Если вам удобнее слушать, а не читать, мы записали подкаст об истории кино
Google Podcasts | Castbox | Apple Podcasts | Яндекс |
Когда речь заходит о Голливуде, первое что приходит на ум — крупнобюджетные фильмы, толпы кинозвезд и гигантские киностудии, штампующие фильм за фильмом.
Большая часть этих ассоциаций родилась в период с 20-х до 50-х. Как только в кино появился звук, а публика услышала голоса актеров и записанный саундтрек, попутно наслаждаясь звуковыми эффектами, кино заняло главное место в поп-культуре, предназначенной широкой публике и заточенную под коммерческий успех.
Голливудский кинематограф доминировал в эпоху немого кино, и когда в кино появился синхронный звук ситуация не изменилась. Возникли новые большие студии, каждая со своим стилем и кинозвездами. До Джорджа Клуни и Дженнифер Лоуренс, мир смотрел на Кларка Гейбла и Джанет Ли. Технологии кино также не стояли на месте, и киноиндустрия способствовала их развитию. Так, в кино пришел цвет, а кадр стал широким — нововведения, использующиеся до сих пор.
После обвала биржевого рынка в октябре 1929 года, большая часть американской экономики серьезно пострадала. Большая часть, но не Голливуд. На пике Великой депрессии в 1933 году примерно четверть всех американцев были безработными, и миллионы людей сводили концы с концами. Кажется, что кино — это последняя вещь, на которую люди будут готовы потратить с трудом заработанные деньги. Однако, Великая депрессия — это лучшее, что произошло с американской киноиндустрией.
Крупные киностудии выпустили в 20-е и 30-е годы больше фильмов, чем за любую другую декаду. Выходило примерно по 800 фильмов в год — для сравнения сейчас в год выходит примерно 500 фильмов. Сходить в кино было намного дешевле, чем пойти на концерт в филармонию или в театре на спектакль. Таким образом, кино стало главным местом эскапизма от гнетущей реальности — оно давало людям иллюзию, что все будет хорошо.
Иллюзия была крайне соблазнительной для тех, чья ежедневная жизнь была невыносимой, скучной и тяжелой. Жанровое кино стало популярным — публика полюбила фильмы о бандитах, мюзиклы, вестерны и пошловатые комедии. Пришло торжество жанров, которые отвлекали внимание людей от их безнадежности и показывали торжество американских ценностей — высоких амбиций, оптимизма, стойкости и смелости.
На пике золотого века, всем в Голливуде управляли 5 киностудий. Все пять студий были строго иерархичными, как и в эпоху немого кино. Каждая студия специализировалась на определенных жанрах и имела своих кинозвезд.
Первой была Metro-Goldwyn-Mayer или MGM — самая крупная студия 30-х годов. Ею управлял Луис Барт Майер вместе со своим бизнес-партнером Ирвингом Тальбергом. В этой паре Майер был подкованным бизнесменом — он утверждал бюджеты, курировал распространение фильмов и маркетинг. Тальберг был бывшим продюсером и следил за производством фильмов: от сценария до монтажа. Вместе они делали лощенные крупнобюджетные мюзиклы, комедии, мелодрамы и адаптации известных книг, не скупясь на декорации, костюмы, массовку и крупных кинозвезд. Среди их фильмов «Волшебник страны Оз», «Унесенные ветром», «Мятеж на “Баунти”».
Второй студией была Paramount Pictures, у которой была репутация самой европейской киностудии, потому что они переманивали режиссеров из Германии и Великобритании. Paramount также давала кинематографистам больше творческой свободы. Это студия создала такие кинохиты как «Шанхайский экспресс», «Знак креста» и «Марокко».
Третья студия, Warner Brothers, позиционировала себя как студия рабочего класса. Они выпускали низкобюджетные мелодрамы, грубые фильмы о бандитах, вроде «Врага общества» с Джеймсом Кэгни, и мюзиклы. Например, «Парад в огнях рампы» с той же звездой — Джеймсом Кэгни.
Четвертой студией была 20th Century-Fox, которая прославилась своим главным режиссером. Им был Джон Форд, который фильм за фильмом собирал Оскары, пока кинозвезда Ширли Темпл пела и танцевала в фильмах 20th Century-Fox.
И последняя, пятая студия, RKO Pictures. Она прославилась очень популярными мюзиклами с Фредом Астером и Джинджер Роджерс. У RKO было много успехов: от глуповатой комедии Говарда Хоукса «Воспитание крошки» до «Кинг-Конга» и легендарного «Гражданина Кейна»
Пять студий доминировали на рынке, и это были студии полного цикла: производство, распространение и показ фильмов — они контролировали весь процесс. Так было до 1948 года, когда Верховный суд США и приход телевидения обозначил точку невозврата.
В судебном иске, известном как США против Paramount Pictures, государство настаивало, что крупные студии нарушают антимонопольное право. Владея и кинотеатрами, и студиями, компании создали несправедливые для рынка монополии, которые уничтожают конкурентных дух. Верховный суд признал правоту государства и постановил раздробить крупные кинокомпании. Студии были вынуждены продать сети кинотеатров и сосредоточиться только на производстве и распространении фильмов. Голливуд еще примерно 10-15 лет продолжит доминировать на мировом кинорынке, но захват полного контроля над рынком был остановлен. К чему это привело, мы узнаем в следующей лекции.
Золотой век Голливуда привнес несколько нововведений в кинематограф, включая цветную пленку. Кинематографисты экспериментировали с цветом со времен появления кино. Ранние техники включали раскрашивание кадров вручную — трудоемкий и рутинный процесс, который нужно было повторить с каждым кадром в каждом фильме и во всех его копиях. Такие трудозатраты были крайне невыгодными. В течение нескольких следующих десятилетий инженеры искали способы окрашивать пленку проще.
Во-первых, они использовали трафареты, чтобы красить кадры гораздо быстрее. Второй способ заключался в том, что пленку погружали в краситель, чей цвет соответствовал настроению сцены. Красный цвет означал насилие, сине-голубой — печаль, зеленый — гармонию и надежду. К концу 20-х годов примерно 90% всех голливудских фильмов были раскрашены первым или вторым способом, или их комбинацией.
Это выглядело не так уж плохо, за исключением одного — цвет в кадрах смотрелся крайней неестественно. С приходом звуковых фильмов, процесс окрашивания кинопленки вредил записанному на пленку звуку. Поэтому перед кинематографистами стояла задача: как записать цвет сразу на пленку.
В 1861 году шотландский физик, Джеймс Максвелл, заложил фундамент цветной фотографии. Он знал, что весь свет вокруг нас — это спектр волн разной длинны, часть из которых мы воспринимает как тот или иной цвет. Зная это, Максвелл предположил, что все цвета могут быть получены из комбинаций красного, желтого и синего. С 1906 года, художники и инженеры на протяжении 15 лет пытались воспользоваться идеей Максвелла, чтобы запечатлеть цвет на пленку. К сожалению, у них был провал за провалом — эксперименты были либо слишком дорогими, либо безрезультатными.
В 1922 году возникла корпорация «Техниколор», чей первый успех был в создании особой камеры, расщепляющей поток света так, что снятое изображение было в двух разных негативах. Свет попадал внутрь камеры и расщеплялся на два потока с разным интервалом волновой длины — похожий эффект возникает, когда солнечный луч попадет на прозрачную призму и расщепляется на цвета радуги. Два негатива, выдаваемых камерой, проходили химическую обработку, окрашивались в красный или синий цвета, и накладывались друг на друга. Финальную, сдвоенную пленку, можно было запустить на обычном проекторе и получить цветную картинку. Несмотря на недостатки технологии, цветопередача у такой пленки была гораздо лучше и надежней по сравнению с другими способами. В то время как подобные камеры были дорогими, кинотеатрам хотя бы не нужно было покупать новые проекторы, чтобы показывать цветное кино.
В следующее десятилетия, компания «Техниколор» улучшит технологию, и их камеры станут расщеплять оригинальное изображение на три негатива — красный, синий, и зеленый. К 1932 году качество цветопередачи будет настолько хорошим, что «Техниколор» будет монополистом в области цветного кино последующие 20 лет. На протяжении 30-х годов, кинематографисты и студии постепенно начнут прибегать к услугам компании. В середине 30-х годов, продюсер Дэвид Селзник первым начнет снимать больших кинозвезд в цветном кино. А к концу 30-х, Голливуд выпустит несколько крупных цветных хитов, а технология прочно утвердиться в киноиндустрии.
Спектр фильмов, снятых при помощи технологии «Техниколор», очень широк: от «Приключений Робина Гуда» до киноклассики: «Волшебник из страны Оз» и «Унесенные ветром». Даже анимационные фильмы Диснея, «Белоснежка» и «Пиноккио», сняты в цвете. Развитие цветной кинематографии будет продолжаться все последующие годы, но основа была заложена именно в 30-е. Так будет продолжаться до XXI века, когда цифровые камеры начнут вытеснять пленочные.
Еще одним нововведением кино, родившемся эпоху 30-х годов, станет стандартизация соотношения сторон экрана. Соотношения сторон — это пропорция ширины экрана к его высоте. В 1932 году Академия кинематографических искусств и наук — те самые люди, которые выдают Оскары — ввели стандарт 4:3. Сегодня большая часть фильмов снята в другом соотношении — 16:9, которое называется широкоэкранным соотношением. Однако, это всего лишь два соотношения из множества вариантов.
В 50-х годах, некоторые кинематографисты экспериментировали с очень широким изображением, которое придумала компания «Синерама». Для съемки фильмов они использовали 3 синхронизированные между собой камеры, а их фильмы показывались с 3 синхронизированных проектов. Своей формой экран напоминал панорамную арку, которая по задумке почти охватывала публику с 3 сторон. Таким образом, кинематографисты хотели создать условия для наиболее глубокого кинопогружения. Соотношение сторон, которое они использовали было 2,6:1, а самый известный фильм, снятый в такой технике — это масштабный вестерн «Как был завоёван Запад». Как вы уже могли догадаться, такое кинопроизводство было слишком сложным и дорогим, чтобы добиться массового признания.
Помимо попыток «Синерамы», была компания «Синемаскоп». Вместо того, чтобы снимать на несколько камер, они использовали анаморфотные объективы. Такие объективы — это специальная оптика, которая позволяла записывать широкое изображение, сжимаемое до стандартного кадра 35-миллиметровой пленки. Чтобы показать такой фильм, на проектор также ставилась анаморфотная оптика, расширяющая изображение, которое было сжато в кадре. Эта технология использует соотношение сторон 2,55:1. Публика впервые увидела новую технологию в библейском эпосе «Плащаница», вышедшем в 1953 году. К концу этого года, каждая крупная студия в Голливуде, кроме Paramount, купила лицензию на производство фильмов по технологии «Синемаскоп». Со временем, соотношение сторон сократилось до 2,35:1, а с середины 50-х годов американская киноиндустрия почти полностью перешла на съемку анаморфотных широкоэкранных фильмов.
Кинематографистам пришлось переучиться для широкоэкранных съемок. Когда соотношение меняется от 4:3 к 16:9, в кадре появляется много пустого места, которое нужно заполнить. Крупные планы, особенно крупные планы лиц, становится сложно кадрировать, зато снимать пейзажи в таком соотношении намного проще. Самые первые широкоформатные фильмы отличались новой композицией кадра и долгими планами вместо частых монтажных склеек. Кинематографисты предпочитали разворачивать сюжетную историю внутри одного кадра. Такие жанры как вестерн, мюзикл и эпические исторические фильмы активно использовали и развивали новый формат изображения.
В конце концов, усовершенствование звука, цвета и новое соотношение сторон, сделало Голливуд центром киноиндустрии с конца 20-х до конца 50-х годов. Это был его золотой век, эхо которого до сих пор присутствует в современных фильмах.
Сегодня мы узнали о том, как американская система киностудий воспользовалась технологией синхронного звука и Великой депрессией, чтобы захватить мировой кинорынок. Мы затронули развитие цветовой кинематографии, стандартизацию соотношения сторон экрана и то, как новые технологии все глубже погружали людей в иллюзию реальности. Следующая лекция будет о том, как кинематографисты в Европе и США реагировали на клишированные голливудские фильмы и создали новую волну — новаторское, грубое и правдивое кино.
