" title="IMG_0883">

Талант всех создателей этого спектакля сделал незабываемым воплощение сказки на театральных подмостках.
БРАВО всем! Режиссеру-постановщику, режиссеру по пластике- ВЛАДИМИРУ АНОСОВУ, художнику по костюмам- ИРИНЕ КУЗНЕЦОВОЙ и всем артистам!
Не раздумывайте, отводите своих детей на этот спектакль, и идите сами. Вам и детям это понравится!

«Сказка о рыбаке и рыбке», режиссер Игорь Неведров.
<img src="https://ic.pics.livejournal.com/veraklo/14245795/1682335/1682335_800.jpg" alt="IMG_0735" title="IMG_0735">

Давно я не получала такого удовольствия. Улыбка не сходила с лица на протяжении всего спектакля. Это была одна сплошная радость от того, что происходило на сцене...
А было совсем не так, как на картинке выше. А было так<lj-cut>...
<img src="https://ic.pics.livejournal.com/veraklo/14245795/1682687/1682687_800.jpg" alt="IMG_0884" title="IMG_0884">

Очень красивые костюмы, хореография, песни, танцы, музыка, свет- все создавало праздничную, веселую атмосферу ярмарки с настоящим русским фольклором...
<img src="https://ic.pics.livejournal.com/veraklo/14245795/1683233/1683233_800.jpg" alt="IMG_0876" title="IMG_0876">

<img src="https://ic.pics.livejournal.com/veraklo/14245795/1682950/1682950_800.jpg" alt="IMG_0877" title="IMG_0877">

<img src="https://ic.pics.livejournal.com/veraklo/14245795/1682814/1682814_800.jpg" alt="IMG_0879" title="IMG_0879">

Сказка А.С.Пушкина, которую знают наизусть все взрослые и дети. Девочка, которая сидела со мной рядом, рассказывала эту сказку совместно с артистами.))
"Раз он в море закинул невод, —
Пришел невод с одною тиной."
<img src="https://ic.pics.livejournal.com/veraklo/14245795/1683471/1683471_800.jpg" alt="IMG_0881" title="IMG_0881">

"В третий раз закинул он невод, —
Пришел невод с одною рыбкой,
С непростою рыбкой, — золотою."
<img src="https://ic.pics.livejournal.com/veraklo/14245795/1683843/1683843_800.jpg" alt="IMG_0883" title="IMG_0883">

Талант всех создателей этого спектакля сделал незабываемым воплощение сказки на театральных подмостках.
БРАВО всем! Режиссеру-постановщику, режиссеру по пластике- ВЛАДИМИРУ АНОСОВУ, художнику по костюмам- ИРИНЕ КУЗНЕЦОВОЙ и всем артистам!
Не раздумывайте, отводите своих детей на этот спектакль, и идите сами. Вам и детям это понравится!
https://teatrviktuka.ru/?ysclid=levoc3igie965554810

«Женская версия любви»

Этот премьерный спектакль в Театре Романа Виктюка, на самом деле, был задуман как некое «превью» для другой, более масштабной, новинки – постановки Дмитрия Голубева #Люблюнемогу. Это новая традиция театра – давать возможность высказаться на смежные премьерам темы молодым артистам и режиссерам, в камерном формате. Кстати, показ был в фойе театра – опыт для меня новый и необычный.
«Женская версия любви» - спектакль совсем короткий, всего на час, но очень емкий. В его основе лежат истории о любви нескольких женщин, собравшихся на корпоратив в подмосковном доме отдыха. На самом деле, я не люблю такие форматы, т.к. неоднократно убеждалась в том, что я, наверное, еще слишком молода для того, чтобы как-то симпатизировать откровениям «после пары бокалов» о чувствах женщин, которые конкретно старше меня. Однако, здесь героини говорят языком стихов Пушкина, Некрасова, Ашкенази, Полозковой и других – смешивая классическую и современную поэзию, делясь опытом и очень личными, сокровенными историями. Кроме того, звучат песни на музыку Таривердиева и русские народные мелодии.

И самое важное - в постановке занят весь «цвет» театра п/р Виктюка: десять актрис, многие из которых уже оказались знакомы и любимы мне по другим постановкам: Олеся Быкодерова, Владислава Крюкова, Анна Подсвирова, Светлана Гусенкова, Анна Могуева, Вера Тарасова, Мария Дудник, Наталья Мороз, Алена Чубарова и Мария Казначеева. Их невероятно разнообразная внешность дает возможность показать героинь всех возможных «типажей».

Очень надеюсь, что это все-таки был не разовый опыт, и мы еще увидим «Женскую версию любви» в афише на новый сезон.

Мой второй визит в театр Романа Виктюка случился через полгода после первого и был посвящен просмотру спектакля "Танго". Спектакль полностью в стилистике Виктюковского театра: много экспрессии, ярких образов, нарочитого абсурдизма. Если вам близок такой подход к спектаклям или надоели скучные, классические постановки - то это то, что вам нужно.
Сюжет строится вокруг семьи: имеются бабушка, дядюшка, папа, мама, взрослый сын 25 лет и любовник мамы. В спектакле нам показан конфликт поколений, но не с классической стороны, а как-бы наоборот. Здесь бунтарями выступает старшее поколение, а сын Артур, наоборот хочет внести в жизнь своей семьи спокойствие, размеренность и порядок. Он всячески пытается направить их на правильные путь, но у него ничего не выходит. В семье царит разброд и шатание. Мать имеет связь с любовником и не особо это скрывает, но отцу до этого особо дела нет. Бабушка играет в карты с любовником мамы и тоже живет своей жизнью. Отец постоянно проводит эксперименты и отрицает любой порядок. Артур берет в союзники дядю и вместе с ним решает заставить своих домочадцев вести нормальный образ жизни. Чтобы осуществить свой план он делает предложение своей девушке, дабы сыграть традиционную свадьбу. Артур считает что проведение классического свадебного ритуала сможет привести в чувства его семью. А что из этого выйдет и выйдет ли лучше посмотреть самому.
Спектакль как мне показалось раскрывает нам не только конфликт поколений, но и показывает как порой тяжело жить в семье этакой белой вороной, не похожей чем-то на своих домочадцев. При этом не важно к какой стороне ты относишься к бунтарям или к флегматикам. Если люди вокруг тебя другого склада характера тяжело уживаться с ними и находить общий язык. В спектакле Артур - белая ворона в своей семье и никак не может найти точки соприкосновения с родителями, пытаясь внушить а затем и заставить их измениться. Конечно это не возможно, но нужно стараться найти какой-то компромисс. Родители в свою очередь не понимают сына и всячески отстаивают свои нравы и устои. Получается замкнутый круг из которого очень трудно найти выход. Причем Артур хочет изменить не только свою семью, но и весь окружающий мир.
В спектакле необычные костюмы: яркие, пестрые, демонстрирующие и подчеркивающие характеры героев. Артур же все время в черно-белом. Декорации очень необычны: перед зрителем огромная песочница, горка и карусель которые активно используются во время действия. Есть еще и саркофаг, который периодически переносят с места на место. Интересно решение пускать небольшие отступления в виде субтитров на стене, рассказывающие нам об истории и значении танго.
Спектакль очень неординарный, может даже не с двойным а с тройным дном. Каждый зритель увидит в нем что-то свое, какой-то смысл или мысль.

Творческий вечер артистов Театра Виктюка "Любимые строки Маэстро"
Невозможно не пойти на вечер, который устраивают ученики Романа Григорьевича, сами уже замечательные артисты его театра, в честь 85-летия Учителя. "Любимые строки Маэстро" - конечно, поэзия...
В этот раз творческий вечер проходит не в родном театре, а в Московском Доме Книги на Арбате. С одной стороны, конечно, территориально мне лично это намного удобнее, да и камерная теплая атмосфера присутствовала, и вообще некая последовательность есть в проведении вечера с названием "Любимые строки" именно в книжном магазине. С другой - немного странно, что не в театре... Конечно, театр тоже приближающуюся дату не обошел вниманием - 27 октября в афише какой-то особый спектакль: "Выпускники оперного курса Мастерской Романа Виктюка факультета Музыкального театра ГИТИС (2008) представят спектакль о своем любимом учителе.", тоже очень интересно...
Но в среду после работы я бежала в Дом Книги. Итак, второй этаж, уютное кафе со сценой, книжные стеллажи вокруг. Гости рассаживаются, на сцене пустуют стулья - ждем...
И вот... Ведет вечер Дмитрий Голубев. Хочется еще до начала собственно рассказа о вечере сказать пару слов о Дмитрии: он совершенно замечательный ведущий и экскурсовод, а не только артист и режиссер! Настолько доброжелателен, настолько вовлечен, кажется, что Дмитрий всех зрителей знает лично и разговаривает с аудиторией как с друзьями. Будто нет этого "мы там, а они тут", очень естественно, тепло и вместе с тем профессионально.
Ну и, наконец, перейдем собственно к вечеру. На сцене были: Дмитрий Голубев, Иван Степанов, Анна Подсвирова, Станислав Мотырев, Михаил Половенко, Анна Нахапетова и Антон Даниленко.
Мы узнали, какими строками встречал звонивших автоответчик Романа Григорьевича: «Полюби, ты познаешь сомненье, ощутишь ты паренье, полюби, ты поднимешься ввысь, только падать не торопись». Услышали стихи и прозу. Улыбались историям. связанным с Романом Григорьевичем и рассказанным на вечере его артистами: про его пиджаки (а как же!), про знаки судьбы, про репетиции...
Антон Даниленко открыл вечер стихотворением "Театр" Валентина Гафта. Наверное. все помнят?
Театр! Чем он так прельщает,
В нем умереть иной готов,
Как милосердно Бог прощает
Артистов, клоунов, шутов...
Вспомнили спектакль "Сон Гафта, пересказанный Виктюком", который я, увы, смотрела только в записи.
Вспомнили. что Роман Григорьевич любил Теннесси Уильямса и Анна Нахапетова прочла отрывок из "Татуированной розы".
Но не буду перечислять все и всех. Мы услышали строки Эпштейна, Шифрина, Цветаевой, Мандельштама, Есенина, Пастернака, Хармса. Вампилова, Рильке. Увидели миниатюру Карцева и Ильченко " Кассир и клиент" - оказывается. Виктюк в 1984 ставил спектакль «Браво, сатира!», по произведениям М. Жванецкого в Московском театре миниатюр для Карцева и Ильченко. Вот уж чего я не знала (или хорошо забыла)!

Завершением вечера стало стихотворение Максимилиана Волошина, прочитанное Романом Григорьевичем.

Обманите меня… но совсем, навсегда…
Чтоб не думать зачем, чтоб не помнить когда…
Чтоб поверить обману свободно, без дум,
Чтоб за кем-то идти в темноте наобум…
И не знать, кто пришел, кто глаза завязал,
Кто ведет лабиринтом неведомых зал,
Чье дыханье порою горит на щеке,
Кто сжимает мне руку так крепко в руке…
А очнувшись, увидеть лишь ночь и туман…
Обманите и сами поверьте в обман.
Это был волшебный вечер. Огромное спасибо за него артистам театра!

Спектакль «Орфей» по пьесе Теннесси Уильямса – это первая постановка театра Романа Виктюка после ухода из жизни его основателя и бессменного режиссера. Поставил спектакль актер этого театра Сергей Захарин, посвятив свою постановку самому Роману Виктюку.
Спектакль получился абсолютно в стиле этого театра. Хорошо, что есть, кому продолжить традиции. Я попала в тот день, когда обе главные роли игрались их исполнителями впервые (Иван Никульча в роли Вэла Зевьера и Мария Казначеева в роли Лейди Торренс), такой дебют второго состава. Постоянная публика очень тепло их принимала, просто завалила цветами. Очень здорово, когда в театре есть такая группа поддержки. Иван очень красив, конечно, и строен, но мне бы хотелось почувствовать энергетику, драматизм, любовь, короче, эмоции, идущие изнутри, а не просто красивое лицо и тело, хотелось видеть Орфея, а не актера. Возможно, он просто волновался из-за дебюта, а потом втянется и станет играть на полную катушку, но пока в этом дуэте отдувалась партнерша, а одной за двоих играть сложно. Но судя по количеству букетов, он любим публикой, так что, видимо, просто мне не повезло увидеть его в ударе, так сказать.
Что же касается моего впечатления, для меня спектакль сделали не главные персонажи, а массовка и россыпь исполнителей вторых, третьих и прочих небольших ролей, каждый из которых пусть ненадолго, но сверкал на сцене своими яркими гранями. В спектакле очень интересная пластика, это и не хореография уже, и не акробатика еще, такая гремучая смесь, создающая на сцене необходимую атмосферу. Мелкие реплики небольших персонажей сплетаются в ткань, укутывающую постановку мрачным шлейфом чего-то тягостного и напряженного, ну это же Уильямс, у него именно такая аура у произведений.
Мне понравились трехминутные буквально сцены с участием второстепенных персонажей – они были наполнены эмоциями и исполнены очень классно. Александр Семенов в роли шерифа, Станислав Мотырев в роли Дэвида Катрира, Анна Нахапетова в роли Ви Толбет и, конечно, Олег Исаев в роли Джейба Торренса. Вот очень хорош – просто появляется на сцене, и чувствуешь, что происходит внутри у персонажа – высший пилотаж. Его персонаж, конечно, второстепенным не назовешь – именно он привносит в сюжет судьбоносные моменты, но на сцене его совсем не много.
Финал трагедии, на мой взгляд, был как-то невнятно скомкан, если бы я не знала сюжета, вообще бы не сразу поняла, что произошло. Мне показалось, что режиссер больше сосредоточился на хореографии и на сценографии, чем на действии. Картинка ему удалась, это бесспорно, и это очень украшает постановку в целом. Мне только не понравилась суета с зелеными подушками, а вот черные ящики прям очень впечатляют – не то гробы, не то комнаты. И когда их ставят друг на друга – а внутри практически трупы (ну или я их так воспринимала), и когда они рушатся доминошным потоком – сильно.
В целом впечатление противоречивое. Постановку стоило увидеть, ну хотя бы для того, чтобы понять перспективы театра «после Виктюка», ну и в принципе любопытно было посмотреть, да и сюжет интересный, но вот повторять ее точно не буду, такого «Ах», как после прекрасной «Федры» (которую смотрела там же пару недель назад) не случилось.

В субботу 5 октября я внезапно оказалась в любимом театре Виктюка днем! Как же иначе - ведь встреча «О театре. Виктюк, Левитин, Гинкас» начиналась в час! Аккурат между утренним детским спектаклем и взрослым вечерним.
В фойе, естественно, можно было приобрести книги: "НЕБО. Полет Первый" и "НЕБО. Полет второй" Романа Виктюка, "Как это было" Камы Гинкаса и "После любви: роман о профессии" Михаила Левитина.
Три замечательных талантливейших режиссера собрались вместе, чтобы поговорить о своих книгах, о творчестве, о литературе. Модератором встречи выступила литературный критик Клариса Пульсон.
Встреча была построена традиционно: сначала режиссеры рассказывали и отвечали на вопросы модератора встречи. После микрофон перешел в зал и у зрителей был шанс задать вопросы. Кстати, вопросов было немного - то ли собрались очень стеснительные зрители, то ли очень много знающие :) После встречи же состоялась /на радость зрителей/ автограф-сессия.
Роман Григорьевич, Михаил Захарович и Кама Миронович успели ответить на самые разные вопросы. Какой книжный герой в детстве произвел наибольшее впечатление и какая первая книга запомнилась? Если бы нужно было распределить роли (любые), то какие роли бы каждый из присутствующих дал двум другим? Не хотят ли поставить спектакль про себя самих? Когда и при каких обстоятельствах были сделаны фотографии с коллажа, украшавшего сцену? Очень интересно рассказывали: о становлении режиссера, о дружбе и предательстве.
Роман Виктюк - советский, российский и украинский театральный режиссёр, художественный руководитель Театра Романа Виктюка, Народный артист Украины и народный артист Российской Федерации. Совершенно волшебный, талантливейший, светлый человек, способный озарять все вокруг светом и любовью. Он говорил, конечно, замечательно. Получалось, что жизнь его полна чудес, невероятных событий, мистических совпадений... Много рассказывал о Елене Образцовой, конечно. О своем детстве, о становлении театра... Еще больше можно прочесть в книгах "НЕБО. Полет первый" и "НЕБО. Полет второй". Кто читал книгу «Роман с самим собой», - Полет первый это новое название "Романа", а вот Полет второй - совершенно новая книга.
Михаил Левитин - российский театральный режиссёр, писатель, педагог, народный артист России, художественный руководитель Московского театра «Эрмитаж», автор девятнадцати книг (!). Удивительный человек, с шикарным чувством юмора, очень интересно рассказывает. Михаил Захарович прочитал отрывок из своей новой книги.
Кама Гинкас - советский и российский театральный режиссёр, работает в МТЮЗе. Потрясающий рассказчик! Жаль, что Кама Миронович вынужден был убежать раньше всех - вечером у него премьера.
Если честно, я не думала, что встреча в таком формате может быть настолько интересна. А оказалось, более того, что эта встреча из тех, которые остаются в памяти навсегда. Невероятная атмосфера, наполненная, дышащая... Когда вместе собираются сразу трое легендарных режиссеров - это событие историческое, я считаю.
К сожалению, фотографировать и записывать было нельзя, а строчить в блокнот не хотелось - хотелось смотреть и слушать :) Так что теперь нужно запастись книгами и перечитать все.
Огромное спасибо театру Романа Виктюка такое замечательное мероприятие! Вчера прозвучала мысль о том, что такие встречи могут состояться и в будущем - очень, очень на это надеюсь!

Смотрели с мужем спектакль "Маугли. Доброй охоты!"

Надо сказать, что спектакль очень необычный. Сразу бросаются в глаза декорации, с огромными рогами буйвола, висящие высоко-высоко. Большое количество рогов уже меньшего размера расставлены по сцене. И появляется мысль, что-то здесь не так. Зачем их тут столько?
А остальные декорации? Четыре каната, две металлические клетки и вертикально сцепленные кольца, которые, во время спектакля, будут то подниматься вверх, то опускаться вниз.

Все это сбивает с толку и пробуждает интерес. Что же это будет за охота?

Сам спектакль насыщен танцами, музыкой, сложными техническими элементами. И не смотря на то, что идет он 1.40, время пролетает совершенно незаметно.

Да отдельно надо сказать о том, что с детьми сюда приходить не надо. На сайте театра заявлено, что возрастной ценз 16+. В зависимости от подготовленности ребенка можно лет с 12, но точно не раньше. Во-первых не поймут, во-вторых будет страшновато.

Не смотря на то, что историю Маугли все мы знаем, посмотреть спектакль однозначно стоит, так как он очень необычный и завораживающий.

Спектакль "Венецианка"
***
Театр Театр Романа Виктюка в первую очередь для меня - это режиссерский театр, который рассчитан на эмоциональное восприятие и созерцание, а его спектакли очень хорошо понятны тем зрителям, которые хоть немного знают о самом театре, о здании, о режиссёре спектакля...
***
Сюжет разворачивается на сцене театра, где режиссер-экспериментатор ставит пьесу неизвестного автора XVI века «Венецианка». По сюжету бедный юноша Юлио, приехав в Венецию, ищет любви и приключений. Он влюбляется в красотку, которую встретил на улице; его же полюбила знатная дама, которая пытается добиться взаимности любыми способами. Юлио предстоит сделать выбор между двумя женщинами…

На сцене мы видим «театр» в театре, своеобразное сочетание трёх измерений:
📎сегодняшнего дня, в котором нам рассказывает историю Ученик
📎революционного театра
'и'
📎спектакля, который репетирует труппа театра.
Для актёров это непростая, но очень интересная задача, и как мне кажется, они справляются с ней на высоком уровне!
Революционно настроенные энергичные актеры под свисток режиссера и команду «делай раз, делай два…» послушно выстраиваются в живые пирамиды, а затем через символические 'красные рамочки' погружаются в образы героев далекой итальянской старины.
Актеры Виктюка мастерски владеют телом, их тщательно продуманная пластика заслуживает отдельных похвал👏 ...Умело используя необычные конструкции они, то зависают в вертикальном положении под покрывалом, изображая спящих, то прыгают, словно акробаты, то скатываются, как резвящиеся юноши.
В спектакле много понятных намеков и пародий: Зацелованные портреты Сталина💋 и Ленина💋 помещены на один холст и активно используются в игре.
На мой взгляд, постановка вышла Яркой и Талантливой – интересные декорации, сочные краски и артисты с невероятной энергетикой💪!!!
🎤💃
А после спектакля нас ждал неожиданный сюрприз - перформанс на тему жизни и творчества А. Вертинского!!! Браво!
🌟🌟🌟
P.S. Поклонникам стилистики театра Виктюка - настоятельно рекомендую!

Я впервые была в этом экстравагантном, необычном театре в здании советского авангарда. Смотрела "Маскарад Маркиза де Сада", бесконечно провокационную французскую тему. На сцене разлита краска, символизирующая творческие искания и душевные метания. Фон - экспрессивные карикатуры примитивного искусства. Кроме краски и портретов, на сцене лишь передвижные деревянные 2-этажные помостки. Бросается в глазах сочетание насыщенного с упрощённым. Я знакомлюсь с понятием "пластичный театр", когда любые слова актёров оформляются перетекающими движениями их тел. Это выразительно, искусно, погружает. Маркиза играет заслуженный артист РФ Дмитрий Бозин с художественно пластичным телом и завораживающим голосом а-ля Лагутенко. В его движениях при этом аристократичность, которая является частью личности де Сада. Играть его непросто - слишком сложная личность, с противоречивыми аспектами. Но Бозин великолепно вживается в роль. Все остальные персонажи рядом с ним обладают меньшими энергетическими контурами. На этом построен сюжет. В зале чувствуется напряжение, смущение, даже страх перед слишком откровенным. Когда на сцену врывается революция в лице пошловатой Жюстины, зал расслабляется, ведь пошлость не щекочет нервы и чувства. Цвета, присутствующие на сцене в декорациях и костюмах: красные, серые, телесные и малиновый будуарный свет. Палитра как бы ограниченная, но очень говорящая. Со своих помостов актёры иногда отбрасывают тени на стены, что создаёт дополнительный объём для восприятия зрителей. В конце спектакля от переизбытка чувств устают и герои, и зрители. Виктюку определённо удаётся играть с чувствами всех, это и есть театр!

Полный отзыв: https://flamingovv.livejournal.com/973453.html

В спектакле "Маскарад маркиза де Сада" по пьесе Андрея Максимова дана необычная версия некоторых моментов в биографии маркиза де Сада, согласно которой скандально известный маркиз не предавался разврату, а лишь писал свои фантазийные произведения; однако, чтобы таинственные оргии в его замке имели под собой какую-то реальную основу, он вступил в сговор с инспектором Марэ (это реальная личность), он-то, якобы, и воплощал в жизнь всяческие сексуальные девиации писателя. Непонятно, почему в анонсировании спектакля театр делает упор на взаимоотношении Творца и Власти, акцентируя внимание на актуальности событий и в наше непростое время. Маркиз де Сад в целом отсидел по тюрьмам 17 лет, и сидел, что интересно, и при королях, и во времена французской революции (в коей принимал активное участие, создавая политические памфлеты), и при Наполеоне. И напоминает он зицпредседателя Фунта из "Золотого Теленка" Ильфа и Петрова:

"Я сидел при Александре Втором "Освободителе", при Александре Третьем "Миротворце", при Николае Втором "Кровавом". При Керенском я сидел тоже. При военном коммунизме я, правда, совсем не сидел, исчезла чистая коммерция, не было работы. Но зато как я сидел при нэпе! Как я сидел при нэпе! Это были лучшие дни моей жизни."

Конечно, зицпредседатель сидел по иным причинам, сознательно, так сказать. Но маркиз де Сад преследовался совсем не за свое творчество, а за банальные изнасилования, первое дело замяли, маркиз все-таки, но второе, так называемое "Марсельское дело" получило слишком широкую огласку, поскольку маркиз с верным слугою накормили аристократичных дам шпанской мушкой и еще чем-то, и воспользовались их невменяемым состоянием, а законы-то суровы были, и будущего творца приговорили к отрублению головы, а слугу - к повешению, за отравление и содомию. Опальный маркиз бежал, ну и все это повторялось при любой власти, маркиз де Сад отрицал уголовное право, ставя превыше всего гедонизм отдельной личности и отсутствие моральных, нравственных установок. Немудрено, что он не прижился даже во времена французской революции. Ближе к концу его жизни маркиза хотели посадить за долги еще, но все-таки посадили за порнографию, что, конечно, нехорошо, но в остальном - покажите мне "Творца" сегодняшнего времени, участвующего в групповом изнасиловании аристократок и пейзанок и открыто заявляющего, что убийство людей - во благо нашей перенаселенной планете и проч. и проч. и проч.

В спектакле маркиз сидит как раз-таки во времена французской революции, его навещают в убогой комнатенке, про которую маркиз проговаривается, что это специально на публику сделано, а за комнатенкой - роскошные апартаменты. Приходит к нему и инспектор Марэ (Александр Дзюба), и революционерка Жюстина (Екатерина Карпушина), и жена его законная Лакоста (Людмила Погорелова), она же и слуга-подельник Латур (неожиданно!), ну и тюремный охранник Огюстен (Иван Никульча) тут же присутствует, восхищаясь творениями маркиза. Они ведут глубокомысленные разговоры, не то чтобы об отношениях Творца и Власти, а о том, что все суета сует, главное при любой власти - предаваться эээ.. гедонизму. Жюстина искрометно шутит на революционную тему, но выглядит она откровенно странно, поскольку в уста зрелой женщины вложены реплики юной глупенькой девушки, поэтому не покидает стойкое ощущение, что Жюстина слабоумна, и поэтому не смеяться хочется, а взгрустнуть.

Так вот даже на такой довольно слабой сценарной основе режиссер и актеры создали довольно впечатляющее действо.

В основе его лежит все то, что присуще Виктюку - и отличный саундтрек (музыки, правда, неожиданно мало), и великолепная мужская пластика, и акробатические этюды - на сей раз на передвижной деревянной вышке, и оформление камерной сцены прекрасно - экспрессионистские портреты каких-то безумцев (участников оргий?), мистерия, таинственность, инфернальность даже и - истерия или шутовство.

Маркиза играет Дмитрий Бозин, звезда театра и заслуженный артист Российской Федерации, я его не видела лет семь и ахнула, когда он появился на сцене. И семь лет назад он был хорош, но налицо движение вперед. Идеальное тело спортсмена, атлета, зависающего на высоте деревянной вышки без страховки и при этом создающего завораживающий образ. Его маркиз де Сад - скорее некое существо в античном одеянии, похожее на фавна, на сатира, и в пластике, и интонациях то ли безумца, то ли эксцентрика. Он сумасшедший или хочет казаться необычным, неважно, это центральный образ, и остальные персонажи меркнут на его фоне, хотя Дзюба в роли Марэ и составляет неплохую противоположность загадочному маркизу в своей приземленности в хорошем смысле и попытке искренне отрефлексировать. Возникла мысль на секунду, а не тесно ли Бозину в театре, он выдающийся актер, но как возникла, так и исчезла, тут все под него - эта изумительная пластика вкупе с лучшими драматургическими образами в спектаклях - стоит ли желать лучшего.

Наверное нет в Москве и России человека, который не слышал бы имя Романа Виктюка.
Многие , как и я до этого дня , никогда не видели его спектаклей, но знали, что это нечто совершенно особенное, яркое и эпатажное. Вокруг него всегда много споров, разговоров , и отношение людей распределяется от восторга до негодующего отрицания .
Созданный им театр привлекает своим экстремизмом, совершенно новым взглядом на человеческие отношения и, кажется, имеет собственную философию.
Но обо всем по порядку…
Особенность этого Театра, что он режиссерский , во всем, без исключения , видна и чувствуется рука Маэстро. Идея создания театра возникла в 1991 году Театр возник из антрепризы.
Государственным его назвали только спустя пять лет после своей первой премьеры, в 1996 году. На то время в спектаклях неоднократно принимали участие многие звёзды .
Мне же посчастливилось посмотреть постановку "Король-Арлекин ".
Он захватил, удивил и потряс меня . Непривычная манера игры актеров , с такой высокой патетикой каждого слова , что кажется словно их голоса вибрируют звоном и бесконечным эхом . Из удивительная пластика, невероятные по своей экспрессивности движения , непривычные сценические приемы ...
И действие состоит из актерской страсти, акробатических головокружительных трюков, и резких ударов-бросков реквизита о сцену.
На сцене два портрета Пины , и движения актеров достойны этого имени . Они резкие и плавные, оборванные и законченные , импульсивные и вкрадчивые . Языком тела передано так много, что кажется можно убрать текст и движения актеров зазвенят натянутыми нервами человеческих душ.
А на сцене звучит странное смешение музыки из Травиаты Верди , роковых композиций и ударов человеческого тела о гремящий металлический реквизит .
История и проста , и невероятна сложна . Она о том , что скрывается под нашей маской ? Настоящее ли лицо , или ещё одна маска? И сможешь ли ты выдержать эту жизнь, нося на себе чужую личину ?
Удивительная находка режиссера , и на меня она произвела огромное впечатление - использование в спектакле джемперов ( этих приспособлений для прыжков). Кажется, ну что можно особенного придумать с ними ? Но по замыслу режиссёра в руках актеров они становятся невиданным оружием , похожим на фантастическое будущее , или же друг Арлекина , прыгающий на одном джампере , словно легендарный горбун, и даже выполняющий на нем фуете . Отдельные аплодисменты за такое мастерское владение всеми видами сценического движения и танца , до степа включительно .
Ещё одна режиссерская находка - красные полотна, свисающие с потолка - они словно артерии , наполненные кровью , которые пульсируют с героем, пока он жив , и , извиваясь, умирают вместе с ним .
Совершенно ошеломлена, очарована, околдована, теперь я тоже в рядах влюблённых в творчество этого Театра и , непосредственно, в талант самого Романа Виктюка .
С удовольствием посмотрю другие постановки в этом Театре .

На этот спектакль в театр Романа Виктюка я хотела сходить еще давно, но все как-то не складывалось. И даже в день спектакля был вариант, что я не попаду (придя с цветами это особенно было бы обидно). Но слава богу, все разрулилось и цветы я вручила кому и планировала. Но это лирика, эмоции)
Итак "Последняя любовь Дон Жуана" в театре Романа Виктюка по пьесе Эрика-Эмманюэля Шмитта "Ночь в Валони".
Еще молодой Дон Жуан, над которым не властно время, оказывается не на балу, куда он получил приглашение, а на Процессе. На Процессе над ним самим, который устраивают пять женщин, которых объединяет только то, что они все жертвы героя-любовника.
Людмила Погорелова - роскошная Герцогиня де Вобрикурт - собственно инициатор суда, и она же придумала, какое наказание выбрать для человека, который бросил её и сейчас даже и не помнит.
Анна Нахапетова (я её до этого не видела в театре, только видела, что её ввели в состав некоторых спектаклей) в роли прекрасной Графини де ля Рош-Пике. Третейский судья процесса, которая не давала остальным обвинителям заигрывать с Дон Жуаном.
Очень странная героиня - Мадемуазель де ля Трэнгль в исполнении Клаудии Бочар - так я и не поняла, было ли что-то у нее с "обвиняемым", но она единственная, чью историю вспомнил или придумал Дон Жуан.
Присутствие еще двух дам - Гортензии де Отклэр (Екатерина Карпушина) и Мадам Кассэн
(Олеся Быкодерова) - для меня осталось загадкой, ну да, они еще две жертвы, но их истории настолько одинаковы. Хотя с другой стороны "Зачем меняться волку, если овцы все те же?"
Дмитрий Бозин прекрасен и в роли обольстительного героя, и разочарованного в жизни человека. И роль играет, и танцует, и на батуте кульбиты выделывает (при чем на момент постановки спектакля такого навыка у артиста не было).
С гимнастическими умениями прекрасно в этом спектакле у еще одного персонажа - Шевалье де Шифревиль (в исполнении Ивана Никульчи). После рассказа об этом персонаже у меня возник большой вопрос - к кому же на самом деле испытывает последнюю (да и пожалуй первую) любовь Дон Жуан.
По сцене разбросаны цепи-кандалы, и я не могу сказать, что символизируют больше, какое из решений Процесса.
Музыка... как и в других спектаклях Виктюка - это еще одна яркая краска в спектакле.

Спектакль в Театре Романа Виктюка http://teatrviktuka.ru/"В начале и в конце времён ". Мне понадобилось несколько дней, чтобы попытаться как-то осмыслить и осознать увиденное .
Начнём с того, что это совершенно не "Виктюк" в привычном нам понимании стиля Мастера . Отсутствие нарочитой и столь ожидаемой декоративности , красоты и гармонии поз , размеренности речи и своеобразной декламации . Вместо этого декорации из грохочущего железа, и среди них живет своей жизнью странный выморочный мирок, весь в ломаной угловатости поз , антиэстетике движений , нерифмованой речи ... спектакль , родившийся в 2014 году по произведению Павла Арие Показывает жизнь одной семьи ( даже осколков семьи , таких же остро болезненных как края расколотого зеркала ) обитающих в зоне отчуждения после Чернобыльской катастрофы . На сцене всего 5 персонажей , один из которых скорее воспоминание, нежели участник , но как мощно захватывают они твоё внимание . Огромную благодарность хочется выразить актерам за ошеломляющую экспрессию , эмоции , показанные за гранью , руки , дрожащие в судороге и настоящие слёзы, текущие по щекам . Они не играют , а проживают эти жизни .
Персонажи лишены всего , у них нет ни одного из покрывал ложной стыдливости, которыми цивилизация прикрывает нашу боль и наши пороки . Они удивительно, ошеломляюще оголены , в искренности своих чувств и эмоций и их неподдельной правдивости . Глубина спектакля раскрывается не сразу, а, подобно притче, постепенно , возвращая твои мысли к себе раз за разом. Эти люди живут в "круглом времени , а не в линейном..." Что это? Часть бесконечного колеса сансары , череда рождений и смерти , закон бумеранга , при котором к тебе возвращается все, что ты посылаешь в мир , бесконечность истиной любви ? Пусть каждый ответит для себя сам .
Спектакль заставляет думать , это не просто приятный вечер , это-ошеломляющая встряска, восхитительная силой режиссёрского и актерского искусства .

В начале и в конце времен
Какая же тяжелая пошла жизнь, если даже такой безудержный романтик и фантазер как Виктюк, поставил спектакль очень жесткий, не оставляющий никакой надежды на лучшее будущее. Собственно будущего у героев спектакля «В начале и в конце времен» нет. Все умерли. И забрали с собой еще несколько жизней. Бабушка, мать и сын живут в чернобыльской зоне, до ближайшей деревни несколько часов ходу, изредка их навещает только местный участковый, да и то каждый раз грозится выселить на большую землю. Живет семья в зоне не по прихоти, а спасая от людской злобы единственного сына и внука Вовика (Игорь Неведров). Вовик болен и когда-то дети пытались посмотреть что у него в голове, разбив ее камнем. Вот и живет семья среди болот и лесов без электричества, автолавки и интернета. Баба Фрося (Олег Исаев) и мама Слава (Людмила Погорелова) удерживают рвущегося в Киев Вовика сказками о синих человечках, русалках и секретной ветке метро. Удерживают, но не спасают – заезжие сталкеры устраивают в зоне охоту на человека и смертельно ранят Вовика. В зоне нет ни лекарств, ни перевязочных материалов, баба Фрося отправляет Славу в город обменять свой орден Красного знамени на антибиотики, но поздно - у Вовика гангрена. И баба Фрося мстит, как мстила в войну, заманив и убив двадцать фрицев. Она убивает и поздно протрезвевших сталкеров и участкового (Александр Дзюба), который вместо того, чтобы защищать слабых, угрожает расправой в страхе перед депутатами. И тела ее жертв никогда не найдут в непроходимых болотах. Жизнь без Вовика теряет всяческий смысл и легкую смерть семье дают ярко синие грибы, выросшие в зараженном лесу.
Олег Исаев, старейший актер театра Виктюка, наконец дождался поистине звездной роли. Его баба Фрося поднимается до высот шекспировских героинь, а Олега Исаева можно поставить в ряд с величайшими трагическими театральными актерами.

«Венецианка» в театре Романа Виктюка

«Венецианка» - это первая режиссерская работа Игоря Неведрова, актера театра Романа Виктюка. Спектакль насыщен аллюзиями на спектакли Романа Григорьевича. Внимательный зритель увидит в нем отсылки к «Саломее», «Мастеру и Маргарите, «R&J. Ромео и Джульетте», «Служанкам», «Путанам» и прочим спектаклям Мастера. Даже в кубистском оформлении сцены присутствуют огромные буквы «РВ», и хотя во время действия их расшифровывают как «Революция Вперед», но мы же понимаем! Есть в «Венецианке» и посвящения Юрию Любимову, в театре которого Игорь Неведров начинал актерскую карьеру. «Венецианка» - это спектакль в спектакле. Сюжет разворачивается на сцене авангардного театра, где режиссер-экспериментатор (Михаил Фатеев) ставить пьесу неизвестного автора XVI века. «Режиссер» не столько объясняет, сколько дрессирует актеров командами «делай раз, делай два», выстраивая на сцене живые пирамиды. Свое видение театра он декларирует цитатами из Всеволода Мейерхольда, а декорации и костюмы «Венецианки» отсылают к работам художника Малевича и архитектора Мельникова. Жесткая дрессура не нравится актерам, и они сначала весело хулиганят на репетициях, а потом и вовсе отбирают у Режиссера свисток – символ его власти. Внимательный зритель увидит в «Венецианке» и отсылки к авангардным балетам Шостаковича «Болт» и Эрика Сати «Парад». Но не смотря на кажущуюся перегруженность «Венецианки» различными символами, спектакль представляет из себя праздник молодости и революционного задора, а разгадывание заложенных в него шарад дополнительный бонус для зрителей.

Очередную головоломку представил зрителям Театр Романа Виктюка. "Венецианка" - дань Неведрова своим Учителям - Юрию Любимову и Роману Виктюку. Все в этом спектакле выдержано в эстетике Виктюка, и это безусловно плюс. Пластика, мимика, голос - мастерство артистов поражает воображение. До мелочей продумана и сценография - игра света и тени, декорации и костюмы.

На сцене, созданной в духе советских времен, сплелись воедино архитектура Мельникова и графика Малевича. А итальянская пьеса, прошедшая сквозь века, родилась на русской земле.

Режиссер играет со зрителем, представляя ему удовольствие отгадать все тонкие аллюзии в этом торжестве постмодернизма.
Но какими бы хитростями он ни пользовался, понять замысел автора несложно. История любви иностранца Юлио, появившегося в Венеции, плавно перетекает в конфликт режиссера и актера, Творца и исполнителя. Классический сюжет, где герою предстоит выбор между своей любимой и богатой покровительницей, а актеру - между бунтом и смирением. Что бы ни происходило на сцене, результат известен заранее. Единственный правильный выбор - это Любовь, а бунт против Творца - занятие бессмысленное, поскольку имя его бессмертно.

А я поняла, что Театр Романа Виктюка - это особый мир, и обязательно вернусь сюда снова и снова, у меня еще столько непросмотренных спектаклей!

В восторге от Федры. Советую до спектакля ознакомиться с одноименным произведением М. Цветаевой. Я, к сожалению, не успела этого сделать и мне иногда было непонятно происходящее на сцене. Я знала суть самого мифа про Федру, которая воспылала любовью к своему пасынку, и за это в итоге они оба и погибли. Но у Цветаевой Федра другая. Цветаева её не осуждает как большинство поэтов и писателей. Как можно судить за любовь? Цветаева поёт гимн любви, любви сложной, неоднозначной, нелогичной, зато искренней. И пусть герои в итоге умирают, но там на том свете Цветаева всё равно пророчит им любовь и счастье.
Постановка потрясающая. Артисты не только выкладываются на все 100, но и искренне получают удовольствие от игры. На протяжении двух часов они декламируют, поют, танцуют, бесконечно двигаются на сцене. Не передать словами энергетику происходящего, это надо видеть. Какое-то бесконечное визуальное совершенство. Более десятка обнаженных по пояс мужчин атлетического телосложения рассказывают языком танца древний миф. По словам Виктюка, «Федра» – это полутанец, полупение, полугимнастика, полуэротика.

Сама постановка абсолютно медитативная. На сцене установлена барабанная установка. Барабанщик отстукивает чёткий ритм, то громче, то тише. Артисты постоянно движутся по всему пространству сцены, то перелетая его в один прыжок, то замирая на месте.

Наверное, не каждому зрителю такое творчество будет понятно, но мне оно пришлось абсолютно в тему. На поклонах я поймала себя на мысли, что два часа постановки пролетели на одном дыхании.

Смотрели "Венецианку".
Мне безоговорочно понравилось.
Это театр в квинтэссенции, максимально образно и аллегорично, театр в театре, маски, открывающие эмоции, и открытые лица, их скрывающие.
Но, собственно, к Виктюку я и шла за Театром с большой буквы))

Спектакль точно нельзя рекомендовать для весёленького беззаботного вечера. Потому что это весьма сложная конструкция "игла в яйце, яйцо в утке, утка в зайце..." , он требует некоторого культурного бэкграунда и работы мысли в процессе. И хорошо бы купить и прочитать программку - там нет описания спектакля, но есть посвящение учителям, которое уже наталкивает на мысли, что всё будет не так просто - а учителями названы Мейерхольд, Малевич, Мельников, Таиров.

Спектакль о репетиции спектакля - получается эдакая рекурсия. Актёры студии молоды и неопытны, Учитель строг, ставят сюжет из итальянской комедии дель арте, роли женщин исполняют мужчины, маски-маски-маски.... И роль Учителя. И бунт против Учителя. И предательство. Слушайте внимательно распределение ролей между актерами - среди них будет ключ к части действия - к аллюзии с Мейрхольдом и Таировым. (После спектакля я почитала биографии Мейерхольда и Таирова - и их судьбы автор явно держал в голове при написании пьесы, дух их обоих можно ощутить). Но это только один из пластов действа.
Второй пласт- (не по сути, а просто по моему описанию) - это сама комедия "Венецианка", которую репетируют в студии. Романтическая история любви приезжего юноши Юлио к богатой даме Вальере, и любви другой женщины, богатой вдовы Андзелы - к нему. Очень красиво. Это театр движений. В какой-то момент понимаешь, что уже не вопринимаешь этих мужчин в спортивных трусах - мужчинами в спортивных трусах, а видишь ЖЕНЩИН - служанок и их хозяек. Да, я видела ранее и "Служанок" и "М.Баттерфляй", но каждый раз я прихожу в абсолютный восторг, когда вижу в театре Виктюка преображение мужчины в женщину, практически без грима. Это гениально. Это волшебство.
Третий пласт - это собственно репетиция, где роли женщин приходится играть мужчинам. Но это театр-студия, актёры не профессиональные, и периодически они возмущаются нормальными мужскими голосами на какую-то мизансцену, типа объятия или поцелуя- и буквально вырывают зрителя из погружённости в перепитии любовных похождений в Венеции - в нашу современность. Но они хитро справляются с этими поцелуями - и за это Браво! Более того, костюмы студийцев - это отдельная песня. Почти все раздеты до трусов. (И только самый архитектурно-рельефный красавец так и проходил в рубашке всё дейстивие! Ах, ну почему же???!!!)
Еще один пласт - это взаимоотношения Учителя и студийцев. "Упал-отжался" в формулировке "Делай раз! Делай два!". (Здесь у меня начиналось неконтролируемое хихиканье - всё было в точности как у Гонца и Добрыни - в любой сложной ситуации - упал-отжался!))))
Отсылок к Малевичу не так много, они неочевидны (мне), но очень узнаваемы визуально.
Поклон в сторону архитектора Мельникова - я увидела в решении сцены, в декорациях. (Не поняла только полотнище с зацелованными Сталиным и Лениным.). Используя оригинальную конструкцию - буквы и звёзды (сценография Владимира Боера), актеры то зависают в вертикальном положении под покрывалом, изображая спящих, то прыгают, как акробаты, то лихо скатываются, подобно резвящимся мальчишкам.
И наверняка там есть еще пласты, смыслы, аллюзии - более тонкие, для более вдумчивых театралов.
Сценграфия очень понравилась, и особенно причальные столбы - вот поставили эти брусья в крепление на полу - и сразу Венеция!
Спасибо!

Маскарад Маркиза де Сада
В последнее время много хожу в разнообразные театры Москвы, но только в Театре Виктюка душа каждый раз улетает в высшие слои бытия. Каждый раз на постановках Романа Григорьевича у меня возникает чувство прикосновения к чему-то настолько великому, что я даже не в состоянии полностью охватить это своим умом. Вот и очередной спектакль, увиденный в театре Виктюка, подтвердил, что Роман Григорьевич разговаривает напрямую с небесами, а мы лишь молча присутствуем и пытаемся осознать то огромное, что обрушивается на нас. Спектакль «Маскарад Маркиза де Сада» оказался столь многогранен, что за один просмотр просто невозможно постичь все уровни, воплощенные в нем. Виктюку неинтересна известная всем история: он выворачивает ее наизнанку, отражает в зеркале своей фантазии и вдруг оказывается, что человек, заклейменный человечеством как исчадие ада, был невинным романтиком, придумавшим себе жизнь и судьбу. Маркиз де Сад (Дмитрий Бозин) – талантливый писатель, решивший, что прославиться легче, если создашь легенду о себе, и легенда будет еще ярче, если воплотить ее в реальности. И реальность этой легенде обеспечивает Инспектор Маре (Александр Дзюба), участвующий в оргиях, нафантазированных Де Садом. Но бумеранг легенды оборачивается против своего творца и маркиз, сидящий в тюрьме при всех режимах, теряет не только реальность судьбы, но и единственную любовь.

Последнее время театры все чаще обращаются к почти забытым произведениям эпохи средневековья, к мифам и легендам. В театре Романа Виктюка поставили спектакль «Крылья из пепла» по пьесе современника Шекспира Джона Форда «Как жаль, что она шлюха». По-русски звучит грубовато. Сюжет же вполне в духе своего времени, изобилующего различными извращениями: об удивительной любви родных брата и сестры – Джованни и Анабеллы. На самом деле, история гораздо интереснее, тоньше и глубже. В ней много психологических проблем, душевных страданий и метаний. Анабелла – скорее жертва, брошенная братом самостоятельно решать все проблемы, как водится, предстает развратницей. Ну, а в конце все умирают.
Спектакль показался пустым. Такое впечатление бывает, когда очень короткое и малоинформативное действо растягивают до приемлемого для полноценного спектакля времени. Много молчаливых пауз, без музыки, без движения. Уже дома я просмотрела текст и даже старый итальянский фильм 1971 года. Стало очевидно, что и без того простую и недлинную пьесу зачем-то сократили, потеряв при этом несколько логических цепочек.
Что касается костюмов и декораций – то они хороши. Обязательные накачанные голые торсы мужчин и их тяжелые юбки, - вызывающая сексуальность, – отличительная карточка спектаклей театра. Меня смущали сильно покатые крыши многоярусных построек на сцене, казалось, еще немного и актеры поскользнутся и упадут вниз. И конечно, большую роль на восприятие оказала авангардная архитектура самого здания и интерьер зала, созданные Мельниковым.
Актерская игра оставила меня равнодушной. Особенно разочаровала декламация текста в самом начале на грани истерического крика и странные метания по сцене. Сам спектакль показался слишком примитивным, пустым и без изюминки.

Все Шлюхи

Театр для нас не только любовь, не только профессия, но весь СМЫСЛ нашей жизни.

ВИКТЮК

Посещение театра великого Мастера, его спектакля "Крылья из пепла", коим я обязан сообществу блогеров Moskva-lublu, обязан и в превосходнейшей степени благодарен, обязало меня писать этот пост. Писать пост и внутренне бороться с искушением - писать о Мастере или о его творении. Конечно же вы скажете, что нет великой разницы в том, что рассказывая о спектакле, я буду говорить и о его авторе. Но написать про Виктюка хочется многого. Того, чего не видят зрители, но мне хотелось чтобы они знали. Описать и напомнить его мысли и когда-то сказанные им слова. Написать о его любви и СТРАСТЯХ, и обязательно о его друзьях. Друзьях, которые помогали ему творить, служили ему и вдохновляли. Но...

Роман Виктюк, мастер эмоций и эпатажа, приготовил зрителю изысканнейший подарок - Спектакль, каждая сцена которого, каждая реплика, поражают своей откровенностью.
Родонит* в руке мастера - «Крылья из пепла» спектакль по пьесе Д. Форда, полон символов -«Гермес» надписью на стене, Золотые врата, ручки дверей в сочетании мужского и женского начал - треугольник и круг, где для открывания дверей необходимо к ним прикоснуться, французский шансон и кровавый танец. Всё, начиная с пены негодования на губах, слёз и движений тел звучит на высочайшей ноте человеческого порока.
Не случайно оригинальное название пьесы «Нельзя её развратницей назвать», Режиссёром изменено на «Крылья из пепла»*. Пускай и не способные к полёту, но это крылья и они дают мечту и надежду. Виктюк говорит о любви и пороке в свойственной только ему манере. Он вытягивает из глубины чувств и переживаний животные инстинкты, погружает зрителя в мир гротескно увеличенного чувства страсти и влечения кровных брата к сестре. Вычёркивая из пьесы в спектакле сцены совращения, режиссёр возносит «запретную любовь» из области порицания к самому воспетому поэтами ореолу высочайшего по чистоте чувства. Тем самым показывая, что греховность и падение морали в окружающем их мире, не даёт права биться в конвульсиях осуждения и морализма, но и не может служить всему оправданием. Поэтому крылья из пепла. Они призрачны и не способны дать свободу их обладателю.
Оправдывая вслед за автором пьесы влюблённых Виктюк поёт песнь любви, как высочайшему из чувств. Форд видит в них болезнь и помешательство и в гротеске приравнивая своих героев к убогим.
Будучи юристом, Форд задумывал эту пьесу как наглядный пример попрания моральных и религиозных норм и неотвратимости наказания. Положив в основу конфликта несудимое преступление, он карает безумием и показательно, пускай и не руками правосудия, казнит преступников. Виктюк же видит в смерти свободу и даёт грешникам избавление.

... их объединяло одно общее и главное - одержимость.
Страсть. Они выходили на сцену, как на бой.
Бой за свою веру, за свою любовь, за свою ненависть.

Роман Виктюк

Такими и только такими словами, я могу сказать об актёрах, наполнивших жизнью то маленькое пространство сцены, что в один миг превращается в целый мир, в бесконечную глубину вселенной, переполненную любви и боли. Я смело повторяю слова Виктюка, сказнные им когда-то в предисловии книги о театре "И БЫЛ ТЕАТР", описывающей муки творчества и полёт Львовского театра "Гаудеамус" и его вдохновителя и режиссёра Бориса Озерова. Я знаю, что эти слова в полной мере относятся и к самому Виктюку и его театру.

Игорь Неведров, Анна Нахапетова, Михаил Половенко, Людмила Погорелова, Иван Иванович, Анатолий Степанюк, Мария Казначеева, Мария Матто, Кирилл Козуб - все они жемчужины в ожерелье Мастера.
А какими словами описать их тела. Пластика, жесты и напряжение пламени, страстно и яростно вырывающего из темноты и морализма полет грешной души. Как нежна и невинна Анна Нахапетова. Поистине влюбляешься в её перерождение из цветка невинности в страстную и циничную женщину, жертвенную и жертвующую себя в попытке сохранить жизни любимого (кровного брата) и ребёнка, зачатого в страшном и для неё сладком и желанном грехопадении. Анна, своей замечательной игрой продолжает традицию своих талантливейших родителей - Родиона Нахапетова и Веры Глаголевой, влюблять в себя толпы поклонников. И крылатая фраза из фильма - "Комсомолка, спортсменка и просто красавица...", как никогда точно описывает эту молодую артистку. Анна Нахапетова блистает на подмостках театров, снимается и в серьёзных и в кассовых фильмах и в прошлом балерина Большого театра. Она равновелико органично волнует и танцем и взглядом и словом.

...
Борис Озеров
Бесконечно обаятельный , необычайно талантливый, с фантастическим чувством юмора.
Они познакомились в период работы Романа Виктюка руководителем театра во Дворце пионеров и дружили до последних дней жизни Бориса Озерова.

Первая встреча и ощущения - так и не вспомнил.
Как не помнят эти мгновения все Великие...
Виктюк


*Родонит - «грязный рубин», камень иллюзий. В странах Востока и в Индии его считают божественным камнем, пробуждающим любовь, талант. Считается, что этот камень может пробудить жизнь в отчаявшемся человеке, дать ему надежду и направить на путь добра и света.
*«КАК ЖАЛЬ, ЧТО ОНА ШЛЮХА» - название пьесы в переводе Виктора Шуликовского и Дм. Креминского. Сохранение словесного состава исходного текста вступает в очевидный конфликт с передачей стилистического эффекта, поэтому в переводе данный текст неизбежно подвергается преобразованию в целях сохранения возможно большей части коннотата, то есть "совокхупности эмоциональных, оценочных и смысловых ассоциаций, содержащихся в данном знаке, служащих базой для вторичного семиозиса".

Театр Романа Виктюка имеет репутацию эпатажного театра, поэтому, в моем февральском театральном календаре появился спектакль «Маугли. Доброй охоты!». Режиссер этой постановки - Дмитрий Бозин. Было интересно посмотреть, как можно и можно ли сделать его особенным.
Мне всегда нравилась «Книга Джунглей», Киплинг как никто другой смог очеловечить животный мир. «Книга Джунглей» была очень странной книгой, она не забывалась, она излучала энергию, которую интуитивно, неосознанно, но очень ярко чувствуешь в детстве. Посмотреть на мир глазами вожака волчьей стаи Акелы, коршуна Чиля, несравненной Багиры, мудрого Каа, величественного Хатхи, мерзкого Табаки, безжалостного Шер-хана – было необычно и каким-то образом влияло на твой взгляд на то, как устроено мироздание. Законы Джунглей были жестокими, но правильными, правильными по отношению к миру в целом. И рядом с ними люди проигрывали, проявлялись их алчность, невежество, низкие вибрации.
В «Книге Джунглей» что-то было заложено между строк, что наполняло светом душу, что заставляло осознать существование универсальных законов Жизни, связь между всем сущим на Земле. Приходило понимание, что все живые существа на планете живут по одним и тем же законам, правилам, без разделения на высших и низших. Правильность поступков любого по отношению к миру – есть главный закон Вселенной. Энергия действий и мыслей всех жителей мира – формирует сам Мир и возвращается к нам.
В Театре Виктюка «Маугли» - постановка для взрослых, для тех, кто до сих пор чувствует связь и силу книги.
Меньше всего, придя на спектакль, я ожидала, что «поплыву», не узнавая вроде бы заученные наизусть сцены. Чувство непонимания можно сравнить с недотягиванием до смысла, который был явственно заложен в действия, но расшифровать который мне не удавалось.
Два Каа, две Багиры, четыре Шер-хана, шесть Хатхи. При том, что самих персонажей на сцене не было, и никак они обозначены не были. Все актеры были одеты в черное, были босиком, и никак не идентифицировались. Последовательность сцен не совпадала.
После спектакля, мне пришла в голову мысль, задать вопросы самому режиссеру – и насколько удачной она оказалась! Ответы, полученные от Дмитрия Бозина повергли меня в шок и изумление, но главное – паззл моментально сложился!

Оказывается, Джозеф Редьярд Киплинг – «английский писатель, поэт, журналист, разведчик, спортсмен, самый молодой лауреат Нобелевской премии» был масоном, состоял в масонской ложе №782 «Надежда и настойчивость»! И, естественно, его взгляды и убеждения не могли не найти отражения в его творчестве.
Оказывается, чтобы рассказать историю Маугли, показать его путь, предназначение, цели, Дмитрий Бозин использовал в буквальном смысле магические приёмы. Режиссер разговаривает со зрителем на определённом языке - спектакль наполнен символизмом, оккультными знаками, привязан к нумерологии.

Чтобы понять этот спектакль необходимо расстаться со стереотипами, ощутить всё многообразие, многогранность и тайну этого огромного мира, в котором мы живём, и в котором человек не единственный, кто наделён Разумом.
Чтобы понять этот спектакль, не нужно изображать из себя умников, лучше перечитать «Маугли». Спектакль начинается с главы «Дикие собаки» (я уже писала выше, что последовательность сцен изменена, и по этой причине время действий будет постоянно перетекать из настоящего в прошлое, будущее или наоборот). Найдите стихотворения, о которых упоминает ниже Дмитрий Бозин. И – отключите логику, включите воображение, забудьте, что вы всё про всё знаете!
Ничего вы не знаете! )
И только тогда расцветёт Огненный цветок, вы услышите Заветные слова Джунглей и тяжелую поступь Хозяина Джунглей по вытоптанным полям Бхаратпуры!
Удачной охоты!

Даже, если вы далеки от мистики и эзотерики, посмотреть этот спектакль стоит для того, чтобы увидеть:
- великолепные декорации в виде бивней и питон Каа в виде двух кожаных сеток
- роскошную погоню стада буйволов за Шер-ханом
- как Маугли спасает мать Мессуа и отца от гнева жителей деревни (сцена в клетках на высоте)
- битву Волков с Красными собаками
- историю Хатхи и трех его сыновей про вытоптанные поля Бхаратпуры
- прощальный танец Акелы

ИНТЕРВЬЮ С ДМИТРИЕМ БОЗИНЫМ

Почему Маугли играет девушка? (видела, что во втором составе есть мужчина, но, тем не менее, почему один из Маугли – женщина?)
Дмитрий Бозин: Это очень важный вопрос. Маугли играет не просто женщина, а именно Мария Михайлец. С ее голосом, руками и энергетикой. Из всей молодой команды этого театра только она и наш замечательный актер Иван Иванóвич смогли пройти в энергетическое поле Маугли. Помимо выносливой физики и эмоциональной силы, нужно было обладать еще и внутренней магией, роднящей Маугли со всеми Божествами, испытывающими его или охраняющими его в этом "Сказочном лесу".

Почему Багиры две, а Шер-ханов четыре?
Дмитрий Бозин: Спектакль построен в "Пространстве Великого Каа" Сцена его охоты, описанная в книге, как магическое действо, стала для меня ключом для определения принципа энергетического существования актеров в спектакле.
- Луна заходит, - сказал он, - достаточно ли света, чтобы видеть?
Со стен пронёсся стон, похожий на звук ветров в вершинах деревьев:
- Мы видим, о Каа.
- Хорошо. Теперь начинается танец, танец голода Каа. Сидите и смотрите.
Раза два или три он прополз, делая большие круги и покачивая головой то вправо, то влево; потом стал свивать своё мягкое тело в петли, восьмёрки, тупые треугольники, которые превращались в квадраты и пятиугольники; свёртывался в виде холмика, и всё время двигался без отдыха, без торопливости. В то же время слышалась его тихая, непрерывная жужжащая песнь. Воздух темнел; наконец, мрак скрыл скользящие изменчивые кольца змеи; слышался только шелест её чешуи...
И еще одна важная составляющая - ритуальная основа масонских посвящений - готическая вершина, следование за целью, готовность расстаться со многими своими жизнями. Киплинг был посвященным масоном. Этот факт спровоцировал меня использовать символ пирамиды внутри важных тотемов для Маугли: Буйвол, отданный в жертву за его жизнь, и Хатхи - великий Хранитель Закона.

Почему в спектакле все «черного цвета», без опознавательных знаков, как распознать, например, кто Балу или кто Акела?
Дмитрий Бозин: "Пространство Великого Каа" в сочетании с обожженной готикой - это и основа внешнего облика спектакля. А "безликость" актеров позволяет им легче формировать пространства персонажей и перемешаться в них, изнутри формируя их энергетические поля. Нумерология, как числовое выражение энергии пригодилась мне в передаче ощущения опасности, грозящей Маугли. Кроме того, Шер-Хан состоит из героев, испытывающих Маугли, а Отец Волк и Мать Волчица - из героев, охраняющих его. Энергетическое поле Великого Хатхи формируют шесть мужчин, а поле Багиры - две женщины ( "...я пляшу со своей тенью..." - важная для меня цитата, характеризующая Багиру).

Чем обусловлен выбор музыки? Почему не этника, скажем так?
Какая роль у «дриад»? Какая смысловая нагрузка у их присутствия на сцене?
Дмитрий Бозин: Индийская этническая музыка звучит в спектакле дважды в те момемнты, когда происходит переход во времени. Другая музыка в моем внутреннем восприятии тоже глубоко природна, и пропитана энергией древних ритуалов. Молодой израильский рокер Асаф Авидан (Asaf Avidan) - замечательное энергетическое явление в современной музыкальной культуре. Его музыка начинает мой спектакль, врываясь в него голосом раненого зверя, и завершает его песней, полной чудесных внутренних осознаний, которые мы чувствуем, даже если не знаем английского. Звучит еще один молодой американский музыкант - Дейв Мэтьюс (Dave Matthews), обадающий завораживающим голосом и мышлением. Также его песню поет наш актер в тот момент, когда возникают эпитафии (в песне же герой просит могильщика не закапывать его слишком глубоко, чтобы он мог чувствовать дождь) Еще звучит Марион Уиллиамс (Marion Williams) - мощнейшая иполнительница госпел, поющая нам о смерти Христа, принося в наше пространство ощущение грядущей катастрофы. Ну и как же не ощутить, как этнические те звоны и вздохи, которыми пропитывает наш спектакль Алеся Манжа - живой композитор, рядом с нами сидящая и внимательно формирующая звуковое поле при помощи синтезатора. Она же крепко лержит строй мертвых буйволов, которые неумолимо раздавят Шер-Хана, не прерывая военного марша (Это еще одно стихотворение Киплинга - "Пехотные колонны") И тогда мятежную душу Шер-Хана примут дриады, которые затем и живут в наших лесах. Внутри каждого дикого конфликта есть внимательные духи, ожидающие - чья душа покинет тело?

(с) https://pamsik.livejournal.com/212873.html

Маугли. Доброй охоты!

Давно и нежно люблю Театр Виктюка. За последние двадцать лет видела все спектакли, поставленные Романом Григорьевичем – и практически все по много-много раз. Но время идет и Мастер, задумываясь кому оставить наследство, начал предоставлять свою сцену для работ учеников. Вот наконец и настала очередь Дмитрия Бозина – ведущего актера театра Виктюка. Для своего режиссерского дебюта Дмитрий Станиславович выбрал Маугли Киплинга. Все мы читали эту книгу, все смотрели фильмы и мультфильмы, и все привыкли считать, что Маугли это произведение для детей. Дмитрий Бозин полностью разоблачает этот миф, поставив спектакль очень жесткий, но беспредельно красивый. Спектакль о любви, дружбе, благородстве, предательстве, ненависти и вражде – одинаково сильных и у зверей, и у людей, тем более, что в спектакле полностью стерта разница между человеком и зверем. Благородное сердце может биться и в теле волка и в теле человека – предавать, изгонять и убивать могут и люди и звери. Спектакль получился очень медитативным и философским, беспредельно красивым и жестким, но вот только совсем не детским.

Маленьким мальчиком я смотрел в кинотеатре «Первомайский» дебютный фильм режиссера Никиты Михалкова «Свой среди чужих, чужой среди своих», а мужиком с проседью в бороде посмотрел в «Театре Виктюка» сугубо взрослый спектакль «Маугли. Доброй охоты», который уместнее было бы назвать «Маугли. Свой среди чужих, чужой среди своих».
Потому что эта тема там — главная (для зрителя). В ней суть конфликта пьесы, а вовсе не во взрослении, становлении и прочих слишком пафосных для меня тематиках.

Это постановка со слабо поддающимися описанию декорациями. К примеру, металлические кольца, поднимаемые вверх, обозначают присутствие питона Каа.
Артисты своими движениями подражают повадкам животных, но, конечно, без фанатизма, не так как в звериных стилях ушу.

И это, можно сказать, монохромный спектакль! Все артисты одеты в черное и по одежде не отличишь Балу от Багиры.

Кстати, в одном из отзывов прочитал, что это красочный спектакль! Не знаю под какими веществами человек надо смотреть сие зрелище, чтобы увидеть в нем яркие краски.

В нем часто звучат стихи Киплинга: на двух языках. К примеру, «День-ночь-день-ночь — мы идем по Африке» звучит по-русски, а центральное стихотворение:
«…Тогда весь мир ты примешь как владенье.
Тогда, мой сын, ты будешь Человек!»
звучит по-английски: «…you’ll be a Man my son!».

Спектакль «Маугли. Доброй охоты!» по «Книге джунглей» Киплинга — первая режиссерская работа на родной сцене ведущего артиста театра Дмитрия Бозина. В нем участвуют лесные нимфы (дриады) — для большей телесности зрелища. А так, повторюсь, «Маугли. Доброй охоты!» — эта постановка о том, как трудно понять того, кто так не похож на тебя.

В спектакле показаны:
- битва волков свободного племени с красными собаками
- погоня стада буйволов за Шер-ханом
- как Маугли спасает мать Мессуа и отца от гнева жителей деревни
- история слона Хатхи и трех его сыновей про вытоптанные поля Бхаратпуры
- прощальный танец Акелы.

Режиссер закладывал в действо различные смыслы, которые мне непонятны и/или неинтересны.
Я уже пробовал писать роман с нумерологическими, астрологическими и прочими эзотерическими смыслами. Ничего в этом важного нет.
Если Дмитрию Бозину это еще интересно, то пусть себе играется.
А что зритель? Он уносит то, что может. Само действо напряженное, словно тут не «Маугли», а «Макбет», и поэтому длится без антракта. Первые нетерпеливые зрители начали выходить лишь после истории про вытоптанные слонами поля.

Смотрела в театре постановку Мандельштам. Сначала о театре, где я была впервые. Красивое историческое здание с необычной архитектурой. Мне кажется, именно такое здание как нельзя лучше и подходит для творчества Романа Виктюка. Что касается, спектакля, Мандельштам идёт 2 с лишним часа без антракта, и это единственное, наверное, что действительно может удивить неподготовленного зрителя.
В остальном мы видим вполне понятную и знакомую по художественным произведениям картину, когда свобода духа противостоит режиму.
Роман Виктюк оживляет эту историю, придаёт ей полифоничность, многогранность, многослойность.
В Мандельштаме нет обилия привычной для спектаклей Виктюка пластики. Но здесь тоже выверено каждое движение и каждая эмоция на лице артистов. Им веришь, сопереживаешь, переносишься мысленно в начало прошлого века.
У спектакля стоит ограничение 16+. Мне кажется, его спокойно можно показывать школьникам, особенно в период изучения поэтов Серебряного Века. Отлично показано противостояние поэта и власти, человека и системы, человека и человека.

Я ещё хочу отдельно сказать спасибо за находку постановщика с плюшевыми фигурами людей, которые всегда находятся в центре внимания зрителей. Понимаешь, насколько серой массой может быть толпа и как сложно выделиться из неё и отстоять свои идеалы.

Театр Романа Виктюка знаменит своим собственным неповторимым стилем, его спектакли отличаются от всех других, которые я успела посмотреть. В каждый спектакль режиссер вкладывает свое видение того или иного произведения. Например, в спектакле "Маугли. Доброй охоты!" присутствуют две Багиры и два Каа, а сам Маугли неожиданно оказывается девушкой. Не все элементарно, Ватсон)) После спектакля остается простор для размышлений, остается много вопросов, на которые нужно найти ответы и каждый может интерпретировать увиденное по-своему. В спектакле заняты молодые актеры с отличной пластикой и физической подготовкой. Все одеты в черное, тем самым зрителям дают понять, что мир джунглей и мир людей практически ничем не отличаются (стая людей может быть так же жестока и кровожадна, как стая шакалов). Музыка и свет усиливали впечатление от спектакля. Интересная работа с реквизитом: танцы с черепами буйволов и с бамбуковыми стволами. Спектакль ультрасовременный, на мой взгляд, он будет интересен молодежной аудитории и любителям нестандартных режиссерских решений)

Неделю назад посетила спектакль "Мандельштам", но до сих пор нахожусь под впечатлением.

Я не очень близко знакома с биографией великого русского поэта Осипа Мандельштама. Знаю лишь в общих чертах. И мне кажется, что это сделало для меня спектакль еще более сильным.

С первого взгляда все крутится вокруг одного единственного стихотворения, написанного Мандельштамом в ноябре 1933 года, и предрешившего судьбу поэта.

Мы видим основные этапы в жизни поэта, после написания этого стихотворения. Как за ним пришли, сослали, попытку самоубийства, возвращение, опять ссылка и смерть. Но в спектакле все гораздо глубже. Речь идет не только об Осипе Мандельштаме. Речь идет и о других поэтах и об их отношениях с властью и о самой власти.

Сложно описать словами, то что происходит на сцене. Как тонко поставлен спектакль. Как каждое движение, каждый жест и каждое молчание актеров имеет смысл. Движение актеров по сцене... Первые пол часа ты не понимаешь, что это? зачем? почему? А потом уже не можешь оторвать взгляд от того, как они синхронно встают, шагают или садятся.

Каждый элемент декораций играет свою роль. Плакаты, которые поднимаются и падают, словно живут своей жизнью. Неопозноваемые, мягкие фигуры странных людей, которые появляются и исчезают, словно хотят что-то нам сказать. Табуретки, которые то возносят актеров, то опускают их вниз. И самое главное - распятие, находящиеся позади сцены. Оно, то освещено прожектором, то находится в темноте, то поднимается под потолок, то опускается до земли. У него своя роль. Какая? Каждый определяет для себя сам.

Диалоги Сталина или просто вождя с Пастернаком и Мандельштамом проникают в самое сердце. Они вызывают ненависть к вождю, страх перед его силой, понимание того, что никто никто не сможет ему противостоять и в тоже время уважение к поэтам, они пытаются ему противостоять, они его не бояться, они даже шутят!

Спектакль идет 2 часа без антракта и это тяжеловато, потому что с каждой минутой накал становится все сильнее, эмоции все ярче. Но так и надо. С антрактом сила воздействия была бы другой.

Подводя итог могу сказать, что спектакль не простой, для кого-то возможно будет тяжелым, но смотреть его надо обязательно!

Тамара -нел 1 февраля по приглашению moskva_lublu я посетила Театр Романа Виктюка,
где посмотрела спектакль "МАУГЛИ. ДОБРОЙ ОХОТЫ!"
Этот спектакль - первая постановка заслуженного артиста России Дмитрия Бозина,
ведущего артиста Театра Романа Виктюка.

Это спектакль поставлен по мотивам произведения Киплинга Редьярда "Маугли".

Мы все читали и смотрели многочисленные экранизации произведения
К.Редьярда, замирали при просмотре мультипликационных
лент на эту тему.

И вот Театр Романа Виктюка обратился к этому материалу,
чтобы представить свое видение произведения К.Редьярда "Маугли",
найти что то свое, новое в прочтении этого произведения.

На мой взгляд, это труппе театра, занятой в этом
спектакле удалось.

В спектакле "МАУГЛИ. ДОБРОЙ ОХОТЫ!" поднята тема взросления,
бытия человека. Человеческий детеныш, попав в стаю волков,
выжил и доказал свою зрелость через борьбу.
Герои спектакля общаются на языке духа, интуиции и воображения.
Оригинально обыграны в спектакле герои прозведения
К.Редьярда - питон Каа, Багира, Балу, Шерхан, Акела.
Металлические кольца, поднимаемые вверх и сопровождавщиеся
хором голосов артистов, почти реально дают картину присутствия
в спектакле Питона Каа.
Хорошо обыграны и другие герои при помощи реквизита спектакля.
Очень оригинально применены в спектакле черепа волов и канаты,
незаметно превращающиеся в качели, подставки.
Артисты, занятые в спектакле, мастерски владеют своим телом, почти
"звериной" пластикой.
Пластика и ритм спектакля отсылает зрителя к ритуальному единству племени,
показывает звериную ярость и звериную нежность.
Необходимо отметить огромную творческую работу балетмейстера театра
Владимира Аносова.
Артисты, занятые в спектакле, поражают своей пластикой, умением
подражать повадкам животных.
Я бы рекомендовала посмотреть этот спектакль и молодым людям и детям.
Звук, костюмы, ритм спектакля просто завораживает.
Спасибо большое moskva_lublu, где публикуются подобные приглашения,
за возможность посетить Театр Романа Виктюка,
театр авангардный, творческий.
Зрительный зал в этом театре очень своеобразный, авангардный.
Очень хорошая акустика.
Идите в театр, идите с детьми, смотрите этот красочный, живой спектакль.

Премьера в Театре Романа Виктюка: спектакль "Мандельштам".
"Они придут и постучат в нас" (С)
Спектакль поставлен по пьесе американского драматурга Дона Нигро, который никогда не был в России, он очень увлечен русской литературой. Произведение основано на документальных фактах биографии Осипа Мандельштама и Роман Виктюк впервые знакомит российских зрителей с ним.

Всегда тяжело обращаться к этому периоду истории нашей страны. Сколько чудовищных событий происходило тогда, но находились люди, которые творили даже в такое страшное время. В судьбе Осипа Мандельштама словно в зеркале отразилось все то, что происходило в стране: травля, преследование, ссылка, слежка, доносы.

На сцене минимум декораций: стальной короб, множество металлических щитов с фотографиями пострадавших во время репрессий поэтов и писателей, деревянные табуреты. И разноцветные куклы - это люди, жизнь которых уничтожалась при малейшем подозрении. В течении спектакля они то поднимались, то опускались и это было очень страшно и символично. А в момент когда с потолка посыпались черные "люди" у меня просто перехватило дыхание. Огромные железные щиты, которыми была завалена вся сцена, с фотографиями жертв репрессий, сделанные в застенках, с грохотом падали из рук актеров, заставляя каждый раз вздрагивать зрителей.

Очень интересно, что авторы спектакля не стали наделять Сталина (Александр Дзюба) "тараканьими усищами". Когда диктатор начинал говорить, хотелось встать и вытянуть руки по швам, а когда он начал крутить китель над головой, "верша" судьбы простых людей, кровь стыла в жилах. Даже от веселой песенки про голубей не стало веселее; ведь по сути для Сталина не было разделения голуби это или люди: он легко уничтожал и тех и других. Прекрасная игра: тяжелый взгляд, выверенные и скупые эмоции, резкие движения. БРАВО!
Перед зрителями предстают два ярких представителя своего времени: Борис Пастернак и Осип Мандельштам. Они -совершенные противоположности, словно два берега реки: Пастернак рассудительный, понимает в какое время живет, знает когда лучше промолчать и Осип Мандельштам, живущий в мире своих стихов, которые ему нашептывают голоса, и он совершенно не готов подстроится или мимикрировать под сложившуюся в стране обстановку, "стихотворения так устроены, что они не желают молчать". Осипу Мандельштаму даже не нужен стол, чтобы сочинять стихи, они просто живут в голове. Пастернак понимает, что после похвалы Сталина "словно черный паук поселился у меня в голове и перекрыл дорожку..." В этом спектакле фигура Пастернака довольно противоречива: кажется, что он предал своего друга в телефонном разговоре со Сталиным. Кстати, существует несколько версий этого разговора и в спектакле представлена одна из них. На мой взгляд, Пастернак много сделал для своего друга: он пытался его образумить. просил за него у Сталина, даже после ссылки готов был пустить его пожить в свой дом. Думаю, каждый зритель, пришедший на спектакль, сделает собственный вывод об этом. Но не стоит забывать что это было за время. Осип Мандельштам, всю жизнь изучавший труды Данте, считал, что "нижний круг ада находится в России и я там побывал".

Авторы спектакля представили Осипа Мандельштама (Игорь Неведров) то ли сумасшедшим, то ли юродивым, потому как не было в нем ни осторожности, ни осмотрительности. Он то ли порхает бабочкой, то ли ходит по горячим углям. А может быть это и есть та великая сила, которая есть внутри у человека, внутренний стержень, собственный путь, по которому человек готов пройти до конца, но не изменить своим убеждениям? Мандельштам предпринимает попытку написать хвалебную оду Сталину, но получаются все те же "толстые пальцы, как черви" и "тараканьи смеются усищи". Трудно сказать, каким на самом деле был Осип Эмильевич. Весь спектакль сыгран актером на высокой ноте, на разрыв аорты. БРАВО!

Держать эмоции при себе, даже мимикой лица не позволять себе выражать мысли, которые крутятся в голове - это не менее трудно, чем "выбрасывать" эмоции в зал. Борис Пастернак (Прохор Третьяков) в постановке именно такой. БРАВО!

Спектакль тяжелый, нервный и совсем не развлекательный. Два часа в напряжении, на нерве - это с одной стороны тяжело, а с другой стороны дорогого стоит. В современном мире не каждый режиссер способен на это. Сцена находится в двух шагах от зрителей и когда грохочут железные щиты или двигаются тряпичные куклы становится по настоящему страшно. Особенно тревожно за актеров, которые реально рвут себе сердце, пытаясь передать свои эмоции зрителям. Думаю, этот спектакль относится к постановкам, которые нужно смотреть не один раз, чтобы хотя бы попытаться прожить жизнь героев в эти два часа.

"МАНДЕЛЬШТАМ"

Есть такие особенные люди, которые слышат голоса. Не все они – поэты. Но все настоящие поэты слышат голоса. Они для этого рождены, они для этого устроены. Голоса важно не только слышать, но и выпускать в Мир, сообщать Ему, Миру, то, что говорят голоса. Настоящие поэты – проводники Божьего присутствия и благословения, они есть во все времена, потому что Бог не оставляет людей. Не оставляет даже тогда и особенно тогда, когда к власти – земной – приходит Дьявол.
Кто мог бы в наше время захотеть рассказать эту историю, историю противостояния Бога(человека) и Того, чье имя нельзя называть (а имя может быть любое)? Кто мог бы посметь это сделать, когда люди стали не только забывать, что такое Большой террор, но и, кажется, оправдывать его?
Есть великие режиссеры, да.
Но Роман Виктюк – один. Один в поле воин.
Один со своей командой, он сделал спектакль на таком Нерве, на выкрике до самого Неба, что, придя на премьеру спектакля «Мандельштам» со своей семейной историей, я думала – кто услышит его? Я, у которой дедушка погиб в Гулаге, а бабушка «отмотала» полный срок, как «жена врага народа». Еще горстка людей, которые знают Правду. Эдвард Радзинский, в этот раз – в роли зрителя. Но остальные? Те, которые время от времени что-то находили смешным, эксцентричное «поведение» Осипа, должно быть? Те, кто не пришел сегодня, но, может быть, придет завтра? Поймут ли они, о чем тут речь? Я не говорю о том, что трудна сценография – она как раз очевидна. Но те, которым 25 – поверят ли они, что такое возможно?..Возможно было?..
И поэтому я пишу этот отзыв. Это самое малое – и самое большое, что я могу сделать, чтобы отблагодарить Театр, который создал памятник Осипу Эмильевичу Мандельштаму и всем другим поэтам, замученным во время сталинских репрессий.
В Москве, на пересечении Старосадского переулка и улицы Забелина установлен памятник Осипу Мандельштаму. Здесь, в квартире брата неподалеку, жил какое-то время Осип. Выходил погулять по Ивановской горке, смотрел на купол Ивановского монастыря и думал, должно быть, о Флоренции, кормил голубей.. слышал голоса.. и записывал их, посланников Божьих. И есть негласная традиция – читать рядом с памятником стихи. Читать шепотом, про себя, всей улице, главное – читать стихи, если сердце просит. Согревать душу Осипа Эмильевича и свою.
Прочитаем и мы – для начала.

"Дождик ласковый, тихий и тонкий,
Осторожный, колючий, слепой,
Капли строгие скупы и звонки
И отточен их звук тишиной.
То - так счастливы счастием скромным,
Что упасть на стекло удалось;
То, как будто, подхвачена тёмным
Ветром, струя уносится вкось.
Тайный ропот, мольба о прощеньи;
Я люблю непонятный язык!
И сольются в одном ощущеньи
Bся жестокость, вся кротость, на миг.
В цепких лапах у царственной скуки
Сердце сжалось, как маленький мяч:
Полон музыки, музы и муки
Жизни тающей сладостный плач!"

Иосиф Мандельштам, человек, познавший «пьяный воздух» свободы, учившийся в Сорбонне и в Гейдельбургском университете, - и Иосиф Сталин, чья персона в комментариях не нуждается. Вот и весь сюжет спектакля.
Маленький, отчаянный, нежный, неуравновешенный, бесшабашный, чувствующий Человек.
И бесполый, бесстрастный Великий Паук, в чью сеть попала букашка, не желающая покориться и «подлизать зад».
В пьесе есть «посредник» - Борис Пастернак, силящийся уберечь сизого голубя Мандельштама от исполинской машины уничтожения, но что может он, когда машина приведена в действие, а Хозяин задет непослушанием? Букашка-голубь написал стихотворение «Горец», то самое, в котором "мы живем, под собою не чуя страны, наши речи за десять шагов не слышны.."
Букашке суждено пройти свой Крестный Путь до конца. Путь, о котором он знал, Путь, которого не хотел, но должен. Потому что..ну вы помните..истинные поэты слышат голоса.. «Не моя воля, Боже, но Твоя.»
Чаша и в этот раз не была пронесена мимо.
Осип прошел все круги. Отказ печатать его, невозможность заработать на жизнь, нищета, ссылка в Воронеж:
«Пусти меня, отдай меня, Воронеж:
Уронишь ты меня иль проворонишь,
Ты выронишь меня или вернешь,-
Воронеж - блажь, Воронеж - ворон, нож.»

Медленное помешательство. Второй арест – и ссылка на Дальний восток. Немыслимые телесные страдания, распад физической оболочки, еще больший распад психики. В пересыльном лагере выгнан из барака, питался отбросами, ночевал рядом с помойными ямами, но продолжал писать стихи. Умер на улице, его тело нашли весной и похоронили в общей могиле.
Дата смерти предположительно 27 декабря 1938 г.

Этот Путь прошел не только он.
На сцене "лежат" поэты. Их тела, их души? Фотографии из застенков на больших щитах. Я рассмотрела только Гумилева, он был одним из первых, по которому проехал Молох. Но были:
- Театральный режиссер Всеволод Мейерхольд, расстрелян в 1940 г. Сталину не понравился его спектакль. Зверски убита (17 ножевых ранений) его жена Зинаида Райх. После ее смерти в квартиру въехала любовница Берии.
- Блестящий генетик Николай Вавилов. После многочисленных страданий умер в саратовской тюрьме в 1943 г, похоронен в ящике из-под картошки.
- Ныне почти забытый поэт Николай Клюев расстрелян в Томске в 1937 г. на Кашдачной горе, тело свалили в овраг с другими телами. Где покоятся его останки – неизвестно. Николаю было 53 года, так же, как и Осип, никакой опасности он не представлял, жил в страшной нужде и продолжал писать стихи до того момента, пока «не исчез».
- Поэт и сценарист Вольф Эрлих, друг Есенина, расстрелян в 1937г.
- и дальше..бесконечный список имен.
Это были букашки. Букашки-голуби с выдающимся интеллектом и талантом, смевшие мыслить.
Почтите их память.

В конце спектакля «умерший» Сталин опять звонит Борису (Пастернаку), но мертвый Осип ему говорит: ты умер, тебя нет.
И «глас»…Демона раздирает зал:
Я ЖИВОЙ!!!

ОН – ЖИВОЙ??

Спектакль "Крылья из пепла" по пьесе современника Шекспира Джона Форда, я успела вкратце ознакомиться с ней до просмотра. И если бы не это, идентифицировать действующих лиц, их взаимоотношения и что было исходно, а что привнесено, было бы затруднительно, ибо очень многое опущено, а остальное весьма вольно изложено. Действие пьесы происходит в Италии, в Парме, что традиционно для времени жизни драматурга. И она вполне в шекспировском духе, только перевод немного странный, возможно, стилистически неточный, но у Виктюка тоже именно он звучал. Однако сюжет вполне трагический и театральный: сестра и брат любят друг друга, Аннабелла беременна, но, пока никто ничего не подозревает, ее выдают замуж за аристократа Соранцо. Обман вскрывается, Соранцо в гневе строит планы мести, Джованни (брат) в итоге убивает Аннабеллу, чтобы закончить ее мучения, потом убивает кучу других людей и, наконец, самого себя. На самом деле там еще несколько сюжетов есть и убийств, но это все в постановке опущено.
С самого начала я принялась разгадывать этот спектакль. Сюжет английского автора про Италию, звучит французская песня, а актеры одеты в стилизованные под восточные наряды. Почему? Ну, про наряды у меня есть гипотеза, все остальное осталось загадкой :) Музыки в спектакле очень мало, и она своеобразная, рваная, потому что режиссера вдохновляло творчество композитора-минималиста Джона Кейджа. Французская песня подходит по смыслу, но по стилистике - сомневаюсь. Далее я начала разгадывать очередные загадки. Почему актеры странно двигают руками и головой, как бы дергаются, и вообще у них движения неестественные? Почему они говорят четко, отрывисто и с пафосной интонацией? Так читают стихи обычно, когда хотят спародировать высокий стиль. В общем, у меня есть версия. Это театр марионеток! Это спектакль про спектакль. Иначе я никак не могу это объяснить. А с этой версией все становится на свои места: и ломаные движения, даже когда герои обнимаются, странно воздетые руки и резко опускаемые головы (нитка провисла), стиль декламации (вот, они именно декламируют!) и даже костюмы. В основном все в стеганых юбках до пола, есть и другие элементы, но они минимальны. Так вот, это же просто: кукол-марионеток (если бы это были настоящие куклы) удобнее всего нарядить в юбки! Как только у меня возникло подозрение, все стало намного яснее. Кроме одного: что символизирует собой этот театр марионеток? Вот метафору с крыльями, по одному на брата, очень даже понимаешь и принимаешь: без меня тебе любимый мой лететь с одним крылом.
Читаем программку: "Виктюк транслирует в спектакле идею, которая вот уже много лет является одной из центральной в его творчестве - полное и окончательное постижение жизни может произойти только через уход от бренности мира - в вечность и свет, в небесную - противоположную греховной земной - любовь. А любить самой чистой любовью могут только те, кто сохранил в душе невинность и чистоту ребенка... Героев ведет - только Игра, в которую они входят без постороннего умысла и через которую они постигают бытие, - постигают ощущением надвигающейся смерти". Вы знаете, я готова согласиться, что все это можно прочитать в пьесе. Но в спектакле?.. Не знаю... Но может, тут можно найти намеки на разгадку марионеток?.. В игре как постижении жизни и смерти?..
Пьеса многосюжетная, пожалуй, захватывающая, намного просторнее, ярче и уж точно целостнее спектакля. В данной интерпретации у меня было больше вопросов и недоумения, чем удовольствия. Я не поняла, верны ли мои догадки и что хотели сказать авторы этой постановкой. Смотрите сами, если вы любите авторские неординарные спектакли, и разгадывайте!

"Крылья из пепла" - постановка трагедии английского драматурга начала XVII века Джона Форда, оригинальное название "'Tis Pity She’s a Whore - "Как жаль, что она шлюха". Это очень специфическая история - о силе любви, только вот влюбленные тут - брат с сестрой... Отсюда все сложности и перипетии сюжета. Надо сказать, что лучше бы заранее ознакомиться с пьесой, потому что постановка, конечно, по ней, но половина героев и сюжетных линий исчезла, каких-то персонажей нет вовсе, какие-то появляются /активно/ лишь однажды, ниоткуда и исчезают никуда. Например, догадаться, что некая путана (Мария Казначеева), есть не банальная проститутка, а дуэнья Анабеллы, имеющая такое оригинальное имя - Путана (я погуглила - она и в оригинале Putana) - так вот, шансы догадаться стремятся к нулю, мне кажется. И там есть еще некоторые моменты в таком роде. Например, отец героев, Флорио (Кирилл Козуб) в инвалидной коляске, что никак не поясняется не "играет" по ходу действия. Единственное, что мне пришло в голову после прочтения пьесы (ага, я после спектакля кинулась разыскивать пьесу, ибо заинтриговали), - это что из-за "ампутации" кучи персонажей у Флорио совершенно не осталось материала, а удалить его самого все же нереально. В итоге он манекеном катается по сцене, иногда таки вступая в свои права и подавая голос. Ну или можно предположить, что низведя его в положение недвижимого инвалида обозначили его отцовские способности к воспитанию и вниманию к детям... А вот к каким-то моментам пьесы отнеслись весьма бережно - одно решение сцены, "заданное" фордом, чего стоит: сцена по замыслу автора разделена на верхнюю и нижнюю части так, чтобы находящиеся наверху могли незаметно наблюдать за теми, кто внизу.
Но попробую все же о спектакле в целом. Он абсолютно "виктюковский", невероятно красивый, со специфическими ходами и приемами, с той особенной манерой почти декламировать текст. Очень здорово оформлен - как декорации, так и костюмы невероятные и прекрасные одновременно. Интересно поставлен свет. Музыки мне, если честно немного не хватало. Хотя она была.
Главные герои, брат с сестрой, Джованни (Игорь Неведров) и Анабелла (Анна Нахапетова). Анабелла совершенно чудесная, очень понятно, как в нее влюбляются молодые люди :)
Не могу сказать, что этот спектаклем станет моим любимым в театре Виктюка. Но что он очень красив и весьма интересен - факт.
Резюме - смотреть!

Р. Виктюк поставил спектакль «Крылья из пепла» по пьесе Джона Форда «Как жаль ее развратницей назвать», в которой рассказывается о трогательной и трагической любви брата и сестры. Наверное, Форду, как и Марлоу, очень не повезло. Трудно конкурировать с гением. А в одну эпоху с ними творил Шекспир. Тем не менее, пьесы драматургов-елизаветинцев на русский переведены, и даже спектакли иногда по ним ставятся. Не часто. Поэтому постановка Виктюка тем более ценна.

Участвовали в спектакле в основном молодые актеры и они были очаровательны. Тем более, что персонажи были от зрителей буквально на расстоянии вытянутой руки, а я сидела на первом ряду.

Большой респект художнику по костюмам Елене Предводителевой. Никогда не думала, что мужчина может хорошо выглядеть в длинной стеганной юбке. Как выяснилось, я ошибалась. Кстати, рабочие сцены там тоже в юбки одеты. Черные. Вот это меня совершенно покорило. Люблю перфекционистов.

По теме спектакля. Меня давно интересует проблема инцеста, поэтому я априори буду сочувствовать людям, попавшим в такую ловушку. К сожалению или к счастью, любовь – это такая штука, которой нельзя управлять. Ну, не получается. Что интересно, к Анабелле и Джованни также относится не только автор пьесы, но и режиссер спектакля, о чем говорит само его название. «Крылья из пепла». Что-то возвышенное, легкое, чистое и одновременно неживое. Любовь и тлен. Страсть без надежды.

Кому рекомендую смотреть. Во-первых, поклонникам творчества Романа Виктюка. Спектакль яркий и талантливый. Во-вторых, тем, кто любит авангардный театр.