Отзывы о "Школа драматического искусства"

Спектакль очень красивый, и под внешней оболочкой светской комедии скрывается настоящая древнегреческая трагедия.
Очень интересно играют все актеры – и хитроумно-зловещая маркиза де Мертей (Ольга Баландина), и виконт де Вальмон (Олег Малахов), и госпожа де Турвель с двумя школярскими пучками на аккуратной головке (Ольга Бондарева), и повидавшая виды мадам де Розмонд (Мария Зайкова). И очень хороша наивная влюбленная пара Сесиль и шевалье Дансени (Дарья Рублева и Федор Леонов) – таких обмануть не сможет только ленивый, и их обманывают на все лады. И особой изысканности действу придает игра струнного квартета под управлением Ольги Мохначевой – музыканты, одетые в старинные наряды, сопровождают постановку музыкой Моцарта, Шуберта и других. Вот такое изысканное и сложное действо с трагическим подбоем предложил зрителю режиссер Игорь Яцко.
Было очень интересно, спектакль вызвал сильные чувства.

Знаете, бывают такие китайские драгоценные изделия – резной узорный шарик из слоновой кости, внутри которого крутится еще один резной шарик, внутри которого еще несколько… Все вырезаны искусным мастером один внутри другого, все свободно вращаются, на всех разный узор. Спектакль «Турандот» - это именно такой шарик из множества узорных оболочек, просвечивающих насквозь.

Его многослойность просто невероятная. Актеры хулиганят, нарушая привычную субординацию: еще перед спектаклем, в холле театра, на балкончике появляется исполнитель роли Тартальи и поет романс. Потом, уже в зале, хулиганит исполнитель роли Панталоне, а когда режиссер Глеб Черепанов пытается выступить перед зрителями со стандартной речью, то актеры его буквально прогоняют со сцены (конечно, это тоже сценический прием, но выглядит очень забавно и веселит зрителей). Во время спектакля несколько раз выходит из своей роли Людмила Дребнева, исполняющая роль Турандот – она делится со зрителями своими воспоминаниями о театрах и коллегах-актерах.

Сюжет сказки о злой и насмешливой принцессе, задающей женихам трудные загадки, чтобы казнить их за недогадливость, наверное, всем известен. Но здесь сюжет – это только нить, на которую нанизывается множество других историй.

Фактически это спектакль о самом театре, о его текучести, изменчивости, условности. Здесь много отсылок, половину из которых я, вероятно, даже не могу разглядеть. И к знаменитому спектаклю Вахтангова, и к венецианскому карнавалу, и к нарочито неверному, средневековому представлению о Китае и Азии в целом, и к народному театру-балагану (например, когда по сцене бродят сразу несколько карикатурных казненных принцев с отрубленными головами). Это то, что сам Вахтангов называл фантастическим реализмом – когда реальность и фантазия так перемешаны, что невозможно отделить одно от другого.

И великолепная Людмила Дребнева здесь играет женщину без возраста, женщину, как вечную загадку и неразгаданную тайну – ей может быть и 15 лет, и 30, и 70...

В итоге получился спектакль-праздник, спектакль-балаган! Яркий, шумный и немного бестолковый, как и полагается любому празднику!

Спасибо за этот спектакль актерам, режиссеру и всему творческому коллективу театра! Мы, зрители, были рады и счастливы отпраздновать этот чудесный праздник вместе с вами!

Спектакль "Опасные связи".

У режиссера Игоря Яцко (Заслуженный артист РФ) классическое произведение получилось очень свежим и невероятно красивым. Здесь сделана довольно крупная ставка на визуальной составляющей и она, несомненно, сыграла. Также режиссер добавил выдержки из пьесы Леонида Филатова из сборника "Опасный, опасный, очень опасный", поэтому не удивляйтесь, когда герои вдруг начинают говорить в стихах.

Достичь такой красоты на сцене смогли художник спектакля (тоже Заслуженный) Николай Симонов и художник по костюмам Евгения Панфилова. Облачения героев - это просто песня! Это огромное наслаждение для глаз, но при этом абсолютно гармонично вписывается в происходящее и не ставит перед собой цель отвлечь от происходящего на сцене.

Все персонажи спектакля очень яркие. У каждого есть какая-то изюминка, которая цепляет зрителя. Все актеры блестяще справились с задачей запомниться, даже второстепенные герои. Я даже не могу выделить кого-то из труппы, потому что придется перечислять всех.

И напоследок скажу три вещи. Спектакль получил премию "Звезда Театрала" в номинации «Лучший спектакль. Малая форма». Здание театра само по себе достойно посещения, так как больше напоминает музей, с необычной архитектурой, с выставками картин, панно и скульптур. И, наконец, я очень рекомендую спектакль к просмотру.

Это не классическая "Турандот", а театральная игра по мотивам пьесы Карло Гоцци "Турандот" . Именно такой анонс в афише.
До начала спектакля в фойе на одном из балконов появился канцлер Тарталья (Николай Гонтар) с песней, а когда зрители заняли места в зрительном зале, вышел Глеб Черепанов на сцену, как часто бывает на пресс-показах, со вступительным словом. В нем же он прокомментировал самодеятельное выступление актера до спектакля: "сегодня вышел, завтра не выйдет.." и внезапно получил удар по голове, а дальше "шоу пошло не так".

Что делают игрушки, когда дети засыпают, мы много раз видели в кино. А что делают актеры, когда режиссера «убрали» в подвал, можно увидеть в «Турандот». Я толко после узнала, что премьера приурочена к юбилею заслуженной артистки РФ Людмилы Дребневой – ведущей актрисы ШДИ, служащей в нем со дня основания. И бенефис случился! За день до своего 70 летия Людмила Николаевна блистала на сцене. Я обожаю слушать все, что она говорит. Тембр ее голоса на меня действует гипнотически, она прям весь зал забирает в свои истории. А поскольку постановка хулиганская, то и истории из личной биографии актрисы - отдельный спектакль в спектакле. Турандот у Гоцци - 20 лет, Турандот у Черепанова - 70, и ей это только на пользу. Мудрая, красивая, сильная, независимая и такая манкая..

Еще хочется отметить Кирилла Федорова, который сыграл сразу обоих отцов. И отца Турандот, китайского императора, и отца принца Калафа. Прекрасное перевоплощение, найдены такие черты и детали в образах персонажей, что не сразу понимаешь, что это один и тот же актер.

И остальные актеры хороши. Я видела их и в других спектаклях и каждый раз это честная крутая работа. Музыкальное оформление взял на себя режиссер, и это ретро путешествие: и по волнам памяти родительских плейлистов - «Нет тебя прекрасней» Юрия Антонова, и по волнам моей памяти, что тоже уже в категории ретро - «Синенькая юбочка» и «Это здорово» Николая Носкова, в любопытных аранжировках. Хорошо поют, классно двигаются - номера ироничные, смешные, как на капустнике.
А из того, что мне безусловно понравилось - костюмы! Оригинальные, китайские в хорошем смысле этого слова, вернее по китайским мотивам, там очень много интересных эклектичных деталей, разглядывала с удовольствием.

Эта загадочная Турандот. То ли сказка , то ли быль .
Но она стала легендой в театральном мире и театры мечтают видеть ее на своих сценах, но очень давно ее не было на московских театральных подмостках . Но театра Школа драматического искусства показал осенью этого года премьерный показа этого спектакля. И сразу это вызвало шквал обсуждений, в тоже время аншлаги в дни показа «Турандот». Зрителей много и иностранных, особенно китайцев. У них свой особый интерес к ней.
Вспомним сказку сказку «Принцесса Турандот» Карло Гоцци , которую он позаимствовал у азербайджанского поэта XII века, писавшего на персидском языке. В 1712 году известный ориенталист Пети де ла Круа издал сборник персидских сказок, где она и была впервые напечатана. Позднее ее можно было встретить в собрании сказок «1001 день» и «Кабинет фей». Именно из этих книг Гоцци брал сюжет для многих своих произведений.
Китайский император Альтоум решает выдать замуж свою дочь — Турандот. О ее красоте ходят легенды, но еще более известна она своим недоверием к сильному полу. Уверенная, что мужчины лживы и неспособны любить по-настоящему, она втайне поклялась никогда не связывать себя узами брака. Но так ли все сложилось ? Мы узнаем , посмотрев спектакль.
Перед началом спектакля выступил сам режиссер Глеб Черепанов, который заявил : «Мы играем в Турандот». И игра началась.
В главной роли – китайской принцессы- играет актриса Людмила Дребнева, которая служит в этом театре с первых дней его существования.
Как и все спектакли театра Школа Драматического искусства , он немного революционен и не соответствует классическим представлениям.
Даже 20-летнюю принцессу играет мудрая и опытная актриса. Что хотел показать и сказать нам режиссер этим. Еще раз подчеркнуть мудрость красавицы Турандот ?
Неожиданно вдруг спектакль прерывается рассуждениями актеров о чем-то личном, воспоминаниями. Как бы говоря нам, что вы смотрите сказку, а вот есть еще и реальная жизнь более прагматичная, но со своими проблемами и заботами.
Спектакль наполнен музыкой, но музыкой советской, немного легкой. Кажется вначале, что она совсем не в тему. Но начинаешь думать и понимаешь, что таким образом режиссер хочет сказку связать с нашим временем. Сказочная линия 18 века перекликается и с нашим временем.
Очень яркие красивые костюмы, они как бы являются особым украшением спектакля.
Музыка, песни , костюмы, актеры становятся единым целым на сцене, сказка представляется не только с красочной стороны, но и с изнаночной.
Конечно, спорная постановка. Да спектакли этого театра никого не оставляют равнодушными. Кто-то начинает возмущаться, кто-то уходит в восторге. Но парадокс, обе стороны снова приходят в театр и жаждут узнать, что сотворили новенькое в театре!.
Посмотрите этот спектакль, но приготовьте себя к неожиданным сюрпризам и спектаклю яркому, необычному, но сказочному и красивому.

Премьера "Турандот" в театре ШДИ прошла 8 октября - в день рождения (юбилей!) исполнительницы заглавной роли. А мне посчастливилось увидеть спектакль днем ранее :)
Что мы знаем о "Турандот"? Пьеса, написанная Карло Гоцци и впервые поставленная на сцене еще в 1762 году. И вот - год 2024. Казалось бы, что мы можем увидеть нового в этой всем знакомой истории?
Режиссер Глеб Черепанов показывает нам свою версию этой сказочной пьесы, и в его интерпретации история более смешная, чем страшная, с одной стороны, и более глубокая, пожалуй, чем в первоисточнике. Самое неожиданное решение режиссера, наверное, собственно, и сделавшее этот спектакль - это выбор исполнительницы роли Турандот - это Заслуженная артистка России Людмила Дребнева. Режиссер поставил театральную игру по мотивам пьесы Карло Гоцци, а уж играть в этом театре умеют! :)
Как мы помним, Турандот - дочь китайского императора, прекраснейшая из прекрасных, жестокость и упрямство которой достигают столь же высокой степени, как и ее красота. Турандот отказывается выходить замуж, причем весьма сложным способом: претенденты на ее руку и сердце могут попытаться разгадать три загадки принцессы, но в случае неудачи им отрубают голову. И вот наконец-то приходит главный герой, принц Калаф, и тоже испытывает судьбу...
Но я забегаю вперед. Начнем с начала :) Спектакль великолепный, смешной, сплошная радость для зрителя: 2 часа без антракта пролетают незаметно. Если вы вдруг не знакомы с материалом, то воспринимать все происходящее особенно забавно: определенно комедия дель арте, итальянские маски, тут же - император Китайский, принц Астраханский, какие-то совсем уж сказочно-безумные персонажи (художник-постановщик, и по костюмам тоже — Елена Ярочкина, и она, конечно, постаралась! Я в восторге :) ), мячи (фитболы?) на сцене и начальник евнухов со шваброй, и... не хочу раскрывать всё, право - это нужно смотреть )))
Вот музыкальные номера вас удивят тоже - во-первых, живым исполнением, во-вторых, репертуаром :) Кстати, музыка начинается еще в фойе... И такое музыкальное начало очень здорово настраивает зрителей на нужный лад, на игру. Вся эта постановка - игра в театр, где можно одновременно наблюдать и за историей Турандот, и за взаимоотношениями актеров с режиссером, и услышать пару театральных историй от Людмилы Дребневой.

Для нас играли:
Турандот, принцесса Китайская —Заслуженная артистка РФ Людмила Дребнева
Альтоум, император Китайский, отец Турандот — Кирилл Федоров
Калаф, принц Астраханский — Евгений Поляков
Адельма, принцесса Татарская, любимая невольница Турандот — Анна Кузминская
Зелима, другая невольница Турандот — Анна Пик
Тимур, царь Астраханский, отец Калафа — Кирилл Федоров
Барах, бывший воспитатель Калафа — Семен Боровиков
Панталоне, секретарь Альтоума — Федор Леонов
Тарталья, канцлер — Николай Гонтар
Бригелла, начальник пажей — Кирилл Тепляков
Труффальдино, начальник евнухов — Иван Петросян

Людмила Дребнева играет юную принцессу, роковую женщину и Актрису одновременно, заставляя зал следить за этими виртуозными метаморфозами, затаив дыхание. Это ее бенефис.
Евгений Поляков - совершенно потрясающий принц Калаф, сразу понятно, почему в него принцессы влюбляются :) Кирилл Федоров сыграл сразу две роли - обоих отцов, и принцессы, и принца. Как ему это удалось - не представляю! Но если не знаешь, то и не догадаешься, что это один и тот же актер!
В общем, я могу про каждого говорить долго и восторженно, но воздержусь.
На самом деле, я уже думаю, кого бы мне надо было сводить на этот спектакль, пока билеты не стали неуловимыми - кажется, эта премьера обречена на аншлаги. Вообще рекомендую к просмотру - если вы, конечно, любите игру в театр :)

Театр «Школа драматического искусства» сделал роскошный подарок к юбилею своей ведущей актрисе Людмиле Дребневой, которая служит в нем со дня основания, а заодно и всем жителям и гостям столицы, поставив в жанре театральной игры спектакль «Турандот» по мотивам пьесы Карло Гоцци.
Переступив порог театра, вы сразу переноситесь в Поднебесную – в фойе к премьере проходит выставка под названием «Фарфоровый павильон».
А еще там же, в фойе, до начала спектакля с балкона канцлер Тарталья (Николай Гонтар исполняет песню, которую режиссер исключил из спектакля. И в зрительный зал все идут уже заряженные позитивом.
«Мы играем в Турандот», - так заявил о своем спектакле режиссер Глеб Черепанов. И как они играли!!! Это надо было видеть!!! Ярко, остроумно, задорно!
Кириллу Федорову в этом спектакле достались роли императора Альтоума и царя Тимура, схожих между собой лишь возрастом – и как-же здорово он изображал этих двух «сильных мира сего», внося в каждый образ свой, особый, комизм.
Великолепная четверка из императорского дворца – Панталоне (Фёдор Леонов), Тарталья (Николай Гонтар), Бригелла (Кирилл Тепляков) и Труффальдино (Иван Петросян) все два часа состязалась между собой в озорстве, находчивости и изобретательности, а уж какие необычные образы придумала для каждого из них художник-постановцик Елена Ярочкина!
Красавец принц Калаф ( Евгений Поляков) в своих белоснежных одеждах и с мечом, который он периодически достает из ножен, просто чертовски обаятелен и сразу же привлекает внимание зрительниц - даже не зная сюжета этой сказки, понятно, что не сможет жестокосердная принцесса Турандот перед ним устоять.
А как несказанно хороша была юбилярша в образе… принцессы Китайской. Да, да, не удивляйтесь!
«Мне показалось, что будет правильным решением, чтобы именно Людмила сыграла главную роль, потому что Турандот – все же некий миф, легенда, это такая вечная женщина, не имеющая возраста, в которой воплощаются одновременно несколько совершенно разных женских образов», - так объяснил свой выбор режиссер.
А Людмила Дребнева по ходу спектакля и сама над этим выбором подшучивала и байки из своей долгой театральной жизни нам рассказывала. Шок, который вызывает ее первое появление на сцене, проходит буквально через пару минут и зрители начинают восхищаться красотой и талантом этой удивительной актрисы – ведь недаром ее пригласил в свой театр сам гениальный Анатолий Васильев! Браво!!!
Веселый, динамичный, с красивыми костюмами и музыкой совершенно разных эпох и стилей спектакль понравится всем от мала до велика, а добрая улыбка, даже несмотря на периодическое появление на сцене обезглавленных соискателей руки Турандот, не будет сходить с ваших губ все два часа!!!
Спешите его посмотреть, что-то мне подсказывает, что как только «сарафанное радио» заработает, это будет весьма проблематично!!!

Премьера спектакля "Турандот" в Театре «Школа Драматического Искусства» .

Я жажду смерти или Турандот..

Театральную сказку «Турандот», в которой страшное идет бок о бок со смешным, Карло Гоцци написал в 1762 году. Пьеса, созданная в простом стиле комедии дель арте, по сей день интересна зрителям.

Это своего рода венецианский китч о Китае с сильно упрощенным смыслом для того, чтобы быть понятным даже непросвещенному зрителю.
Я не читала пьесу, но суть ее всем известна.
Турандот ( Ludmila Drebneva ) - это наследница китайского престола, которая славится не только красотой, но и умом. Не желая выходить замуж и презирая всех мужчин, она каждому из желающих её руки и сердца загадывает по три загадки в надежде отвадить их от этой затеи, что ей вполне удавалось до последнего времени, пока не появился прекрасный незнакомец, очарованный ею и скрывающийся под именем Калафа ( Евгений Поляков ).

Как и в любой сказке всегда знаешь, что зло должно быть наказано, а оно вдруг уже и не зло под конец, а любящая женщина, она прекрасна и величественна. И в это с трудом верится, но все остались живы, здоровы и счастливы!
Это подчеркнуто комедия масок, то есть всерьёз не должно восприниматься вообще. Откуда взялись итальянские маски при китайском дворе, значения не имеет. То есть - это маски, это просто игра.

Спектакль - очень светлый и завораживающий, часто смешной и такой милый! В “Турандот” сюжет изначально представлен как сказка, но это сказка абсолютно без магии, в ней реальные государства, реальные герои, не обладающие магическими способностями, реальные “злодеи”. Хотя по сути отрицательных героев тут и нет, единственным злодеем была сама Турандот, но меня немного подкупало в ней отстаивание своих границ, своеобразный смелый феминизм восемнадцатого века, упрощенный и комичный. Женщина - загадка, опытная, уверенная в себе Людмила Дребнёва , ее Турандот побеждает время, она не зависит от условностей, идеальный образ для бенефиса артистки.
В начале перед нами появляется режиссер Глеб Черепанов и говорит, что мы находимся на прогоне спектакля, сцена украшена в китайской тематике. Да-да интерасная задумка, спектакль поставлен в виде репетиции. Перед нами появляются артисты в ярких костюмах, звучит музыка, на экране за сценой транслируется видео.

В спектакле использован интересный прием, где артисты периодически выходят из образа, находятся здесь и сейчас, разговаривают между собой и со зрителями, а затем снова становятся персонажами пьесы.
Текст Гоцци дополняются воспоминаниями Людмилы Дребнёвой, все рассказы ее реальны, интересные случаи из жизни и работы на сцене.
Художник-постановщик Елена Ярочкина придумывает мифическую территорию, условно ее можно назвать Китаем, если
отталкиваться от Гоцци, не имеющую отношения к реалиям.
В сказочную атмосферу интересно вплетена музыка, много музыки: индийские и китайские мотивы, при этом была и живая музыка, звон колоколов, так нетипичных для Китая 18 века, эстрадные песни 90-хх, но при этом все максимально органично и уместно.

Не могу не отметить замечательную игру Федора Леонова в роли китайского старика Панталоне, Кирилла Федоров в роли императора, просто очаровали меня Адельма (Анна Кузьминская) и Зелима ( Анна Пик ) - пластичные и утонченные, Бригеллу (Кирилл Тепляков),  Труффальдино ( Иван Петросян ) - яркие, комичные персонажи, внесли свою позитивную изюминку. А какие голоса у актеров! Браво! Театр поздравляю с премьерой, а прекрасную Людмилу Дребневу с Днем Рождения!

"Турандот" в театре "Школа Драматического Искусства"

В театре "Школа Драматического искусства" премьера. И это не просто премьера, а подарок. Подарок к юбилею актрисы Людмилы Дребнёвой, работающей в ШДИ со дня его основания.
Выбрать спектакль для бенефиса Заслуженной актрисы непростое дело - спектакль должен быть ярким, запоминающимся, а у Актрисы обязательно должна быть главная роль. Парадоксальный на первый взгляд выбор сказки-фьябы Карло Гоцци, оказался стопроцентным попаданием, ведь режиссер Глеб Черепанов поставил спектакль не о кровожадной китайской принцессе и не о бездумно влюбленном в нее Калафе. Глеб Черепанов поставил спектакль о театре, и жанр спектакля определен как "театральная игра". Именно традиционный театр масок дает громадный простор для импровизаций. Актеры то входят в образы, то выходят их них, спорят между собой, обращаются к зрителям, а у зрителей возникает ощущение, что мы смотрим не готовый спектакль, а оказались на его репетиции. Жанр репетиции, жанр театр в театре как никакой другой подходит для объяснения в любви к Его Величеству Театру.
В "Турандот" в театр играют все. Художник-постановщик Елена Ярочкина несколькими штрихами создала на сцене красивую мечту о Востоке. Китайские фонарики, раздвижные ширмы, и трон одним движением руки превращающийся... в грим уборную актрисы... в dressing table принцессы...? Он превращается во что надо превращаться. От смешения стилей и жанров кружится голова, китайские персонажи спорят с персонажами итальянскими. Авторская музыка Кирилла Теплякова перемешивается с популярными песенками. И все это варится в едином котле под названием Театр. А в какие великолепные костюмы одеты персонажи! Только Турандот меняет платья шесть раз, и каждый раз ее облик и характер полностью меняется.
В спектакле всего одиннадцать действующих лиц, одиннадцать актеров, но они создают на сцене такую чудесную суету, что возникает ощущение праздничной городской площади, яркого карнавала, где каждый гость - участник.
В спектакле "Турандот" нет второстепенных действующих лиц - все главные. Но некоторые главнее других. Дебютант Иван Петросян в роли Труффальдино, начальника евнухов, запоминается буквально с первой секунды его появления на сцене. Великолепная троица масок: Панталоне (Федор Леонов), Тарталья (Николай Гонтар) и Бригелла (Кирилл Тепляков) весь вечер самозабвенно дурачатся, получая от спектакля не меньшее удовольствие, чем зрители. Барах, бывший воспитатель Калафа (Семен Боровиков) - виртуозный наперсточник и верный слуга. А какими трогательными получились у Кирилла Федорова оба отца - Тимур, царь Астраханский, отец Калафа и Альтоум, император Китайский, отец Турандот, которым великовозрастная дочка как хочет, так и вертит.
Парочка служанок: наивная Зелима (Анна Пик) и коварная Адельма (Анна Кузминская) изящны, грациозны и музыкальны.
Но самое вкусное я оставила на потом. Калаф Евгения Полякова великолепен! Именно такой мужественный красавец, превосходящий всех благородством облика, обхождения и речей, только и мог бы растопить ледяное сердце Турандот. Много раз видела Евгения Полякова в разных ролях, но в образе Калафа не узнала. Весь спектакль восхищалась и мучилась неузнаванием. В результате решила, что это приглашенный актер.
И наконец Турандот! Людмила Дребнева великолепная актриса. Великолепная и смелая. Безрассудно поверившая в режиссера, предложившего ей сыграть китайскую принцессу в семьдесят лет. Поверившую и победившую. Думаю немало зрителей пришло на спектакль из любопытства поглядеть "на старушку". Но Людмила Дребнева одной левой положила их на лопатки.
В театре "Школа Драматического искусства" появился еще один яркий, смелый, красивый и талантливый спектакль. Надеюсь, что он не исчезнет после празднования юбилея и будет радовать зрителей многие годы.

За неделю трижды побывала на Сретенке! Посмотрела спектакль мэтра Александра Огарева «Безымянная звезда» и двух молодых, но уже громко заявивших о себе режиссеров – «Грозу.Апокриф» Евгения Закирова и «Собачку с дамочкой» Гоши Мнацаканова.
Не знаю, плохо это или хорошо, но и маститые, и совсем еще неопытные режиссеры продолжают выносить на зрительский суд свое видение произведений классиков отечественной литературы.
Вот и тогдашний студент 5-го курса ГИТИСа (а сейчас уже уверенно заявивший о себе молодой режиссер) Евгений Закиров представил нам знакомую буквально дословно со школьных времен пьесу А.Н. Островского «Гроза», добавив в название своего спектакля еще и «Апокриф».
Апокрифами, как подсказала мне World Wide Web «называют литературные произведения, рассказывающие о событиях Священной истории, но не признанные Церковью каноническими».
Сам режиссер под словом Апокриф имел в виду «неканоническое прочтение канонического текста, непривычную трактовку или трактовку, отличающуюся от общепризнанной».
Да уж, постановку, которая начинается с речи Савела Прокофьевича Дикого (Федор Леонов) перед горожанами на празднике, посвященном Дню города, где про детство Катерины (ну, вы помните – «луча света в темном царстве») рассказывает Варвара Кабанова, сестра ее мужа (она же поведает нам и о том, что любимым вопросом Катерины является «Почему люди не летают так, как птицы?»), в которой все персонажи усажены режиссером за парты, где Кабаниха тихонько покуривает в сторонке, пьет вино вместе с нелюбимой невесткой и флиртует вовсю, то ли наяву, то ли во сне, с соседом (Савелом Прокофьевичем Диким), и, наконец, которая заканчивается лекцией актрисы, исполняющей роль Катерины, о драме Островского, произносимой ею у школьной доски и сопровождаемой графическими рисунками (изображает на доске схему падения своей героини с обрыва в Волгу), канонической ну уж никак не назовешь!

Но смотреть спектакль, определенный самим режиссером как «мятеж по пьесе А. Островского», было весьма любопытно.

Буквально через день я видела здесь же другую работу еще одного молодого режиссера, у которого героиня говорит о себе, что у нее уровень тревожности – «12 из 12 возможных». Так вот –такой же я увидела здесь и Катерину (Александра Лахтюхова), которая металась весь спектакль по всему огромному сценическому пространству зала «Манеж», которое режиссер использовал в своей постановке по полной программе, активно задействовав и балконы, и даже зону, расположенную за зрительными рядами (ох, и трудно же было постоянно крутить головой!)
Мне понравился в этом спектакле Тихон Кабанов (Андрей Харенко), добродушный такой увалень (и что Катерине с ним спокойно не жилось?)
Саму Кабаниху (роскошная Регина Чадова) Евгений Закиров показал как злую мачеху, готовую со света сжить свою «падчерицу», а ее родную дочь Варвару (Алина Чернобровкина) и вовсе превратил в эдакую искусительницу, наградив, для верности, змеиной пластикой.
Возлюбленный Катерины - Борис Дикой (Алексей Славкин) получился в этом спектакле ну очень уж романтично-инфантильным.
Но именно такими увидел молодой режиссер хрестоматийные образы.
Самая сильная сцена в спектакле, не оставившая равнодушным никого из зрителей, это сумасшедший танцевальный вихрь, в котором после свидания Катерины с Борисом все закружились (саунд-дизайн Дмитрий Чадов, пластика – Сергей Тонышев, художник по свету – Тарас Михалевский). Браво!!!
В целом же, именно музыки мне в спектакле и не хватило…

Недавно снова побывали в ШДИ, на этот раз — «Гроза. Апокриф».
Я люблю, когда режиссер, решив «поиграть» с классикой, честно дает это понять зрителю. Вот тут, например, из названия было понятно, что «Апокриф» в название добавлен не случайно. Апокриф — это «неканоническое прочтение канонического текста», так что любителям классической классики и не готовым к новым трактовкам сюда, наверное, и не нужно. На сайте жанр спектакля обозначен как «Мятеж по пьесе А. Островского» — и действительно, больше всего это похоже на интерпретации произведения школьников… пока учительница литературы вышла из класса :) Вроде бы текст тот, герои те же, — а смысл, характеры персонажей вовсе и не совпадают с тем, что нам в свое время втолковывали на уроках.
Кстати, ассоциацию со школьной программой усиливает сценография — мы сразу будто попадаем в школьный класс в прошлое: тут и ряды парт, и доска с мелом. Режиссер Евгений Закиров поставил этот спектакль, будучи еще на 5 курсе ГИТИСа, и похоже, что ему школьные уроки еще не удалось забыть :)
Впрочем, и парты, и доска не мешают нам оказываться то на улицах Калинова, то в доме Кабановых, то в саду. Спектакль идет в зале Манеж — это большое пространство, и используется оно полностью — и галереи, и балкончики, и даже зрительная часть — герои выходят из-за наших спин и спускаются к сцене, карабкаются на галерею, появляются то там, то здесь. Вообще Калинов тут — городок вне времени и пространства, он может быть где и когда угодно: ни костюмы, ни декорации не дают нам привязаться к чему-то конкретному. Тут и день города отмечают с речами и концертами, и хор есть — правда, в нем всего одна хористка.
И если по классике, как мы помним, Катерина — луч света в темном царстве, то тут я бы сказала, что света-то и нет. Собственно Катерину, кажется, режиссер совсем не любит — или жалеет ее, придуманную Островским вот такой, как есть. Наша Катерина (Александра Лахтюхова), кажется, балансирует на грани безумия — делится с девушками своими снами, томится от скуки и жалуется на все и всех, то шепчет, то кричит, она не в состоянии вписаться в нравы родного города и кажется, сама не знает, чего хочет. Говорит, что любит мужа — но демонстрирует чуть ли не обратное, да и поведение Тихона никак не намекает на то, что он купается в любви женушки. И привлекает ее внимание новый человек в городе, конечно, и мы видим, как Катерина сама подталкивает Бориса (Алексей Славкин) к активным действиям. Он же, в представлении режиссера, этакий представитель «золотой молодежи», попавший в провинцию, отчаянно скучавший и нашедший себе увлечение. Впрочем, Борис то ли в силу недалекого ума, то ли из-за нежелания нарушать неписанные законы этого общества, сначала вроде как и не планирует ничего серьезного, а после уезжает с видимым облегчением.
Вообще в этой истории, кажется, свободно и удобно ощущают себя только Варвара (Алина Чернобровкина) да Кудряш (Иван Товмасян) - эта парочка отлично умеет наслаждаться жизнью, аккуратно обходя писанные правила и не нарушая неписанных. Остальные же все - Тихон, мать его Кабаниха, да и Дикой - маются от скуки и несвободы. Тихон в исполнении Андрея Харенко почти вызывает сочувствие - да, слабый, инфантильный, испорченный, трусливый, не слишком умный - но каким он мог еще быть в этом городе и у этой матери? Но он не злой, кажется, любит жену (как ни странно), хоть и не очень понимает, зачем его женили - просто разрывается между попытками быть послушным сыном и хорошим мужем.
Кабаниха (Регина Чадова) мучается со всеми своими домочадцами и прочими, не в силах ничего добиться: недотепа-сын, странненькая раздражающая невестка, вот разве что дочь более-менее удалась :)
В общем, просто поверьте - трактовка небанальная, а концовка вас и вовсе удивит :)
Ну и приемы, используемые режиссером, конечно, ощущаются слегка как мятеж ) Герои время от времени внезапно теряют четвертую сцену и так же легко возвращаются "внутрь" спектакля, оставляя зрителей в легком недоумении. Неоднократно на сцене происходит не то дискотека, не то вакханалия, не то драка - и это, как ни странно, красиво и уместно... если позабыть, что у нас тут Островский ))
Впрочем, сам Островский, кажется, смирился с происходящим :)
Ужасно не хочется пересказывать все и не давать вам самим увидеть это и понять по-своему. Тут все же не школа, так что "что хотел сказать автор", мне кажется, не столь интересно как "что я увидел" .
Определенно это очень интересная постановка. Мне понравилось. Действительно неожиданный, свежий взгляд на классику, прекрасно воплощенный на сцене. Так что если вы не против неклассической классики - вам сюда надо ) Бонусом - прекрасное здание, очень интересная архитектура, в самом центре города.

На днях я продолжила знакомство с репертуаром театра «Школа Драматического Искусства» , на этот раз выбор пал на «Чехов в 3D» режиссера Евгении Тодоровой.
Название спектакля, конечно, интриговало и наводило на мысли о каких-то новомодных технических приемах. Однако стоило зайти в зал как стало понятно, что у нас тут что ни на есть классический подход к театру, с применением принципа «чеховского ружья»: настоящие декорации, настоящие костюмы, настоящие артисты, даже дымок из самовара — и тот настоящий! И все, что мы видим — будет так или иначе использовано в спектакле.
Так что «Чехов в 3D» — это просто Чехов в трех действиях. То есть действие-то одно, но оно состоит из трех совершенно разных прелестных вещиц: «Предложение», «Медведь» и «О вреде табака».
Художник — Екатерина Горшкова, как я понимаю, ее и сценография, и костюмы. Очень чеховская атмосфера создана, надо заметить. Ну и тут нет выраженной границы между сценой и залом... да никакой нет, актеры на расстоянии вытянутой руки, а то и ближе. Тут надо заметить, что 1 ряд в этом смысле самый выигрышный - с ним временами идет взаимодействие, а после предложения даже угощают шампанским!
Ну и минус первого ряда - тот же, что и плюс: не все зрители готовы оказаться практически внутри спектакля. И, надо заметить, все, что у Чехова грустно и смешно, но более спокойно, обыденно, тут по театральному выпукло и эмоционально. Получилось здорово, но с накалом страстей постоянным и громким. Однако смешно и грустно - как и должно быть.
Честно говоря, все прекрасны! Хочу кого-нибудь выделить и написать особо, и не могу :)
"Предложение", наверное, все знают - если Чехова не читали, то из постановок других театров или из фильмов спор о Воловьих лужках, думаю, всем знаком :) Здесь оно самое, только слегка подправленное режиссером для удовольствия публики: Наталья Степановна уж очень явно ждет предложения, а спор о лужках меж тем легко и непринужденно перерастает в серьезный конфликт с привлечением косарей и прочих.
Загадкой для меня осталось, почему на роль Нюхина выбрана женщина. То есть притянуть я могу много вариаций объяснений, но... Нет, Екатерина Аликина великолепна в этой роли, тут нет вопросов. Но мне кажется, такой ход несколько упростил задачу режиссеру, одновременно усложнив актерскую работу. Но получилось здорово, так или иначе.
Последняя часть, "Медведь", заметно отличается от первых двух в части оформления: во-первых, тут используется видеопроекция (?) - портрет Антона Павловича. Ну и во-вторых, определенная условность, подчеркивающая уход от суетного мира вдовы Елены Ивановны.
И совершенно не отличается в смысле актерского мастерства: мы вместе с Еленой Ивановной и Григорием Степановичем переживаем все стадии развития их отношений, от взаимной неприязни до любви - и это за какие-то полчаса!
Одним словом, это яркий, шумный, смешной спектакль. Чехов, да.

Ну и отдельная история - собственно зал. Спектакль идет в Тау-зале. Пока мы ожидали в фойе, пытались сообразить, где же вход в зал. Так вот - в Тау-зал просто так не попадешь, он скрыт в глубине здания и зрителей в него провожает администратор тайными тропами :) Зал небольшой и очень светлый.
Вообще ШДИ - кажется, самое необычное здание театра, которое я видела. Лестницы, галереи, переходы, камин, прозрачный потолок... Тут 4 зала, я пока видела два - есть желание побывать во всех :)

Театр начинается с вешалки, а ШДИ со здания, сложный многоуровневый холл с верхним светом задаёт заранее магическое настроение. В этом театре нет сцен, нет занавеса, нет кулис. Ты сразу оказываешься в пространстве и реальности пьесы.
В случае с "Мольер. Экспромт." не только зрителем, но и действующим лицом.
Когда заходишь сначала пугаешься - действие уже идёт, озираешься. Да нет, не опоздал и вон все ещё рассаживаются.
Зрителей выдергивают на сцену изображать луну или лося, кому то на руки бросают актрису в корсете, дамам с первого рядя целуют руки.
Внезапно артист возмущенно идет сзади распихивая сидящих.
Балаган, импровизация, экспромт.
Есть отсылки к истории театра и современности. В какой-то момент Олег Малахов (Мольер) перевоплощается в Станиславского и учит актёров по его системе А учитывая, что все актёры итак ученики Малахова, то выходит как-то уж совсем закручено.
Ходила в этот театра уже раз пять и всегда получала громадное удовольствие!

Любопытно оформленное пространство сцены в виде пола, размеченного как стадионные беговые дорожки являются отличным "25 кадром" декораций, усиливающим впечатление от спектакля. Спектакль по пьесе Виктора Розова, в котором показана жизнь семьи за неполные сутки. Место действия - квартира в элитной высотке на Площади Восстания (ныне Кудринская площадь) в Москве. А вот время я определить не смогла. Это Советский Союз, еще сильные идеи коллективизма, но в подъезде уже установлены камеры наблюдения (?!). И одежда не помогает в определении эпохи (современный бомбер на юноше и рюкзак будто из разных миров). сама пьеса написана в 1970, подозреваю, что писал ее Виктор Розов про современников. Потрясающая пьеса. такие цельные образы и яркие судьбы, и как же талантливо драматург сумел рассказать их истории и характеры не выходя из квартиры за один день. А актеры сумели прожить и подарили потрясающий вечер зрителям. 3 часа не пролетели незаметно. Первое действие было длинным и местами неровным.. но равномерно талантливой актерской игрой. ну, правда, браво! Каждый раз, когда Нина (Ольга Бандарева) вставала я была готова подать ей свою руку из первого ряда, если понадобится... настолько убедительна она была в своем "нездоровье" и нетвердости походки, где за каждым неуверенным шагом чувствовалась невероятная сила 30 летний девушки пережившей так много, и так много не пережившей... Это очень сильная сюжетная линия.
Трогательнейшая сцена воспоминаний двух друзей. Когда в трудную минуту друг оказался друг.. «и все от меня отвернулись. А ты подошел и положил руку на плечо. Я до сих пор эту руку на плече чувствую..»
Какой потрясающий Альберт в исполнении Кирилла Теплякова. «Луч света в полутемном царстве». Идеальный романтичный образ советского молодого человека, в которого так непросто вырасти, но пытаться определенно стоит. И зрелый, и самостоятельный, гораздо смелее и чище своих родителей..
Кстати за Кима (отца) очень и очень убедительно страдал Роман Долгушин, а это был его первый спектакль (ввод). Все случилось!

Хороший спектакль, и глаза увлажнил, и на душе приятное, теплое от финала.. который хоть и не лишен драматизма, но светлый.

За что современники ненавидели Мольера? Угадать несложно: за то, что в его пьесах они видели самих себя, как в беспощадном зеркале, которое без прикрас отражало все их пороки.
За что современники обожали Мольера? Да за то же самое, с той только разницей, что им нравилось, как те же самые пороки он подмечает и гениально высмеивает в других.
Пресловутые "маркизы" и "мещане во дворянстве" которые в глазах современников великого драматурга становились всеобщим посмешищем, дошли до нас из XVII века практически в неизменном виде. Костюмчики другие, а суть примерно та же: лицемерие, разврат, трусость, ханжество, алчность... Все это никуда не делось, цветет махровым цветом. Мольеров на них не напасешься! Хотя зачем новые Мольеры, когда вот он, перед нами, покрикивает на несобранных актеров и тщетно пытается призвать свою труппу начать репетицию.
Спектакль театра "Школа драматического искусства" (ШДИ) как раз с такой сцены и начинается. Вот-вот прибудет король, а Мольеру никак не удается придумать новый сюжет и тогда он призывает на помощь главную музу тех, кто вовремя не подготовился - импровизацию. Так начинается экспромт.
Режиссер спектакля "Мольер. Экспромт" Олег Малахов, он же Жан-Батист Поклен, на заре своей актерской карьеры придумавший себе псевдоним Мольер, виртуозно перемещает актеров из одной пьесы в другую, пытаясь придумать очередную новинку для развлечения монарха. То в "Версальском экспромте" он разыгрывает ссору с женой (Мария Киселева) и обучает актера правильной интонации, с которой должен являться Юпитер. Получается, правда, почему-то немного похоже на рэкетира из 90-х. Пусть так, зато смешно.
Любовную сцену репетируют прямиком из "Тартюфа" и тут весь зал просто умирает от смеха при виде того безумного антуража, который окружает объяснение влюбленных. Мольер при этом вытаскивает из зала первых попавшихся зрителей (каких-то подозрительно артистичных) превращает их в луну, звезды, лося или змею (Какой лось? Какая змея?) При этом дело происходит в полночь, когда влюбленные вдруг решили отправиться по грибы. Ха-ха. Все это настолько же абсурдно, насколько уморительно смешно. Просто сцена века!
Затем на режиссерский суд по очереди являются "Господин де Пурсоньяк" и сатирические персонажи кулинарно-кондитерского свойства: Жульен(Константин Сакович), Оливье(Андрей Лушников) и Круассьен(Кирилл Селиверстов), затем их место занимают "Смешные жеманницы", попутно Мольер ловит мух и танцует в стиле брейк-данс (это надо видеть!), ну а на закуску критики пьес Мольера с одной стороны и его защитники с другой, сражаются в полемических баталиях в "Критике "Школы жен", а антагонист Мольера, напыщенный Господин Досталь (Иван Товмасян) всячески старается уколоть драматурга в прямом и переносном смысле. Едва не доходит до дуэли, но, слава богу не доходит. И без балета не обходится. С балетом в пьесах Мольера, как известно, всегда было все в порядке.
Оказывается, гротескные персонажи с выбеленными лицами гораздо ближе нам, чем кажется на первый взгляд. В их костюмах, лишенных избыточной яркости, почти черно-белых, если не считать нескольких золотых и алых акцентов, присутствует талантливая незавершенность и небрежность, как и в интерьере. Назвать место действия "декорацией" было бы преувеличением, ее попросту нет. Это тоже приближает спектакль к зрителю, а временами он вообще перемещается в зрительские ряды, приближая к нам тот действительно важный посыл, который вдруг прорывается из многочисленных почти цирковых реприз, беготни, мелькания, яростной сатиры, фехтования и салонных танцев.
Это ничего, что пара суровых зрительниц быстро сломавшись, сбежали из зала, зато остальные получили в награду прекрасный серьезный монолог Мольера и повод еще раз задуматься о природе сатиры как таковой.
Ну а новый спектакль для короля подготовить так и не успели. Се-ля-ви. Ничего, сыграют в следующий раз.

Люблю театр "Школа драматического искусства" за его открытость, незашоренность и стилистическое разнообразие постановок. В результате ни на одном из спектаклей этого театра я не заскучала - даже если что-то не нравилось, то всегда находилась изюминка, перевесившая чашу плюсов. И, честно говоря, я была несколько удивлена, обнаружив в афише этого театра пьесу Виктора Розова "С вечера до полудня". Нет, я признаю, что Розов был талантливым драматургом. Его пьесой "Вечно живые" открылся Современник, да и знаменитый фильм "Летят журавли" если кто и не видел, то уж наверняка про него слышал. Но чем могла привлечь режиссера Егора Равинского пьеса, написанная в эру Развитого Социализма автором, обласканным властью, лауреатом Государственной премии СССР, президентом Российской академии театрального искусства, членом Союза писателей СССР... Короче надо было пойти, посмотреть и разобраться. И знаете, в результате я была удивлена и покорена.
Не все в пьесе Розова оказалось однозначно, все в ней идет поперек привычных шаблонов. Знаменитый писатель Жарков (Олег Охотниченко), получивший за свои труды громадную квартиру в высотке у Зоопарка, выдавливая из себя очередную нетленку, понимает, что все его творчество фуфло - сжигает рукописи. И это тот самый случай, когда рукописи горят. Внук Жаркова, шестнадцатилетний Альберт (Кирилл Тепляков), который по всем правилам соцреализма должен был отказаться от предложения когда-то бросившей его матери (Мария Викторова), уехать учиться к ней в Лондон, уезжает оставляя в Москве обожающих его отца, деда и тетку. По всем советским меркам идеальный герой Лёва Груздев (Максим Маминов) - молодой ученый из Новосибирского Академгородка, без пяти минут доктор наук, оказывается нетактичным, болтливым карьеристом, предателем, да еще и подозрительно равнодушным к женскому полу. Отец Альберта, честный и принципиальный Ким (Роман Долгушин), когда-то знаменитый чемпион, а ныне скромный тренер, должен был бы под колеса... пардон, крылья самолета бросится, чтобы оставить сына на Родине, сам же и уговаривает его уехать. Короче все смешалось в громадной, неуютной квартире Жарковых. За неуют отвечала Художник Мария Бутусова - из просторной сцены зала "Манеж" получилась громадная по советским меркам квартира, но все в ней поношено и перекошено. Лишь Письменный Стол Жаркова блещет роскошью карельских берез.
Спектакль "С вечера до полудня" идет три часа. Не скрою - после антракта в зале стало просторнее. Но лично меня действие ********* практически с первой минуты и не отпускает до сих пор. А какие в театре "Школа драматического искусства" великолепные актеры. Ольга Бондарева, исполнительница роли Нины Жарковой так и стоит перед глазами - абсолютная достоверность, искренность. Есть в Ольге Бондаревой что-то от актрис семидесятых годов, от знаменитых актрис театров "Современник" и "На Малой Бронной". А как хорош Егорьев, друг Жаркова (Сергей Ганин), знаменитый инженер, умный и образованный человек, пытающийся во имя дружбы оправдать литературные потуги Андрея Трофимовича...
Надеюсь, что я вас заинтересовала. Но если вам вдруг не понравится спектакль "С вечера до полудня", то больно меня не бейте - о вкусах не спорят.

"Мольер. Экспромт" в театре "Школа Драматического Искусства"

Ровно через десять минут после начала спектакля "Мольер. Экспромт", очень серьезная дама, выбираясь из зала "Манеж" театра "Школа Драматического Искусства", бурчала себе под нос: "Куда я попала! Балаган!". Искренне не понимаю, почему слово "балаган" используется, как правило, в негативном смысле. Балаган это импровизация, яркость, карнавальность, стирание границ между искусством и жизнью, единство комического и трагического, и наконец умение посмеяться над собой. И все это присутствует в постановке, придуманной Олегом Малаховым. Олег Малахов здесь не только режиссер, но и исполнитель заглавной роли, а так же мастер курса и его недавние студенты участвуют в спектакле "Мольер. Экспромт".
У этого спектакля нет начала - когда зрители входят в зал, на сцене уже бушует действие: группа господина де Мольера репетирует еще недописанную пьесу, которую прямо сегодня пожелал увидеть король. Так что мы буквально с порога окунаемся в споры, недопонимания, энтузиазм актеров, которые твердой рукой режиссера будут таки доведены до премьеры.
Очень люблю прием "театр в театре" и спектакль "Мольер. Экспромт" поистине квинтэссенция этого приема: на сцене театр и только театр. А еще я люблю, когда сцена не загромождена декорациями: буквально двух-трех предметов, выразительных костюмов и грамотного света достаточно для жизни спектакля. Именно такую сценографию и придумала Анна Кутняк. В результате получилась абсолютно незабываемая работа.
Судя по всему Олег Малахов не только замечательный режиссер и актер, но и талантливый педагог. Все его бывшие студенты естественно существуют на сцене, легко перевоплощаясь из одного образа в другой. У каждого есть своя роль, без которой спектакль потерял бы важную краску.
Зрители, пришедшие на спектакль "Мольер. Экспромт" не просто следят за действием, но активно в нем участвуют. Они отвечают на вопросы, танцуют, произносят реплики. Для меня осталось загадкой: привлеченные из зала исполнители ролей луны и змеи подсадка или все-таки нет. Уж очень они были раскрепощены и артистичны. Но и в этом я усматриваю талант режиссера.
В результате получился разноплановый, яркий и живой спектакль, который я искренне желаю посмотреть всем любителям театра.

Прекрасный спектакль в интересном пространстве. Была совершенно очарована постановкой, как обыгрывается пространство сцены, как ненавязчиво героев перенесли на десятилетия позже не потеряв смысла, какие прелестные вставки танцевальные и комедийные.
Сюжет я пересказывать не стану, всем же знаком, да и почитать несложно!
Но я смотрела на него несколько проще, а тут увидела бОльшую глубину, даже отчаяние.
Все актёры прекрасны! Английская роза мисс Мейбл Чилтерн/Алина Чернобровкина буквально какая и должна быть - розовая и нежная, но эдакая, не моль, а весьма дерзкая девица.
Основной вывод - ИДТИ!
Там еще есть кукольный домик и оживающий игрушечный медведь Паддингтон (он отвлекает внимание зрителя, когда прямо при нём, при зрителе, меняют декорации). Разве мало? И настоящий бьюик есть!
И совершенно прекрасная розовая Коломбина - Леди Маркби в платье в ромбик розовый с фуксией
Граф Кавершем внезапно не зануда, а комедийный персонаж с интонациями Ираклия Андронникова и походкой Чаплина.

Вы слышали ? Вы видели ? У них там Собака с дамочкой ? Я не ошиблась . Знаю, что есть дама с собачкой! А вот у них там Собака с дамочкой! У кого у них? В театре Школа Драматического Искусства.
Да , там вот так все необычно !
В этот раз поговорим о спектакле по мотивам рассказов Антон Павловича Чехова «Дама с собачкой».
Автор идеи, режиссер, композитор, сценография — Гоша Мнацаканов. Сейчас в этом театре он поставил еще один интересный спектакль по Даниилу Хармсу «Елизавета Бам». Но вернемся к собаке.
Динамичный, добрый, по большей части весёлый спектакль, но где-то и печальный, заставляющий о чем-то задуматься и одновременно отвлечься от всего.
Гоша Мнацаканов создав свою историю, сумел не потерять чеховскую иронию. Автор объединил пьесы Чехова в одну историю, но основной конечно является «Дама с собачкой». В роли рассказчика выступает чеховская «собачка», это позволяет иначе взглянуть на мир людей, немного наивно, так сказать со стороны. Говорят же в народе, что со стороны виднее.
А когда смотрим спектакль, то пролетают фрагменты из других пьес писателя : «Три сестры», «Чайка», «Дом с мезонином». Иногда даже кажется, что эти вставки лишние, не к месту. Но смотрим, слушаем рассуждения собаки и удивительно , что все лаконично переплетается, все фразы , сцены к месту, все становится единым целым. Режиссер применяет разнообразные приемы и шаблоны. Это требует профессионализма и режиссерского , и актерского.
И актеры это доказывают вам на протяжении всего спектакля. Попадание артистов в свои роли стопроцентное. Играют артисты очень убедительно. Невероятно очаровательная и искренняя «собака» Бром Исаевич получилась у Александра Антипенко, убедительный и настоящий Гуров в исполнении Максима Маминова и немного сумасшедшая, но по-своему трогательная Анна Сергеевна – Алина Ходжеванова. Конечно, не можем не сказать о бриллианте этого вечера – возлюбленной Брома Исаевича – Каштанке, которую играет Дмитрий Шишлянников.
Замечательный спектакль! 37 театральный сезон закончился. Ждем новый. Одним из первых спектаклей будет «Собака с дамочкой». Убедила посмотреть?

Идеальный муж? Вы видели такого ? Я нет. Но пошла посмотреть в Школу драматического искусства и попала на спектакль по пьесе Оскара Уайльда «Идеальный муж».
Искрометная, заводная и очень живая комедия поставлена в этом театре. Этот театр отличается оригинальностью и музыкальностью своих постановок. Каждый спектакль это очередное новаторское решение. Не исключением стал и спектакль «Идеальный муж».
На протяжении спектакля звучит живая музыка , написанная Григорием Ауэрбахом. А Мишка Тедди , ростовая кукла, появляется в спектакле и его кукольный образ усиливает мотив пьесы и делает ее более чувствительной.
Режиссер Екатерина Гранитова-Лавровская постаралась пьесу поставить не только оригинально, но и дополняя ее новаторскими элементами сделала ее более современной . Ведь пьеса эта, написана более 100 лет тому назад, но о вечном о любви , о принятии друг друга.
Особенно хочется отметить танцевальные постановки в исполнении актеров . Они веселы, задорны и оживляют спектакль . Балетмейстеру Ксении Руденко хочется крикнуть : «Молодец! Так держать!».
Супружеской паре Чилтерн предстоит пройти испытание, пришедшие из прошлого неблаговидный поступок сэра Роберта Чилтерна (Игорь Лесов) ставит брак под угрозу. Он стоит перед выбором – выполнить условие интриганки Миссис Чивли (Регина Хакимова) или рассказать всю правду жене Гертруде (Александра Лахтюхова), которая считает его идеальным . Правда становится известна всем и жене сэра Роберта Чилтерна. Но на то она и любовь, чтобы все принять, пережить, простить и жить дальше.
Еще одной изюминкой этого спектакля это хулиган граф Кувершем в исполнении актера Ивана Товмасяна. Его образ, танцы и игра сопровождалась смехом и аплодисментами зрителей.
Вместо рояля в кустах, сбоку на сцене стоит роскошный автомобиль Бьюик. Звучат потрясающие стихи Оскара Уайльда в переводах поэтов Серебряного века Михаила Кузмина и Николая Гумилева. Эта чудесная комедия , наполненная смыслом и оформленная с тонким вкусом.
Спасибо театру Школа Драматического искусства за прекрасный театральный вечер!

«Собака с дамочкой»

Все мы читали в школе Чехова, в том числе и знаменитый рассказ «Дама с собачкой»: про пару, которая познакомилась в Ялте, и их курортный роман перерос в настоящую любовь, которую сковывали семьи и обязательства перед супругами. Тема, конечно, всегда актуальная, и рассказ очень трогательный, но согласитесь, что не оригинальная.

Тем не менее, режиссер Гоша Мнацаканов поставил в ШДИ спектакль с нетривиальным взглядом на эту историю. А именно, взглянул глазами… собаки. Интересное наблюдение, что у Чехова, действительно, в названиях произведений сформированы основная идея или образ («Чайка», «Вишневый сад»). Так почему собака не может стать главным героем в «Собаке с дамочкой»?

Бром Исаевич (так звали реальную таксу Чехова) – никакая не собачка, а большой пес, его играет Александр Антипенко, который невероятно харизматичен в этой роли. У Брома свои взгляды на мир, своя философия, своя коллекция откушенных пальцев, интерес к судьбе последнего русского императора Николая II и кинематографу и, конечно, тоже своя любовь. К еще одной чеховской героине, собачке Каштанке. Мне понравилось, как режиссер вплетает в канву повествования и другие произведения Антона Павловича, это очень органично. Получился такой немного сюрреалистичный мир в духе Кафки, который, кстати, тоже незримо присутствует 😊

Но не стоит забывать и про «человеческую» любовную линию: между неопытной и суетной молодой дамочкой Анной Сергеевной (Алина Ходжеванова) и болтливым чудаком Гуровым (Максим Маминов), которая происходит на фоне разрушающегося мира, в этаком «безвременье» (напомню, Чехов написал рассказ в 1898 году, в последнее спокойное десятилетие перед ******* и революциями, которые накроют Россию). Их отношения развиваются странно, ведь в начале кажется, что между изысканной молодой женщиной в черном платье, которая боится сказать лишнее слово и скрывается от мира за солнечными очками и кружевным зонтиком, и типичным «мужиком с пакетом», который встретил ее на пляже, не может быть ничего общего. Но на протяжении действия герои раскрываются совершенно по-новому: она – наивная, искренняя и невероятно экспрессивная восторженная особа, а он – всегда имеет наготове множество интересных рассказов, очень эрудирован и начитан, может поддержать любую тему, прекрасно поет, коллекционирует пластинки и даже владеет горловым пением. А с пакетом он ходит, потому что у него багаж украли.

В постановке сохранена та трогательная атмосфера безысходности от ситуации, в которую попали двое людей, которые встретились слишком поздно: Анна Сергеевна не может расстаться с Гуровым и сесть в поезд, он несколько месяцев носит с собой подаренное ей дерево (конечно, символ), и оба они мучаются, но ничего не могут сделать. Но конечно же, раз они встретились, их точно ждет впереди настоящее счастье, ведь это же не случайность. Просто надо немного подождать, как ждет пожилой одинокий почтальон, как ждут Бром и Каштанка. И счастье придет.

«Идеальный муж» в театре «Школа драматического искусства» режиссер Екатерина Гранитова-Лавровская.
С творчеством Екатерины я начала знакомиться со спектакля «Мурркулатура Гофмана» тоже в этом театре. И сразу отметила, что ее стиль отличается красотой и музыкальностью. Вот и в «Идеальном муже» все будет очень красиво. Сцена украшена большими хрустальными люстрами, наполняющими пространство мягким светом, на заднем фоне горит камин. Все герои одеты очень стильно и красиво. Художник-постановщик Мария Бутусова органично стилизовала атмосферу блестящих двадцатых для этого спектакля.
Есть очень красивые моменты: например, когда Вадим Дубровин, играющий Артура, читает стихи Оскара Уайльда в переводе Николая Гумилева и Михаила Кузьмина. Или красивые танцевальные куски, очень вкусно поставленные балетмейстером Ксенией Руденко. Это классический спектакль, но в то же время яркие танцы, интересные приемы, общение с зрительским залом, делают его интересным и ярким. Игорь Лесов и Александра Лахтюхова, Вадим Дубровин и Алина Чернобровкина – две прекрасные пары, оживляющие динамику спектакля, отличные актерские дуэты.
Не могу не отметить очень эксцентричную игру Ивана Товмасяна в прямом смысле каждый раз вызывающую овации зрителей.
Ольгу Малинину я полюбила еще с предыдущих спектаклей, тут же она еще ярче, смешней, блистательней, это несомненно ее роль.
И конечно же Регина Хакимова, великолепно исполнившая роль обаятельной злодейки, миссис Чивли хороша необычайно, артистична и красива.
В спектакле присутствует живая музыка: Дмитрий Чадов Аркадий Кириченко, Евгения Козина, Ольга Мохначева играют на балконе целый спектакль. Это придает атмосфере возвышенности, красоты и поэтичности. Звучит спектакль великолепно.
После у вас останется легкое, хорошее настроение и чувство праздника в душе.
Сцена на Новослободской довольно интересное пространство с красивым видом на университет Менделеева, буфетом с вкусной кухней и красиво оформленным интерьером. Украшения в виде старых фотографий театральных деятелей настраивают на нужный лад. Кроме того, в зале, в котором зрители ожидают спектакль интересная выставка скульптуры. Эта отличная традиция экспонировать предметы искусства в театральных пространствах, которая так же есть и в сцене на Сретенке, очень хороша для зрителя, получается д****** эффект от посещения театра: и выставку посетить и спектакль посмотреть. Благодарю театра за отличные впечатления. Увидимся в театре, друзья!

Спектакль Екатерины Гранитовой-Лавровской «Идеальный муж» в ШДИ получился искрометным, как ледяное шампанское в хрустальном бокале. Вы считаете, что интриги и тайны высшего общества вам неинтересны, ибо где вы, а где лорды и леди? Ха! Вы не правы. Хотя бы потому, что в спектакле не просто блистательно показано, как можно манипулировать людьми, но и высказана одна очень важная мысль: непогрешимых нет и надо уметь прощать.

Пьеса "Идеальный муж" увидела свет в 1895, но интерьеры и костюмы персонажей навевают мысль о 1910-1920-х. Плохо это или хорошо? Скорее, хорошо, ибо эти наряды позволяют свободно двигаться, а большинству зрителей все равно, что 1890-е, что 1910-е. Зато статус персонажей определяется легко. Сравните строгие платья миссис Чилтерн и девичьи пастельные наряды мисс Чилтерн. Кстати, у последней одно платье явно было сшито в стиле прерафаэлитов и даже, несколько на костюм Офелии смахивало. Очень хороши мужские костюмы, и фраки, и смокинги, и визитки. С одной стороны они правильные, с лампасами и атласным поясом, с другой - немного не стандартного цвета, скорее асфальтового, чем черного. И как короля играет свита, так актеров делает героями одежда. Кстати, письмо сэра Чилтерна действительно было написано на английском, я его даже сняла. Вот что значит "перфекционизм".

Актеры, играющие в этом спектакле, определенно, заслуживают тех оваций, что их наградили зрители. Они исключительно правильно подобраны, каждый на своем месте. Из Игоря Лесова получился отличный сэр Чилтерн: спокойный и самолюбивый. Вадим Дубровин стал великолепным лордом Горингом: живым и остроумным, он прекрасно оттеняет своего сдержанного друга-политика. Его отец Граф Кавершем меня удивил. И не только актерской игрой, но и тем, что пожилого экстравагантного толстяка сыграл Иван Товмасян, молодой, красивый и стройный. Александра Лахтюхова стала леди Чилтерн, воспитанной и исключительно порядочной особой, а Алина Чернобровкина - мисс Чилтерн, юной английской розой. Роль леди Маркби досталась Ольге Малининой. И, наконец, Регина Хакимова сыграла беспринципную миссис Чивли. И как! Очарование и подлость в одном флаконе, не знаешь, то ли любоваться, то ли отвращение испытывать. Кстати, музыканты (да, тут живая музыка!) и зрители время от времени становятся участниками событий. Так что берите билеты в первый ряд, вдруг вам вручат письмо для передачи миссис Чивли.

Резюме. Отличный спектакль. Удобные кресла в зале, хороший подъем, билеты можно покупать хоть на последний ряд (а рядом там немного), все прекрасно видно.

Продолжaю знaкомство с рeпeртуaром тeaтрa "Школa Дрaмaтичeского Искусствa" и в этот рaз пришлa нa спeктaкль "Дядюшкин сон" рeжиссeрa Глeбa Чeрeпaновa

Спeктaкль по одноимeнной повeсти Ф. М. Достоeвского, постaвлeнный в стилe тeaтрa, но сохрaняя сюжeт aвторa: у Мaрьи Aлeксaндровны (блeстящaя Aлeксaндрa Лaхтюховa) срочноe дeло - удaчно выдaть зaмуж свою дочь Зину (утончeннaя и с нeвeроятным голосом Aннa Кутняк). И ee в этой зaтee нe остaнaвливaeт ничeго.

И выдaть зaмуж нe зa любого, дaжe нe по любви, a по рaсчeту, конeчно. Этим рaсчeтом стaновится богaтый и стaрый князь К (Кирилл Фeдоров). Тaк нa фонe юморa и бeсконeчных зaбaвных ситуaций и диaлогов сцeнa зa сцeной приближaeт нaс к финaлу, гдe мы узнaeм, вышлa ли зaмуж нaшa Зинa. Eсли дa, то зa кого. И получaeтся, что, кaзaлось бы, комeдия, ужe нe тaкaя и вeсeлaя - со своими проблeмaми и вопросaми нрaвствeнности.

В спeктaклe яркиe сцeны и оригинaльныe костюмы, убeдитeльнaя игрa aктeров и…
Свeт фиолeтовых, бирюзовых, розовых, крaсных и синих софитов подчeркивaют яркиe нeоновыe aрки, a тaкжe эмоционaльно дополняют сюжeт. Смотрeлось это очeнь эффeктно.

Вообщe, интeрeсно и здорово былa оформлeнa сцeнa - лeсeнки/ступeньки, двeри рaзных форм и нe только. Нe буду рaскрывaть всe фишeчки, лучшe сходить и всe увидeть лично.

Отдeльнaя любовь этого спeктaкля для мeня - это костюмы! Я кaждый выход aктeров нa сцeну воспринимaлa с большим интeрeсом и рaссмaтривaлa, в чeм жe они появлялись в очeрeдной сцeнe. Крeaтивно, нe бaнaльно, оригинaльно - кaк минимум, только рaди одних только костюмов можно идти смотрeть эту постaновку всeм тeм, кому нрaвится тaкой подход в вопросaх сцeничeских обрaзов.

Нeльзя нe отмeтить хорeогрaфию (Ксeния Рудeнко) - тaлaнтливо, умeстно, душeвно.

Eщe пeрeд спeктaклeм мeня впeчaтлилa aфишa - онa нe простaя, a гологрaфичeскaя! Вы видeли когдa-нибудь тaкую? Я - нeт! И это смотрится очeнь впeчaтляющe.

"Дневник писателя" театра Школа Драматического искусства, творческого объединения "Вахтанговский практикум".

Талантливый актер может прочитать телефонную книгу так, что заслушаешься, талантливый режиссер может поставить публицистический дневник так, что зал будет смотреть затаив дыхание. Почти на два часа приковывает внимание зрителей спектакль "Дневник писателя" Федора Достоевского в постановке Аси Князевой. "Дневник писателя" по сути своей всецело публицистический, но одновременно и всецело художественный. Спектакль театра "Вахтанговский практикум" абсолютно театральный, но при этом и невероятно достоверный. Из громады очерков, фельетонов, некрологов и рецензий дневника Достоевского в спектакль вошли семь историй, объединенных темой детства. Чтение повестей Федора Михайловича требует громадной работы души, а что уж говорить об остросоциальных очерках. Спектакль построен на контрастах: мрачные истории перебиваются беззаботными проходами, после душеразрывающего "По поводу дела Кронеберга" идет светлый и удивительный рассказ "Мужик Марей". Режиссер дает каждому из актеров "Вахтанговского практикума" возможность множество раз перевоплотиться из одного образа в другой, абсолютно противоположный, и актеры благодарно примеряют на себя разнообразные характеры героев. В спектакле заняты семь актеров, в программке значатся восемь... наверное кто-то в другом составе, но перечислю всех: Антон Власов, Соня Игрушкина, Анна Карабаева, Тома Лаврик, Маша Лисовая, Руслан Погодин, Полина Утукина, Гоша Шимоненко
Лаконичная, но при этом бесконечно выразительная сценография Полины Храменок очень современна по форме, но полностью соответствует духу Достоевского по сути, потрясающие костюмы Елизаветы Холмушиной условны и наполнены множеством остроумных деталей. Все это варится в едином котле с приправами из видео Николая Говязина, светового дизайна Ивана Бунина, музыкального оформления Ивана Авдеева, и в результате мы имеем настоящее театральное пиршество, наслаждение для глаз, ушей и души.

"Большому кораблю — большое плаванье", но пока кораблики еще маленькие и неокрепшие, где же им начинать свой большой путь? Как найти свою речку, впадающую в море, не встать на мель, не быть протараненным кем-то более мощным? Это давняя проблема всех выпускников ВУЗов, давно ставшая не самой смешной шуткой, ведь либо ты получаешь опыт и пропускаешь учебу, либо учишься, но выпускаешься без опыта. Но Театр "Школа Драматического Искусства" предоставляет молодым талантливым режиссерам возможность начинать свой творческий путь сразу на большой сцене без оговорок про опыт. Благодаря Молодежной программе "Школы драматического искусства" под руководством Глеба Черепанова они могут поставить спектакль для основного репертуара Театра, воплотить свои режиссерские задумки, поработать с опытными актерами и профессиональной постановочной группой и даже получить обратную связь от первых зрителей. Это невероятная возможность оттолкнуться от стартовой точки и стремительно направиться вперед покорять театральный мир.

Первый спектакль был по повести А.П. Чехова "Моя жизнь", второй - "Черный монах" режиссера Эдуарда Кашпорова - тоже по малоизвестной одноименной повести А.П. Чехова. Честно скажу, что я ее не читала и не слышала о ней, но после этой постановки прочту обязательно, уж очень сильно меня зацепила тема несоответствия людей науки и творчества общепринятым нормам. Говоря прямо, все творческие, талантливые и гениальные люди всегда немного сумасшедшие в той или иной степени. Вы когда-нибудь задумывались об этом? Я - неоднократно с того самого момента, как в юном возрасте увлеклась творчеством, затем личностью Сальвадора Дали. Эмоциональные страдания неординарных личностей, их душевные метания, психологические битвы внутри сознания - это та цена, которую им приходится платить за то, что они могут привнести в этот мир. И это не их вина, это их беда, моментально отрезающая их от социума, в котором они находятся. Но таких "сумасшедших" не надо лечить, их надо просто принимать такими, какие они есть. Или не принимать, но, в таком случае, просто оставить в покое.

Когда смотришь спектакль по незнакомому произведению, если, конечно речь не о пьесе, всегда есть опасность, что будет что-то непонятно. Согласитесь, что рассказы, повести, романы зачастую содержат немалую повествовательную часть, описывающую место, действие, ситуации, к тому же, герои в них чаще меняют свою географию, так что можно потеряться без должных режиссерских решений и качественных декораций. Эдуард Кашпоров справился с этим легко и оригинально. Во-первых, поскольку все действия происходят либо в комнате или кабинете в городе, или за городом в саду, сцена была разделена на две части. Правую занимали стол, кресло, ковер, лампа, окно (настоящее), символизирующие пространство внутри дома, любого - будь то в городе или в деревне. А левую - теплица, символизирующая часть роскошного сада. Вы когда-нибудь видели на сцене целую теплицу? Слегка запотевшие стекла, большое количество зелени, - смотрится очень естественно. От сада до дома и обратно - один шаг, к тому же, использовалось закулисное пространство - нередко актеры выходили из зала через те же двери, через которые заходят зрители. Такое вот интересное решение, позволившее поместить в пространстве камерной сцены сразу несколько разнообразных локаций. Говоря о декорациях, представьте себе, не обошлось даже без дождика!

Во-вторых, помимо диалогов, актеры произносили часть ремарок автора, описательную часть повести, без которой невозможно обойтись, если необходимо сделать акцент на внутренних переживаниях героев, а особенно, когда герой страдает тяжелыми душевными муками и галлюцинациями. Параллельно это ориентировало зрителей, вместе с персонажами перенося с локации на локацию, из реальной жизни в голову главного героя и обратно. Сцены динамично сменяют друг друга, не давая ни на секунду зрителям потерять внимание, во многом это, должна сказать, огромная заслуга актеров. По замыслу режиссера, речь в постановке намеренно имеет бО́льшую скорость, нежели в реальной жизни, текст автора тоже проговаривается быстро, но при этом не теряет своей разборчивости, эмоциональности. Он словно берет за руку и тянет за собой в постановку, заставляя присутствовать и сопереживать, однако, такой формат очень непрост для исполнения. Главную роль, безумца и гения в одном лице, Андрея Васильевича Коврина исполнил Андрей Финягин. Он был абсолютно естественнен в состоянии метаний, сумасшествия, безумства, заставил ему поверить, вывернул свою и наши души наизнанку, что говорит о его высоком профессиональном уровне. Татьяну Песоцкую прекрасно сыграла Александра Лахтюхова. которую я уже видела в других спектаклях в других амплуа, и везде она очень разная, порой даже неузнаваемая. Николай Гонтар был обворожителен и неподражаем в роли Егора Семеновича Песоцкого. А Черный монах, которого сыграл Алексей Славкин, действительно был похож на тень, заметную нам едва ли, но вот в сознание Коврина впившуюся как пиявка.

Помимо всего вышеперечисленного, были еще интересные решения и оригинальные дополнения. Например, присутствие современных предметов, деталей в декорациях и костюмах вроде коротких дамских шортиков, телевизора, музыкальных композиций. Когда на свадьбе Коврина и Александры заиграла песня "Выпьем за любовь", было очень забавно, но при том глупо это не смотрелось, напротив, придало легкости и эмоциональных сил перед самой мощной частью постановки. Отдельно хочется отметить работу со светом, который то расставлял акценты, то придавал ощущение мистики и какого-то даже ужаса, то добавлял в декорации уныния и безысходности. Прекрасная совместная работа режиссера и творческой группы: художника-постановщика Елены Ярочкиной, художника Кирилла Саленкова, художника по свету - Михаила Глейкина, художника по Гримму Ксении Семеновой, хореографа Марии Орловой, помощника режиссера Марии Кочеловой и Александра Шапошникова, изготовившего видео.

Так, всего за полтора часа перед нами на сцене Театру "Школа Драматического Искусства" пролетела история одного гениального безумца и нескольких несчастных любящих его людей. Мне это напомнило воспоминания из собственной жизни, когда картинка сменяется картинкой, эпизод - эпизодом, листая страницы жизни в памяти быстро, торопясь все показать. "Черный монах" хороший спектакль, на который есть смысл привести своих родных и друзей. Кстати, традиционно программку к спектаклю вы получите в виде бумажного кораблика, символа Молодежной программы "Школы драматического искусства". А после спектакля есть возможность пообщаться с актерами, ведь они выходят в зал после его окончания. Спасибо ШДИ за такую интересную Молодежную программу и содействие в рождении новых.

"Черный монах" - Молодежная программа "Школы драматического искусства"

У всякого безумия есть своя логика. (Шекспир).

Люблю смотреть постановки начинающих режиссеров, люблю восхищаться их безграничной фантазией. А как интересно потом наблюдать за развитием и смотреть новые спектакли запомнившихся постановщиков. Как здорово, что сейчас молодежи есть где проявить себя: фестивали, читки, биеннале, конкурсы и прочие тусовки дают возможность начинающим режиссерам высказаться и заявить о себе. Молодежная программа "Школы драматического искусства" дает старт молодым сразу на профессиональной сцене и с профессиональными актерами. Согласитесь: это совсем иной уровень, чем сцена родного вуза с неоперившимися однокурсниками во всех ролях. Хотя это тоже интересно. Руководит программой Глеб Черепанов, выпускник Щукинского института, автор десятков столичных и региональных театральных постановок, отмеченных множеством наград престижных театральных конкурсов, а главное еще помнящий как это тяжело быть молодым, неизвестным, делающим первые шаги в искусстве.
Посмотрела я спектакль "Черный монах" в постановке Эдуарда Кашпорова. Да-да тот самый чеховский монах запомнившийся всей театральной Москве на сцене МТЮЗа. Это же какую смелость и даже наглость надо иметь, чтобы на такое решиться. Однако сколько "Чаек" мы повидали, а далеко не все еще в них сказано и не все осознано.
И так: "Черный монах". В новом воплощении нет бескрайнего прекрасного сада, любовно лелеемого Егором Семеновичем Песоцким (Николай Гонтар), да и где нынешним горожанам увидеть такие сады. Художник-постановщик Елена Ярочкина выстроила на сцене теплицу, где жируют тропические цветы, испаряющие ядовитые ароматы. В таком саду не мог появиться монах (Алексей Славкин), здесь рождается Аватар, что переводится с санскрита как "Тот, кто нисходит". Появляясь в галлюцинациях магистра философии, он подталкивает проявление абстрактной сущности Коврина (Андрей Финягин), ведущего бесконечный разговор с самим собой. Диалоги Коврина с черным монахом – своеобразная анатомия его души. А рядом Песоцкие, они совсем другие: у Песоцких чудесный сад, а у Коврина трансцендентальное ego. Режиссер Эдуард Кашпоров явственно показывает нам, что противоположности должны находиться на почтительном расстоянии друг от друга, иначе, в случае их объединения, они гасят чуждые для себя проявления, порождая несчастия и жизнеотрицание. В итоге Таня (Александра Лахтюкова) "вылечивает" мужа от его "странностей". И Коврин становится обычным обывателем, обрюзгшим и ставшим противным саму себе. От него ушло ощущение самоценности и счастья. Кому это было надо?
Спектакль идет чуть более часа, но создается впечатление, что режиссеру удалось сублимировать время, удалось сказать и показать столь много, на что в иных постановках не хватает и нескольких часов. Надеюсь, что "Черный монах" на сцене театра "Школа драматического искусства" покажут еще не раз, и его стоит посмотреть.

«Чехов в 3D»

Люблю возвращаться в уникальное архитектурное творение, где находится отличный театр ШДИ.
Пришла на интересный спектакль «Чехов в 3D». Одно только название чего стоит, оно то меня и привлекло.
А еще, я впервые была в крохотном зале этого театра (их здесь несколько и на постановки в Тау-зал я пока не попадала), но какая же здесь атмосфера! Думаю, все зависит от антуража и оформления декорациями - пока мы занимали свои места, актеры уже были на сцене и ждали начала, расположившись под стогом сена. Прелесть!
И если вы сидите в первом ряду, то это не только максимальное погружение в происходящее (по ходу постановки актеры то и дело обращаются к зрителю, вовлекают его в свою игру, задают вопросы), но и угоститесь шампанским!

Как известно, Чехов был не только талантлив, но и имел бесконечную популярность у женщин. Это не могло не отразиться на его творчестве, конечно же.

Так какими могут быть отношения между мужчиной и женщиной!?…

А вот на примере чеховских героев мы и увидим со сцены различные варианты ответа на этот вопрос - в спектакле «Чехов в 3D» 3 разных сюжета, но все вокруг одной темы.

В основе постановки пьесы-шутки «Предложение» и «Медведь», а также сцена-монолог «О вреде табака». Признаться, они все разные, но одновременно с этим все они юморные и со смыслом.

При этом, если бы меня попросили выделить что-то одно, то мой фаворит - это «Предложение».

Мои искренние спасибо и браво каждому артисту - все играли блестяще!
Кстати, таких долгих оваций, как в конце этого спектакля, я не слышала давно. Браво!

Режиссер-постановщик — Евгения Тодорова смогла организовать спектакль так, что через игру актеров зритель как-будто подзарядился каким-то счастьем. Скажу по себе: я абсолютно точно вышла из театра с ощущением чего-то хорошего, доброго, душевного.

Разрешите сегодня вас познакомить со спектаклем «Чехов в 3D» , который поставили в театре «Школа драматического искусства». Это работа талантливого режиссера Евгении Тодоровой.
Известно, что Антон Павлович Чехов был особенно популярен у женщин, но долго не женился. Все эти внутренние переживания и изложены им в пьесах-шутках с юмором «Предложение» и «Медведь», а также Чехов-врач и это нашло отражение в монологе «О вреде табака».
Динамично в тесном сплетении с народной музыкой развивается первая часть спектакля по пьесе «Предложение». Начинается с задумчивой русской песни, но с каждой минутой темп игры актеров ускоряется и ускоряется! И вот уже самые динамичные сцены спора про воловьи лужки между Степан Степановичем Чубуковым ( актер Олег Малахов) , его дочерью Натальей Степановной ( очаровательная Ирина Хмиль) и Иван Васильевичем Ломовым (актер Иван Долгушин) достигают высшей точки накала. Доходит дело до драки! Но цель приезда Ломовых к Чубуковым была сделать предложение Наталье Степановны, но наконец-то она достигнута и воловьи лужки теперь делить не надо! Играют актеры с азартом, втягивают зрителей в спектакль, кто-то и на помолвке оказался, испив шампанское!
Тут же появляется Иван Иванович Нюхин , муж своей жены, содержательницы музыкальной школы и женского пансиона, в исполнении Екатерины Аликиной. Умение преображаться, держать внимание зрителей на протяжении довольно таки продолжительного монолога поразило меня. Игра одного актера – это трудная задача, и в данном случае была потрясающая игра! Стремительно выйдя на сцену, Екатерина Аликина тут же ********* публику, и все с интересом стали ее слушать и вникать в проблемы Иван Ивановича Нюхина. Обратите внимание, как с юмором Антон Павлович дает фамилию герою монолога «О вреде табака» - Нюхин! Как стремительно герой сцены появился , также стремительно и исчез.
И уже развивается, несется по сцене третья часть спектакля. «Медведь». В основе опять отношения между мужчиной и женщиной, это наше женское пренебрежительно-уважительное отношение к мужчинам. Восторгаюсь в очередной раз Чеховым, мужчина-писатель откуда он знал эти женские тонкости, и актерам , которые так талантливо все это передают зрителю! Очаровательный дуэт нежной Анны Кузьминской и галантного , но взрывного Ильи Козина замыкает этот спектакль победой ЛЮБВИ !
Любовью автора , Антона Павловича Чехова, к театру, к людям , к миру ! Спасибо режиссеру и актерам, что сумели эту любовь передать ! Любите , будьте любимы ! Помните чувство любви – это дар!

Двенадцатого июня состоялся мой долгожданный визит в мой нынешний театр-фаворит «Школа Драматического Искусства» на замечательный спектакль «Чехов в 3D” режиссера Евгении Тодоровой, совсем недавно с восторгом принятый зрителями на ежегодном фестивале МЕЛИХОВСКАЯ ВЕСНА.

Итак, Чехов. Так сложилось, что мне очень полюбились спектакли, которые ставятся на сцене Мелиховского театра «Чеховская студия», мое сердце некоторое время было отдано именно им, и у ШДИ был достойный соперник - например, меня меня в прошлом году абсолютно покорили «Дядя Ваня» и «Чехов. Чайка» под открытым небом - классическая трактовка в необычной обстановке.

Режиссер Евгения Тодорова тоже не стала варварски «осовременивать» моего коллегу по первой специальности, и выбрала два удачных произведения с перерывом на «Монолог о вреде курения» между ними.

Небольшой камерный Тау-зал на Сретенке, куда зрителей через темные катакомбы театра, куда нас перед самым началом провел администратор, как нельзя лучше подошел для этого по-чеховски легкого двухчасового спектакля без антракта.

Разумеется, мои главные восторги этого вечера были связаны с Олегом Малаховым, сильно зацепившим меня еще на «Опасных связях», и окончательно подтвердившим первые эмоции на «Мольер. Экспромт»(где он проявил себя еще и в качестве зрелого сильного режиссера) и «Как важно быть серьезным» по Оскару Уайлду.

Теперь в мою «копилку» добавился еще и помещик Степан Степанович Чубуков - Олег Николаевич умудрился быть абсолютно органичным и в этой роли.

«Разбитый кувшин» в театре Школа Драматического Искусства режиссер Игорь Яцко. Именно из-за того, что этот спектакль поставил выдающийся актер, мне было интересно посмотреть, как он справится с совершенно другой задачей. А то, что количество постановок, где Игорь Яцко выступает в качестве режиссера уже перевалило за десятки, говорит о том, что спектакли нравятся зрителям.
Очень тяжело описать именно этот спектакль. Так как он необычайно хорош, но подойдет только думающей публике. Иначе половина удовольствия будет потеряна. Ведь столько интересных отсылок вложил режиссер, Игорь Яцко, в пьесу, насытил ее, несмотря на народный стиль повествования интеллектуальными вкусностями. Для спектакля была создана музыка композитором Петром Айду, на основе немецкой музыки 18-19 веков, а на экране мы увидим картины Питера Брейгеля, наглядно дополняющие и сплетающие все во едино: и библейские мотивы: вавилонская башня, грехопадение Адама и современность.
Решенные в стиле Пита Мондриана костюмы и декорации, придают происходящему фантастически живописный вид. Это все с танцами, песнями в народно авангардном стиле производит незабываемое впечатление. Эдакая головоломка для интеллектуалов, хотя с виду выглядит якобы незатейливо.
Название пьесы "Разбитый кувшин" - вроде бы обыденный житейский случай для расследования, выливается в философские темы, о том, можем ли мы честно судить свои личные поступки, не пользуясь привилегиями, подаренными общественным статусом, материальным положением и мастерством увиливать от ответов. Тут же и вопрос, предполагает ли любовь слепое доверие, поддержку в тяжелой ситуации. И еще рассуждения, что дает простому человеку правосудие? Сможет ли оно компенсировать наши материальные потери (разбитый кувшин)? И что значит справедливость для каждого человека?
Текст пьесы переведен Пастернаком. Причем, он сам находил перевод неидеальным. У меня не было случая сравнить, больше эту пьесу, как знаю, никто не переводил. Но было примерно двадцать минут потрачено, чтобы войти в стихотворный ритм и воспринимать язык, как родной. Но не у всех зрителей это получилось, несколько молодых девушек нас покинули в антракте. А зря, второе действие получилось более динамичным, ярким. Может быть потому к концу спектакля между зрителями и актерами установились теплые отношения, получился круг лиц, которым интересны философские проблемы, которые понимают задумку и сквозь необычные авангардные формы подачи видят серьезный посыл.
В спектакле музыка живая, музыканты деревенского оркестра – актеры театра: Николай Гонтар, Аркадий Кириченко, Евгения Козина, Софья Ковалева, Игорь Корних, Дмитрий Шишлянников, Константин Исаев, что еще добавляет ему хорошего. Особенное спасибо за «Катюшу» на немецком. Для себя я решила, что это спектакль, который я хочу увидеть еще, чтобы интонации актеров засверкали гранями под другим углом. В постановке всего девять актеров: Игорь Лесов, Федор Леонов, Роман Долгушин, Екатерина Аликина, Анастасия Привалова, Дарья Рублева, Сергей Ганин, Иван Товмасян, Регина Хакинова. Но играют они с такой полной отдачей, талантом и напором, что это очень заряжает энергией. Особенно хорош в главной роли Лауреат Премии города Москвы в области литературы и искусства Игорь Лесов. Эталон нравственности в спектакле, по которому мы стараемся увидеть настоящее правосудие. Федор Леонов в роли Адама, такой плут и мошенник, что поискать, разве можно так здорово играть? У него так правдоподобно получается жить в сложной роли, передавать малейшие нюансы, одна одержимость чего стоит.
Екатерина Аликина в роли Марты очень хороша, заряжает своим азартом в борьбе за справедливость. Регина Хакимова в роли Бригитты – тоже очень экспрессивный персонаж, мы ждем её весь первый акт, а когда приходит – спектакль играет совершенно другими красками. Роман Долгушин (Лихт) – молниеносная смена образов, отлично подстраивается под партнеров и гениально мимикрирует в среде. Иван Товмасян, его незатейливому недотепе Рупрехту веришь, чувствуешь наивность, простоту и доброту. Отличный спектакль получился, все актеры сыграли точно и синхронно, как слаженный механизм.
Обязательно посмотрите этот спектакль друзья, ведь он этого достоин. Увидимся в театре, друзья.
И еще хочу похвалить сам театр, он расположен в удобном месте, в красивом здании, в котором постоянно проходят интересные выставки художников и скульпторов. В этот раз мы побывали на выставке «Восточный ветер» Сергея Феофанова. У этого автора очень метафоричные, нежные картины и удивительные оригинальные скульптуры. Как здорово, что, придя в театр, можно получить тройное удовольствие: посмотреть хороший спектакль, узнать новых художников, фотографироваться на фоне живописи и красивого интерьера.

И вот я снова в Театре «Школа драматического искусства». Смотрю «Черный монах». Честно скажу , произведение мне даже не было известно. Смотрю и понимаю , что Чехов открывается по другому. «Черный монах» начинается некой телепортацией из современности в век 19. Магистр, ученый Андрей Васильевич Коврин , в исполнении Андрей Финягин , приезжает к своим знакомым в усадьбу, желая найти успокоение. Но все происходит совсем иначе. Его душе покоя нет! Он что-то ищет , в первую очередь в себе ! И тут на помощь душевным поискам приходит черный монах , играет талантливо актер Лёша Славкин
Но беседы с ним усиливают душевные метания Андрея Васильевича. Но душа требует покоя, тем более рядом женщина, молодая, красивая, любящая его Татьяна Песоцкая в исполнении прекрасной и талантливой Саша Лахтюхова . Брак с этой женщиной надеется Коврин спасет его душу, даст покой. Но и это не облегчает его душевное состояние! Но делает несчастной еще одного человека – Татьяну, которая искренне любит его, и вместе со своим отцом, известным садоводом-ботаником Егором Семеновичем Песоцким ( величавый актер Николай Гонтар) пытаются помочь ему, может немножко «по-медвежьи», но пытаются. Эта любовь, это общение с человеком не нашедшим свое внутреннее Я делает и их несчастными. Понимая это , Коврин бежит в город, , несмотря на свою болезнь, продолжает работать, но черный монах преследует его, будоражит его душу! Жизнь с другой женщиной, работа не делают его счастливым, его душе так и нет покоя!
Удивительно, что такой глубокий спектакль поставил молодой режиссер Эдик Кашпоров. Это молодежная программа «Школы драматического искусства» под руководством Глеба Черепанова .
Ходите на умные спектакли, спектакли заставляющие думать и хорошо если это станет спектакль «Черный монах». Не говорите сразу ничего, просто подумайте , переживите ночь с этим спектаклем. Вот так и в этот раз, выходя зрители просто молчали. Думали !

"Чехов в 3D" - дань модной цифровой действительности или попытка посмотреть на знакомые чеховские произведения глазами современников?Почему спектакль театра "Школа драматического искусства"(ШДИ) называется именно так? Хотя наступили странные времена повсеместной цифровизации, но в XXI веке, как в XX и в XIX основные принципы отношений между людьми остаются неизменными. Между ненавистью и любовью настолько тонкая грань, что люди порой и сами не замечают, как пересекают ее. Чехов шутит с нами о чувствах, но в каждой его, казалось бы, незамысловатой шутке заложен многослойный мир человеческих взаимоотношений, проявляющийся сродни 3D эффекту. И опять же, цифра три фигурирует в количестве чеховских произведений, ставших основой спектакля. Это две пьесы-шутки "Предложение" и "Медведь" и между ними, как связующее звено, сцена-монолог "О вреде табака". Режиссер спектакля Евгения Тодорова блестяще нанизала на нитку сценического действия чеховскую литературную основу. Спектакль получился живым, ярким, по-настоящему веселым, с особенным ироничным настроением.
Впервые я была в "Тау-зале" театра. Тот еще квест, идти до него по длинным коридорам, оценивая по дороге причудливую архитектуру здания сквозь огромные галерейные окна. А в зале уже ждут крестьяне, отдыхающие у стога сена после покоса, накрытый стол с самоваром и баранками, портрет Классика и его супруги Ольги Леонардовны, да пара пистолетов на стене. Не ружье, конечно, но тоже свою важную роль в финале они сыграют. Первым делом помещик Степан Степанович Чубуков (Олег Малахов, так полюбившийся мне в роли ловеласа Вальмона в "Опасных связях") с прибаутками и грушевой наливочкой принимает вырядившегося поутру во фрак и всячески смущающегося соседа и потенциального жениха Ломова (Роман Долгушин), а затем вся затея с предложением руки и сердца вдруг идет не по плану из за спора с невестой (характерный гротеск Ирины Хмиль) о принадлежности Воловьих лужков и подуздоватости собак. Ох, как они распалились! Спор буквально превращается в кровавую битву. Все это происходит на таком высоком градусе, что невольно опасаешься за здоровье актеров, так они увлечены своей яростной ссорой. Но, слава богу, все заканчивается миром и ожидаемой свадьбой. Немного остужает пыл битвы, но вызывает не менее бурную реакцию зала монолог невозможно забавного в своей нелепости Ивана Ивановича Нюхина (блестящая роль Екатерины Аликиной), который уморительно заигрывает со зрителями, прерывая свою лекцию о вреде табака песнями, плясками, и сбором пожертвований, но вызывает при всей этой кажущейся веселости щемяще-грустное чувство одиночества, разочарования в жизни и сострадания этому маленькому нелепому человечку.
Финальный аккорд 3D-композиции - обожаемый с юности "Медведь". Если кто-то вдруг не смотрел гениальный фильм 1938 года с Михаилом Жаровым и Ольгой Андровской, то сочувствую и искренне советую это немедленно сделать, а в спектакле "Чехов в 3D" по-своему, но не менее талантливо демонстрируется и затворничество вдовы Елены Ивановны(замечательная Анна Кузьминская) и яростная злость, перерастающая во внезапно вспыхнувшую любовь Григория Степановича Смирнова, которую так великолепно передает Олег Охотниченко. Дамочка Смирнову попалась с норовом, с такой и долг покойного мужа взять не получится, и ответить лютому женоненавистнику ("двеннадцать женщин бросил я, девять бросили меня") она может так, что мало не покажется, даже готова вызвать на дуэль, только сначала из тех самых пистолетов стрелять ее научите. Ну не женщина -"ракета"!
Спектакль смотрится на одном дыхании, с одной стороны, ужасно не хочется, чтобы он заканчивался, а с другой вызывает огромную радость, что герои после столь бурных объяснений наконец счастливы. Мир, покой, народное пение, вальс, аплодисменты...
Но пистолеты, разбросанные по полу в пылу страстей, все же лучше обратно на стеночку повесьте, вдруг еще кому пригодятся!

6 июня - знаковая дата для русской поэзии. В этот день родился Александр Сергеевич Пушкин. Конечно, когда он появился на свет, вряд ли кто-то величал его по имени отчеству.
Сашенька или Шурочка, интересно, как его звала Арина Родионовна? Потом уж, думается "барин" и полным именем. Знаем, что рассказывала она Пушкину сказки, которые он позже переложил в стихотворную форму.
Умел Александр Сергеевич, взяв за основу одно, создать что-то совсем не похожее на оригинал. Так шуточная поэма "Граф Нулин" родилась, когда Пушкин размышлял об альтернативном варианте трагедии Шекспира "Лукреция". Вы в курсе об этом творении драматурга? Лукрецию - супругу римского воина Коллатина, когда тот находился на *****, обесчестил сын царя Тарквиний, что явилось началом цепи последующих несчастий. Самоубийства оскорбленной Лукреции, поднятия восстания Коллатином и его другом Брутом, изгнания восставшими царствовавшей династии. А если бы Лукреция отстояла свою честь, как бы повернулась история?
"К Лукреции Тарквиний новый отправился на всё готовый..." - это пушкинские строки, напрямую отсылающие к шекспировской истории. Но Пушкин пишет свой вариант, отходя не только от сюжета, но и от академической манеры подачи, вводя в повествование описание быта и образа жизни русского дворянства.
Шуточная поэма была написана за пару дней. И в Театре «Школа Драматического Искусства» её поставили не утяжеляя, так что постановка ощущается игривой и легкой. Все дополнительные стихотворные вставки не нарушали общей идейной гармонии, поскольку и они были взяты у Пушкина.
Никаких особых декораций: деревянная ширма с веселым ситчиком, да тройка стульев в чехольчиках с рюшечками, — несложный реквизит, создающий атмосферу дворянской усадьбы. Мне не доставало на главной героине Наталье Павловне и её наперснице Параше платьев, соответствующих той эпохе, но художник по костюмам Кирилл Федоров решил обойтись темными юбками до колен со встречными складками и контрастными клиньями с акварельным крупноцветковым принтом.
Идея постановки и режиссура Игоря Лесова, который выступил и в роли графа Нулина. Ему помогали вести рассказ: Олег Охотниченко, исполнявший роль слуги графа и мужа Натальи Павловны, а так же создающий живое музыкальное сопровождение; Мария Киселева, прекрасно передавшая образ кокетливой Натальи Павловны; Александра Гладкова, изображавшая осведомленную хитроватую Парашу.
Итог: на сцене милая недлинная очаровательная вещица идеально подходящая для небольшой сцены камерного зала.

Еще одним замечательным спектаклем порадовал нас с Ваней уже любимый Театр "Школа Драматического Искусства", Сцена на Новослободской - комедией "Идеальный муж" режиссера Екатерины Гранитовой-Лавровской по одноименной пьесе Оскара Уайльда. Глубокая многослойная пьеса и прекрасная сценическая версия. Разбирать эту постановку можно долго, но самое главное - каждый увидит в ней что-то свое, что-то близкое, что зацепит и заставит задуматься, а может даже и переосмыслить что-то в жизни.

В своей пьесе Оскар Уальд высмеивает только с виду кажущееся безупречным общество, на самом деле построенное на обмане, шантаже и коррупции. Главного героя сэра Чилтерна закрутило в вихре событий из-за совершенной в молодости ошибки, чуть не перечеркнувшей всю его жизнь, когда много лет спустя в его доме с компроматом появилась давняя знакомая. Он чуть было не лишился и карьеры, и семьи, благо на помощь пришел его друг, то ли от скуки, то ли от желания получить согласие на брак с любимой, решивший выручить бедолагу. С одной стороны, на протяжении спектакля сопереживаешь Чилтерну. Но вот в чем загвоздка - есть и другая сторона медали - он вовсе не жертва обстоятельств, и в свое время сознательно пошел на сделку с совестью ради богатства и высокого государственного поста. Но все же никогда не стоит оценивать человека по его прошлому, ведь бывают разные ситуации и обстоятельства, да и люди, чтобы там ни говорили, иногда меняются в силу возраста, внутренних и внешних обстоятельств. Да и не бывает безупречных людей, ведь ошибок не совершает только тот, кто ничего не делает и не принимает никаких решений, а жизнь сама по себе и есть череда действий и решений. Есть тут еще два персонажа, на которых стоит обратить более пристальное внимание: на миссис Чивли, готовую идти по головам и считающую, что цель оправдывает средства, и на леди Чилтерн, всю такую правильную и чуть не забывшую про главную заповедь брака: "И в радости, и в горе".

Первое, что видят зрители, заходя в зал - это умеренные по величине, ведь сцена достаточно большая, и было бы неразумно заставлять ее целиком, но очень красивые декорации: лестница на второй этаж (балкон над сценой), камин с имитацией огня и подсвечниками, письменный стол с канцелярскими принадлежностями и (тут у меня в голове включается голос Леонида Якубовича, ничего не могу с собой поделать) ааааааавтомобиль! У автомобиля зажигаются фары, и его можно сдвинуть с места, но только человеческими усилиями, ибо он без мотора. А еще в начале спектакля на сцене появляется очаровательный кукольный домик. Я могу ошибаться, но у меня он вызвал ассоциацию с героями, которыми шантажистке удавалось управлять как марионетками. В какой-то момент из этого же домика во время чаепития леди Гертруды, миссис Чивли и леди Маркби появились две ну очень большие чашки, а как иначе, ведь Англия - это обязательно чай, намекая на то, как леди Маркби все раздувает. Над сценой - три красивых люстры. В общем, очень уютно, к тому же, приятную атмосферу создает и свет, то рассеянный, то сфокусированный, но всегда теплый. Это прекрасная совместная работа художника-постановщика Марии Бутусовой и художника по свету Тараса Михалевского. Спектакль сопровождает живая музыка и песни в живом исполнении, ах какие же хорошие голоса у актеров ШДИ. А музыканты, сидящие на балконе над сценой, несколько раз даже становятся актерами.

Приготовьтесь, в постановке есть двое незаурядных персонажей. Первый - это ростовая кукла медвежонка Паддингтона, медвежонка, который всегда мечтал увидеть Лондон. В программке, кстати, не назван героический актер, прыгающий по сцене в душном костюме, пусть и недолго. А второй - это граф Кавершем, очень веселый, такой типичный заботливый папаша. Кто скрывался за гримом я понять не смогла, оказалось - Иван Товмасян. Получился очень трогательный и забавный персонаж, похожий на еще одну ростовую куклу, разряжающий напряженную обстановку, созданную ситуацией с шантажом. Его веселые споры с сыном Артуром Горингом, роль которого исполнил Вадим Дубровин, стали чем-то вроде промежуточных мостиков от иронии к шуткам и обратно. Роберта Чилтерн и Гертруду Чилтерн сыграли Игорь Лесов и Александра Лахтюхова, которая за неделю до этого покорила меня своим талантом в спектакле "Дядюшкин сон", сыграв и там одну из главных ролей. Из того же спектакля я узнала и Алину Чернобровкину, сыгравшую здесь Мэйбл Чилтерн. Миссис Чивли мне немного хотелось повыдергивать кудри, а значит роль Регине Хакимовой вполне удалась, она сумела вызвать нужные эмоции. А Леди Маркби, которую сыграла Ольга Малинина, стала сквозным персонажем - похожие персонажи, похожая игра, оригинальное запоминающееся амплуа. Словно злой гений она перемещается между спектаклями и разносит сплетни.

"Идеальный муж" выдержан в стиле классического театра, но не кажется занудным, напротив - легко смотрится, запоминается, оставляя у зрителей желание вернуться для дальнейшего знакомства с постановками. Лично для меня это тот случай, когда все настолько гармонично, что не к чему придраться, даже если очень захочется. И я уже привыкаю к тому, что спектакли Театра "Школа Драматического Искусства" для меня имеют приятное послевкусие изысканных театральных блюд в идеальных пропорциях с идеальным сочетанием продуктов и специй.

Я конечно понимаю, что театр существует для духовного развития и нравственного воспитания. А еще театр это общественная трибуна, сопереживание и прочая и прочая. Но часто хочется просто отдохнуть и восстановить психику, расшатанную бешеным ритмом жизни. Можно конечно лечь дома на диван и включить не слишком замороченный сериальчик, но по какой-то таинственной причине живое взаимодействие между сценой и залом усиливает эмоциональный эффект в разы. И как славно, что Творческое объединение "Вахтанговский практикум" придумало и поставило именно такой, обладающий лечебным эффектом спектакль "Чепуха", с подзаголовком "Концерт для взрослых и уставших людей...". Посмотреть его можно в бывшем Центре Мейерхольда, ставшем Сценой на Новослободской театра "Школа Драматического Искусства". Придумала и поставила "Чепуху" по стихам и переводам Самуила Маршака невероятная выдумщица Ася Князева, три спектакля которой я уже видела и на четвертый скоро пойду.
"Чепуха" это даже не совсем спектакль, это игра, в которую нас почти за шиворот затаскивают Чепухня (Антон Власов), Чепушинка (Тома Лаврик), Чепухолог (Гоша Шимоненко) и Чепуховед (Иван Авдеев). Упираться бесполезно - только драгоценные минуты кайфа потеряете - надо сразу сдаться и загрузиться с ними в старый таз.
Все мы выросли на детских стихах, переполненных искрометным маршаковским юмором, образностью, динамичным действием и тонкой иронией. Их живые забавные персонажи приводят в мир поэзии совсем маленьких детей и навсегда поселяются в наших сердцах. Самуил Яковлевич умел укладывать слова в созвучные лесенки, так удачно, что стихотворения моментально запоминаются и декламировать их невероятно приятно. А если еще эти тексты читают талантливые актеры, и не просто читают, а еще танцуют, поют, играют на музыкальных инструментах, кокетничают со зрителями, и проживают каждое стихотворение как будто это творение Шекспира, а не легкомысленный стих. В результате "Королевский бутерброд" или "Сорок четыре веселых чижа" превращаются в полноценный спектакль с завязкой, развитием и катарсисом. В этом спектакле все прекрасно: и костюмы Дмитрия Спиридонова, и грим Натальи Лукашевой, и видео Александра Романова. А какие прелестные мультики Ксении Наумчик и музыка Ивана Авдеева сопровождают нас весь спектакль!
Надеюсь теперь всем стало понятно, что "Чепуху" просто нельзя не посмотреть? Я обязательно еще пойду: полтора часа смеха и счастья никогда не бывают лишними.

Продолжаю знакомство с театром "Школа Драматического Искусства", и на этот раз пришла на спектакль "Дядюшкин сон" режиссера Глеба Черепанова, который показывают на Сцене на Сретенке в зале Манеж. Между прочим, на этой сцене ШДИ я была впервые, и меня поразила его внутренняя архитектура. Очень светло и просторно, много разных переходов и мостиков, винтовая лестница, стеклянный потолок, - роскошно. Пространство напоминает Италию, один фрагмент мне даже показался похожим на Колизей, а мостики напоминают Венецию. В настоящее время на двух этажах проходит художественная выставка. А на минус первом этаже находится буфет с большим количеством старых плакатов. В общем, есть где погулять до спектакля и в антракте. Но вернемся к спектаклю.

Спектакль "Дядюшкин сон" привлек меня, в первую очередь, яркими фотографиями. Оказывается, яркое начало ждет зрителей еще до спектакля, - в фойе Театра стоит афиша, но не простая, а голографическая! Видели когда-нибудь такую? Я - нет! А еще я никогда не видела такого красочного спектакля в стиле неон-арт, причем, ни многообразие красок, ни яркость не бьют по глазам и смотрятся очень гармонично. Стильные разноцветные декорации прекрасно сочетаются с необычными костюмами, словно еще вчера украшающими моделей на модном показе. Рассеянный свет фиолетовых, бирюзовых, розовых, красных и синих софитов подчеркивают яркие неоновые арки. Это праздник для глаз, нисколько не мешающий восприятию сюжета. Волшебниками, создавшими на сцене эту сказку, стали художник-постановщик Мария Морозова и художник по свету Михаил Глейкин. Эмоциональной яркости добавляют спектаклю музыкальные паузы с песнями в живом исполнении и с танцами, спасибо хореографу Ксении Руденко и композитору Кириллу Теплякову.

А вот теперь самое интересное - несмотря на нестандартный подход к внешней части постановки, оригинальный текст повести остался практически без изменений, не считая небольших "фишечек", ставших мостом между девятнадцатым веком и двадцать первым и сделавших повесть более наполненной символами, фрагментами более веселой, а фрагментами и более насыщенной. Возьмем, к примеру, полковницу, она не просто сплетница, она - блогерша, в своем блоге она делится с подписчиками новыми сплетнями. Или посмотрим на самого князя, он пусть и древний старик с деменцией, но весьма стильно одевается. Супруг Москалевой за его бесхарактерность и податливость хитроумной жене был награжден режиссером собачьим носом, а Князь К. - мягким мишкой, подчеркивающим мягкость и безобидность своего обладателя. Что уж говорить о потрясающих снах героев, - символические и немного мистические они стирают границы между реальностью и сновидениями не только у персонажей постановки, но и у зачарованных зрителей.

Что касается актерского состава, то я в очередной раз поражаюсь, насколько талантливая молодежь все чаще играет в театрах. Будь среди героев постановки дети, люди среднего возраста или глубокие старики, - сыграют так, что через десять минут максимум забываешь про реальный возраст актера и начинаешь видеть в нем его персонажа. Так было и на "Дядюшкином сне", особенно с князем - какое-то абсолютно невероятное перевоплощение. Нет, я не говорю про грим и костюм, я говорю про голос, движения, какую-то внутреннюю энергетику, которые заставляют видеть в нем дряхлого беззащитного старика. Добавьте к этому тот факт, что сам стиль постановки предполагает особую манеру исполнения, и все это актеру удается совместить потрясающе. Я смотрела первое действие и даже немного ждала антракта, так мне хотелось узнать, кто же играет князя. Князя К. играет Кирилл Федоров, браво! На последней сцене я в реальности прослезилась, так он убедителен. Очень мне запомнилась Анна Кутняк в роли Зины не только своей превосходной игрой, но и своими вокальными данными. Александра Лахтюхова и Николай Гонтар сыграли чету Москалевых, особенно удалась Марья Александровна, не женщина - огонь! И почему-то очень меня тронула Настасья Петровна, роль которой исполнила Алина Чернобровкина.

И все же, повесть "Дядюшкин сон" я не могу назвать комедией в полной мере, скорее - драмеди. Пожалуй, и в современном мире можно провести параллели с маленьким городком, где происходят события повести. Пусть не в рамках нашего города, но на просторах хоть и такого огромного, но такого вирусного интернета (может, блог полковницы как раз отсылка к этому) или, например, в определенных кругах, обществах, объединениях, - все они существуют не без войн, прежде всего женских, за первенство, не без мерзких сплетен, глупых слухов и грязных интриг. Появление князя К. вносит в устоявшийся уклад жителей большую смуту, хотя сам князь об этом даже не подозревает. Беспомощный, нелепый и такой искусственный внешне, он воспринимается обществом, скорее, как посмешище, но на самом деле остается единственным человеком, сохранившем в этом балагане человеческий облик. Впрочем, и Зину очень-очень жаль. И пусть в повести много юмористических моментов, все же как после финала вообще можно назвать повесть комедией?..

Постановка "Дядюшкин сон" в театре "Школа Драматического Искусства" настолько хороша, что буквально сразу же готова вновь ее пересмотреть. Во-первых, мне бы хотелось еще раз насладиться красочными сочетаниями декораций и костюмов. Во-вторых, чуть глубже взглянуть на режиссерские ходы, коих в спектакле немало. В-третьих, честно, хочу еще раз насладиться персонажем - князем К - он совершенно бесподобен! На сто процентов стоящая постановка, и пусть не отпугивает ее красочность. В таком виде хорошо показывать классику современной молодежи, чтобы заинтересовать, но произведение не исказить в то же время. Я бы сравнила постановку с роскошным антикварным витражом, с которого вытерли вековую пыль, и теперь он преломляет разноцветные лучи, принося эстетическое наслаждение и заставляя о многом подумать. Искренне рекомендую этот спектакль!

"Гроза. Апокриф" в театре Школа Драматического Искусства

Люблю смотреть работы юных режиссеров, которые рвутся в бой, у которых глаз горит. Они не хотят нам ничего доказывать и подтверждать, они хотят самовыражаться наплевав на устои. Недавно посмотрела "Сказки Щедрина" на Чердаке Сатиры в постановке Евгения Закирова, была впечатлена и решила еще что-нибудь из его работ посмотреть. Начала с более раннего спектакля "Гроза. Апокриф" в Школе Драматического Искусства. Евгений Закиров поставил его два года назад, когда еще был студентом 5 курса ГИТИСа. Если сравнивать, то "Сказки" гораздо профессиональнее, зато "Гроза" абсолютно бунтарская. Не зря у нее в афише стоит подзаголовок "Мятеж по пьесе А. Островского". Вот уж действительно на сцене мы увидели мятеж, восстание, бунт - не бессмысленный, но беспощадный. Это мятеж подростков против мира взрослых, против надоевших регламентов, правил и привычек. И обратите внимание на второе слово в названии: "Апокриф" - неканоническое прочтение канонического текста. Так что не надо вести на этот спектакль школьников для ознакомления с пьесой Островского - это спектакль для тех, у кого "Гроза" навязла в зубах, набила оскомину и уже вызывает скуку. На спектакле "Гроза. Апокриф" вы точно не заскучаете. Здесь все буквально: раз "темное царство" - так тьма на сцене, раз "луч света" - так нате, получите ваш луч. Все без исключения актеры играют яростно, наотмашь. Логика событий не всегда присутствует, да кому нужна эта логика. Мятеж с логикой не товарищи, на сцене природную грозу замещает гроза эмоциональная. Спектаклю тесно на сцене, он выплескивается в зал, взбирается на балконы и на люстре не качается лишь потому, что нет люстры. Световая партитура Тараса Михалевского выигрышно подчеркивает лаконичную и выразительную сценографию Марии Бутусовой, звуковое оформление Дмитрия Чадова добавляет драйва. И тень Александра Николаевича благословляет сей шабаш.

В театре "Школа драматического искусства" уже второй год идёт спектакль по пьесе А. Чехова "Чайка". Режиссёр Павел Карташев.
Считается, что в первой авторской редакции "Чайки", ещё не тронутой цензурой (а именно она использована в спектакле), более ярко прописан каждый персонаж, более точные акценты и оценки и максимально чётко раскрыты взаимоотношения героев.
"Чайка" в постановке "Школы драматического искусства" именно такая. Полотно спектакля похоже на яркое лоскутное покрывало, состоящее из мини-спектаклей, в каждом из которых главным героем выступает новый персонаж.
Первой появляется Маша (Лариса Ляпунова). Красивая, стремительная, свободная! Мгновенно притягивающая взгляд. Как тут не понять Медведенко (Иван Товмасян), явно сохнущего по ней, ловящего каждый взгляд, мечтающего хотя бы просто быть рядом, просто видеть.
Маша прекрасно понимает терзания Медведенко и даже сочувствует ему, ведь она и сама точно так же томится от чувств, только к другому. Вероятно не только утрата надежды на взаимность с Треплевым, но и это сочувствие к Медведенко в последствии и толкнут её в сторону замужества с ним.
И как разительно поменяет обоих этот брак!
Никогда, никогда я ещё не видела настолько жалкого Медведенко. Прекрасная актёрская работа Ивана Товмасяна: неуверенная походка, сутулость, затравленность взгляда, сменяющаяся стеклянностью. Воплощённая обречённость! До мурашек.
А Маша из порывистой, лёгкой и полной энергии за годы замужества превращается в тень самой себя, не чувствующее опоры под ногами существо, отчаянно ищущее выход из западни собственной жизни.
Пожалуй, эти двое вызвали во мне больше всего сочувствия.
Даже Петр Николаевич Сорин (Андрей Финягин) в этот раз уступил им по степени моего сочувствия. Созданный Финягиным Сорин вызывает гораздо больше умиления, чем сочувствия. А ещё уважение. Он совершенно не жалкий даже в своей немощи. И, пожалуй, впервые я осознала всю гениальность чеховского приёма - наделить колоссальной мудростью человека, которого никто не желает слышать.
И очень правильно, что в финале спектакля режиссёр концентрирует зрительские взгляды именно на нём - на Сорине.
Хорош здесь и Тригорин (Андрей Харенко). Вот уж кого я всегда считала второстепенным персонажем! А здесь вдруг осознала, что с усиленным вниманием слежу даже за тем, как меняется его выражение лица. Насколько ярко и точно каждый раз передаётся внутреннее отношение персонажа к происходящему. Ну, а уж знаменитый тригоринский монолог в виде рассказа о себе перед восторженной Ниной Заречной (Анна Чепенко) - и вовсе браво!
А как мила и по-детски наивна Заречная! Даже в финале уже "хлебнувшая всякого" она всё ещё наивна и мила. Анне Чепенко удалось передать эту несокрушимую наивность одновременно с чётким ощущением, что всё, что было в Нине Заречной когда-то, уже умерло. Остались, видимо, только наивность и неизлечимая одержимость Тригориным.
Впрочем, не менее одержима им и сама Аркадина (Настасья Кербенген), но это одержимость несколько иного рода. Одержимость собственника. Тригорин для Аркадиной заветный трофей, с которым она не собирается расставаться. Он её победа, её триумф, её гордость!
Гениальный Чехов блестяще демонстрирует нам верх материнской слепоты, не замечающей, что её настоящая победа и гордость - это сын.
Настасья Кербенген невероятно хороша в роли Аркадиной. Она настолько выразительна, что ошибиться в её чувствах и реальном отношении совершенно невозможно. Очень интересная актриса. Как жаль, что она сейчас играет здесь только в "Чайке", хочется посмотреть ещё что-нибудь.
Но самое главное, ради чего стоит посмотреть эту "Чайку", это конечно же Треплев (Вадима Дубровина). Наконец-то, я встретила своего идеального Треплева! Со всеми его достоинствами и недостатками, со всеми слабостями и со всей его силой. Браво! То самое ощущение бесконечного хождения по лезвию ножа, когда эмоции то и дело берут верх, когда не помогают никакие советы. Безысходность, сменяющаяся безудержной верой. Разбивающаяся в дребезги вера, мгновенно утягивающая в бездну безысходности.
В финале спектакля, когда всё в буквальном смысле провалилось в эту бездну, мне хотелось вскочить со своего мечта и выкрикнуть: СВЕРШИЛОСЬ!
Наконец-то я поняла и приняла Константина Треплева. Приняла полностью. И это дорогого стоит.
Спасибо!

«Дядюшкин сон» спектакль, выпущенный в конце 2023 года режиссером Глебом Черепановым.
Ах, давно я не была в таком восторге от постановки. Это очень осложняет задачу, т.к. хочется написать об этом, так, чтобы все пошли и посмотрели «Дядюшкин сон». Пропустить такое, если вы любите театр – недопустимо.
С первых мгновений понимаешь, что это спектакль, который, хоть и сделан по классическому одноименному произведению Ф.М. Достоевского, сделан в современном стиле. Бесподобные эксцентричные костюмы, которые подчеркивают характер персонажей, их настроение, горящие неоном декорации, мебель как будто с авангардных полотен - все это работа художника-постановщика Марии Морозовой. Такая яркая и точная работа над визуальным рядом спектакля впечатляет и ошеломляет. Красота декораций дополнена видео, здесь оно играет важную роль погружения в сны персонажей, позволяет поглубже заглянуть в душу и демонстрирует современные параллели с блогерской жизнью небольшого городка. Видео было сделано Александром Шапошниковым.
По жанру – это сатира на уклад небольшого города Мордасова, когда все персонажи гонятся за выгодой. Это первое произведение М.Ф. Достоевского, которое он написал после каторги. Писатель очень боялся цензуры, поэтому «Дядюшкин сон» вышел очень милым, незлобным, в то же время в нем видны намеки на будущие большие произведения писателя. Вот и у режиссера, Глеба Черепанова, получилась очень мягкая, но в то же время броская комедия, насыщенная великолепными музыкальными номерами и потрясающими нестандартными танцами (хореограф Ксения Руденко). Только в конце, размягченного юмором и красотой зрителя настигнет беспощадно трогательный монолог одного из персонажей. Поэтому кроме веселья и танцев в душе останется настоящий урок о человечности, о красоте души, о Боге – все в лучших традициях Федора Михайловича. И мы, если вдумаемся, уйдем с важными уроками в душе.
Очень красиво поставлен свет в этом спектакле, поэтому многие моменты превращаются ирреальные, восхитительные. Добротность спектакля во всем: в продуманности сценографии, музыки, жестов актеров и акцентов речи. И вот уже классическое произведение превращается в блестящий бурлеск, сияющий неоном.
А теперь о актерах. Если коротко, то бесподобно. Князь К. (Кирилл Федоров) – эксцентричный старик, помешанный на здоровье, так правдоподобно сыгран возраст, что не верится, что актер молод и прекрасен. Деталь в виде черного плюшевого медведя – смягчает образ, делает его по-детски милым.
Очень яркая роль здесь у Александры Лахтюховой – мать готовая ради своего счастья и карьеры дочери пустится в все тяжкие: обман, соблазнение, воровство. И ее постоянная фраза в зал: «А кто осудит?», заставляет задуматься. Ее супруг, Афанасий Матвеевич (Николай Гонтар) – очень смешно обыгрывает роль глупого и запуганного женой мужа.
Нежную романтичную и красивую Зину играет Анна Кутняк. Образ получился хрупким, чарующим, волшебным. Что между тургеневской барышней и феей из фантазийного мира.
Её жених, Павел Мозгляков (Евгений Поляков) – пластичен, с большим эмоциональным подъемом, отлично оживил образ своего литературного прототипа. Милый костюм в бабочках, только подчеркивает его ветреность, бездумность, отсутствие моральных норм.
Украшение комедии, два женских персонажа: Настасья Петровна (Алина Чернобровкина) и полковница (Ольга Малинина). Каждая по-своему хороша, комична с красивыми танцами.
Очень украшают спектакль три мордасовские дамы, которых играют Александра Гладкова, Анна Пик, Галина Селякова. Их музыкальные номера незабываемы.
В этом спектакле даже актеры, играющие лакея и врача (Александр Стасеев и Кирилл Тепляков) достойны упоминания, так как делают это достойно, и роль не маленькая и очень важная.
Спектакль очень понравился, планирую пересмотреть его снова. Если пойдете тоже, то рекомендую прийти пораньше, чтобы успеть оценить очень вкусные пирожки в буфете, устроить себе фотосессию (здесь очень красивые интерьеры) и насладиться выставкой живописи, которая постоянно здесь проходит. До встречи в театре, друзья!

А я опять про Дядюшкин сон. Сны любят все хорошие. Но чтобы хорошее было у Достоевского это сложно представить!
В очередной раз отправилась в театр Школа драматического искусства, чтобы еще раз посмотреть этот спектакль.
Со школьной поры обожаю Достоевского. Его герои ищущие себя, покой и равновесие в этом мире всегда меня притягивали.
В 1859 году 38-летний Достоевский пишет повесть, которую он сам называет анекдотом. Действительно, написано произведение в такой шутливой манере, но за этой напускной веселостью кроется трагедия и мрак общества.
В центре внимания - история жителей небольшого города Мордасова, а, если конкретнее, Марьи Александровны, желающей как можно выгоднее выдать свою 23-летнюю дочь Зину с испорченной репутацией (это сейчас все кричат о свободных отношениях, а тогда даже невинная по нынешним меркам любовная записка могла искалечить девушке жизнь) замуж за богатого князя К.

Во-первых, сам театр. Он находится в центре Москвы, полностью перестроенный по современном. Второй свет, большие холлы и фойе. До буфета так и не дошла. Гуляя по коридорному пространству театра, вы увидите много удивительных картин, скульптур. Мне было не до буфета. Второй раз хожу и все рассмотреть не успеваю.
Зрительный зал тоже необычный, он как бы единое пространство со сценой. Зал-Манеж. Вот как это называется. Занавеса, как в классическом театре нет.
Начинается спектакль. Необычные костюмы артистов, совсем не классические и не современные. Очень креативные. Сразу привлекают внимание и становится понятно, классического спектакля не будет. Классик, поставленный по современному. Костюмы это тоже часть игры.
Музыка более современная , но привязанная к тому времени. Мы узнаем знакомые мелодии, но как лаконично он6и слушаются в том 19 веке.
Необычны и декорации спектакля тоже как будто из современного мира, перенесенные в 19 век.
Вот так начиная с оформления спектакля режиссер-постановщик Глеб Черепанов соединяет современность и далекий 19 век. Как бы показывая нам, Достоевский всегда современен ! и то о чем писал этот мрачный писатель актуально всегда. Меняется оболочка, но содержание остается.
Костюмы артистов, декорации, музыкальное оформление делают этот спектакль необычно современным.
Игра актеров просто безупречна. Начиная от князя в исполнении Кирилла Федорова и до мордасовских дам ( Александра Гладкова, Анна Пик, Галина Селякова).
Реакция зрителей была неоднозначна. За мной сидели женщины серебряного возраста и их недовольства постановкой , постоянные высказывания немного раздражали. Для них это было непонятно .
А рядом сидела интеллигентная пара преклонных лет. Сидели они молча, поглощенные спектаклем. И при последних аккордах у мужчины покатилась слеза. И сам он был задумчивый. Видно было тронул его спектакль.
Это было еще одно мое внутреннее размышление о спектакле.
Постановка неоднозначная, но для меня она интересна, креативна. Я во второй раз с удовольствием посмотрела этот спектакль.

Режиссер – Игорь Яцко.
Про опасные связи старых обезьян развратных аристократов 18 века всегда любопытно посмотреть. «Порок любезен». Чем же опасны эти связи, кроме дурных болезней? Много чем, все покажут и расскажут.
Перед началом действия (а потом и далее) квартет струнных, состоящий из дам-музыканток , радует исполнением классических сочинений, в основном, той самой эпохи литературного источника. Приятное вступление, но затянутое, и зачем дольше времени стандартной увертюры наши уши услаждать. Мы же сейчас все такие быстрые, хотим, чтоб красный занавес немедленно упал и показал хоть что-нибудь.
Наконец-то падает, не только занавес, но и водопад на длинном узком экране в середине сценической конструкции. Неожиданность начавшегося действия состоит в фарсовой природе представления. Карнавальный юмор, дуроковаляние, и - сюрприз - никакого тяжелого эротизма. (Как же так? а как же вот это всё порочное и опасное?)
Напротив, актеры и актрисы довольно асексуальны. Происходящее на сцене в плане декламации, пластики и простецкого шуткования настойчиво напоминало театральные постановки для детей (некоторых потом в театр не затащишь после такого).
Нарядная в современном стиле тетушка (Мария Зайкова) зачитывает архаичные письма так, будто бы декламирует « в лесу родилась елочка) для дедушки Мороза, а потом ненатурально хромает. Дедушки, собственно, не нашлось, зато дядюшка нечестных правил, то есть виконт де Вальмон (Олег Малахов) к услугам. Искуситель любого типа дам, представленный нам, обладал специфической харизмой начальника жилищно-коммунального хозяйства, ловкий, подвижный, разговорчивый где надо, но и невеселый какой-то. Дел полно, сколько еще неохваченных дам, баб и девиц, а ему бы пора свой садик-огородик, домик, шубохранилище, а тут вертись до седых волос, очаровывай черт знает кого. Да, стало даже жалко коварного де Вальмона, причем заранее, в первом действии, когда у него еще все хорошо было. Партнерша по плохим делам и нечестивым проектам, воплощение, так сказать, зла и разврата - Маркиза де Мертей (Ольга Баландина ) появилась достаточно эффектно, можно было оживиться насчет основной заявленной темы, напомню, порока и опасных связей. Костюм и прическа а ля Тильда Суинтон, интересная одежда, умное лицо. Вроде все на привычном месте и на стиле. Но не тут-то было. Опять планерка, характер речи и позинг училки географии у маркизы (о боги, даже не биологии! ну..такое. Свежий новый взгляд на образ. Правда, клезмер-дуэт «Все хорошо, прекрасная маркиза» отлично вышел. Естественно. В этот момент я немедленно оценила режиссерский подход самым наивысшим образом. Вот такие они, злодеи- искусители у нас, скучные и примитивные, скачут как козляти под барабан, да и все тут очарование.. Мы-то чего ждем, узнать, как научат плохому. А такое плохое, увы, сами умеем.
Волки отплясали, далее ждем их жертв. Первая из них явилась из монастыря - юная Сесиль Воланж ( Дарья Рублева). Ну что тут скажешь. Чисто Манюня. Дитя 12 лет, которое, после явно поверхностного изучения полагающихся молитв, скачет в ожидании интересных приколов, какие ей по возрасту подходят. Не тех наверняка, какие может предложить поистаскавшийся жених - Граф де Жеркур и примерно такой же матерый претендент де Вальмон. Ей бы пока «мама мыла раму» писать, а не письма любовные. В пару к Манюне приложился Нилетто - учитель музыки Федор Леонов – шевалье Дансени, от слова данс, конечно, не мюзик, он нам приглянулся. Такой ловкий, причем без намеков на эротику в личном облике, как и принято в этом спектакле, ножка туда, ножка сюда, без глупостей. Разве что в La chi darem la mano изобразил партию дона Жуана, в меру неумело, пока Манюня прокричала-пропищала эту известную мелодию таким манером, чтоб ясно стало – учить и учить еще. Прекрасная богомольная замужняя дама госпожа де Турвель (Ольга Бондарева), в которую так неудачно влюбился на старости лет де Вальмон – милая и скучная. Ну и вкус у виконта.
Тогда как мадам де Воланж (Екатерина Кузминская) - очень яркая, и роль, и актриса. По ходу дела и сюжета, не хотелось смеяться над убогими постурами и громкими речами представленного кордебалета, но когда эта актриса участвовала в сценах – не сдержались.
Получается, что почти модернистское поругание «Опасных связей» Шодерло нашего Пьера де Лакло всецело одобряем, хотя, на наш вкус, не мешало бы сократить концерт, хороший, но слишком подробный и длинный, мы ж не в опере, плюс умерить бы градус чрезмерной декламации у цирковых. Они и без этого чертовски хороши, возможно, много более могут. А вот буфету бы градусов добавить не мешало. А то под стать спектаклю витрина – барочные пирожные, бабушкины пирожки, кофе, чай и газировка. Может, лучше колобки все эти - сахар с тестом - пусть лиса с медведем в лесу лопают, на зиму зажировываются, а мы бы чем-то менее опасным подкрепились.

Трагифарс – драматическое произведение, в котором комические элементы сочетаются с трагическими. И это, пожалуй, лучшее определение того, что мы увидели на сцене театра Школа драматического искусства на спектакле «Опасные связи». Собственно, сам знаменитый роман Шодерло де Лакло трагифарсом не называют, также как и написанную для постановки пьесу сэра Кристофера Хэмптона. А вот в названии пьесы Леонида Филатова «Опасный, опасный, очень опасный…» «трагифарс» присутствует. И будем теперь воспринимать спектакль именно как трагифарс. Тем более, что эта постановка включает в себя фрагменты филатовского произведения.
Итак, что мы увидели на сцене Школы драматического искусства. Чуть отойду от спектакля и расскажу про театр. Была здесь до этого всего один раз, но театр очень запомнился. Очень уютное и необычно организованное внутреннее пространство, по которому хочется ходить, заглядывать в разные уголки и иногда находить неожиданное. И вот такое многоуровневое пространство продолжается и на сцене.
Но открывается оно только при сдергивании занавеса – тоже необычно, когда он не поднимается, не раздвигается, а именно сдергивается вниз. Причем с громким звуком. Правда, до этого нас предупредили о том, что в пьесе прозвучит громкий выстрел, так что к звукам мы были готовы.
При входе в зал играет живая барочная музыка - Струнный квартет под руководством Ольги Мохначевой, и ты уже готовишься к атмосфере 18 в. Но вот неожиданность: входят актеры в современных костюмах, мотоциклетных шлемах. И только потом постепенно переодеваются в костюмы той эпохи, причем происходит переодевание тут же на сцене. Но все идет достаточно элегантно, не вульгарно. И надо сказать, что это в целом касается всей пьесы, хотя очень сложно в таком сюжете не опуститься до грубой пошлости.
О костюмах хочется сказать особо. Художник по костюмам Евгения Панфилова создала их все в черно-белой гамме и украсила золотом. Очень стильно, и хорошо гармонировало с черными декорациями.
Первое действие практически целиком комедийное с включением веселых куплетов, чечетки и т.д. Мне, правда, показалось немного затянутым, хотелось большей живости и краткости.
Но во втором мне полностью хватило динамики и трагизма. И жуткая картина разложения лица маркизы была апофеозом действия. Очень сильный ход - показывать на экране выражение лица главной героини. И, конечно, несмотря на название филатовской пьесы «Опасный, очень опасный» – главной героиней была маркиза де Мертей в исполнении Ольги Баландиной. Играла прекрасно. И очень понравился Олег Малахов в роли виконта де Вальмона.
Если хотите погрузиться в страсти 18 в., которые при этом совершенно современны, рекомендую.

Спустя несколько лет я снова оказалась в театре Театр «Школа Драматического Искусства» на спектакле «Вишневый сад». Режиссёр постановки по пьесе Антона Павловича Чехова — Заслуженный артист РФ Игорь Яцко.
Казалось бы, чем может удивить спектакль "Вишневый сад", но постановка Игоря Яцко смогла это сделать. Вроде бы всё также - приезд помещицы в усадьбу, которая находится на грани разорения, известие о продаже Вишневого сада, монолог, посвященный старому шкафу, но впечатление, совершенно отличное от других постановок по этому сюжету.
Это начинается еще на декорациях, которые здесь оригинальные. Эти не то экраны, не то окна в первом действии- очень интересная находка. Особенно когда актеры их закрашивали, изображая цветещий вишневый сад, это было какое-то гипнотическое действие. Да и пространство театра очень необычное, а когда по нему разносится шум прибывающего поезда, исполненный тоже актерами спектакля - это замечательно!
Актерский состав тоже очень интересный.
Самыми интересными героинями для меня стали сестры Аня - Регина Хакимова и Варя - Мария Викторова, такие разные, но за обеих совершенно искренне переживала и хотелось им счастья. Особенно Варе во время сцены объяснения с Лопахиным.
Отдельно хотелось бы отметить Раневскую - Заслуженная артистка РФ Людмила Дребнева. Хотя я давно знакома с сюжетом, за ее переживаниями и из-за сада, и из-за любимого во Франции было как-то особенно наблюдать. Ей верилось...
И совершенно очаровательный Фирс - Олег Охотниченко, такой трогательный и заботливый. И очень необычный финал спектакля, когда зрители словно остаются в заколоченном доме вместе с Фирсом, которого в нём забыли...

Редко, но, к счастью, случаются спектакли, на столько удачные, что выходишь после таких на улицу и кажется что сейчас взлетишь. И так, в состоянии счастливого полета, существуешь потом несколько дней. Даже начинаешь удивляться: а что за счастье у меня случилось? И вспоминаешь, что случился спектакль, и новая волна радости накрывает вкусными воспоминаниями. Именно в такое состояние полета я попала после спектакля "Чехов в 3D" увиденного в Школе Драматического Искусства. Видимо при создании этой постановки звезды сошлись, небеса расступились и родилось чудо. Глаз начинает радоваться как только входишь в крохотный Тау-зал, спрятанный в недрах закулисья. Художник Екатерина Горшкова создала уютное пространство, объединяющее и заливные луга, и барскую усадьбу, и косцов вольготно устроившихся среди стогов. Даже самовар здесь выносят абсолютно настоящий, вкусно пыхающий натуральным дымком. А со стены глядят на все здесь происходящее Антон Павлович с Ольгой Леонидовной, глядят и несомненно одобряют. Да и как не одобрять, когда чеховские водевили "Предложение" и "Медведь" разыгрываются легко и непринужденно, даже не разыгрываются, а живут и существуют в родной для себя среде. Ах, сколько здесь задействовано приятных находок и придумок. Чего только стоит золотая клетка, в которую себя добровольно заточила помещица Елена Ивановна Попова. И эти красные носки темпераментного кредитора Григория Степановича Смирнова. А знаменитые Воловьи лужки, с которыми нежно обнимается помещик Степан Степанович Чубуков, и бубен Валькирии в руках его дочери Натали Степановны, непреклонно отбивающий последние минуты холостой жизни их соседа Ивана Васильевича Ломова.
А где тут 3D, спросите вы? Не все в этом спектакле так уж просто, как все непросто и у Чехова. Между двумя веселыми пьесками, с их пышущими жизнью героями, бочком, на цыпочках закрался трогательный в своем непротивлении действительности Иван Иванович Нюхин из сцены "О вреде табака". И именно этот, трагический по своей сути монолог, добавляет спектаклю объем и уносит нас в иное измерение.

Сходили смотреть Чехов в 3D. Совершенно очаровательная постановка. А ведь пьесы-шутки «Предложение» и «Медведь», а также сцена-монолог «О вреде табака».поставлены неоднократно и экранизированы и очень любимы зрителем и браться за них смелость. И все у Евгении Тодоровой получилось. Особенно восторг Ирина Хмиль (дочь помещика). Оригинальная сценография, все части в одной декорации, там и стог и стол и грамофон с самоваром. Ну только что может быть Илья Кузин на "медведь-бурбон-монстр" не очень похож, тут надо быть постарше и этак разухабестее. А он больше драмы, надрыва, ближе к Расскольникову
Сходить советую и любителям классики и детей привести тоже, чтобы полюбили школьную программу

«Вишневый сад» А.П.Чехова в Театре «Школа драматического искусства».
Спектакль интересно начинается прибытием поезда - это мы слышим только с помощью звуков, но они на столько реалистичны, что кажется вот-вот из-за угла действительно покажется состав.
В целом вся постановка полна и классических приемов, и современных решений. Были и явно некие символы, но не все я смогла «расшифровать». Например, в одной из сцен вдруг появляется велосипедист в маске и кожаном плаще - что он значил и для чего появился я не сообразила, но было необычно и эффектно.
Сюжет чеховского «Вишневого сада» точно всем известен, поэтому пересказывать не буду, но пару слов о финале:
Финал у спектакля оказался интересным и явно непривычным. Имею ввиду не саму сюжетную линию - там все осталось по-прежнему: дом продан, вещи собраны, вишневый сад вырублен...
Но! Зрители совершенно неожиданно для себя оказываются внутри заколоченного дома под снос…
Артисты справились со своими ролями на 10/10.
Игорь Яцко - режиссер и исполнитель роли Леонида Андреевича: блестяще и браво!
Людмила Дребнева - сестра Леонида, Любовь Андреевна, блестяще сыграла главную роль спектакля, разорившуюся помещицу.
Дуняша, студент, старик лакей и другие исполнители отлично передали нам характеры своих героев.
В костюмах и деталях сквозил русский дух, такой характерный для Чехова - вязаные шали, ажурные зонтики, валенки, самовар, столетний старинный шкаф… Эти и другие элементы были украшением спектакля и которые отлично дополняли сюжет своей визуальной эстетикой.

Однажды я побывала на премьере спектакля "Чепуха" театр "Вахтанговский Практикум" режиссера Аси Князевой и поняла, что этот театр и режиссер мне безумно нравятся, что надо посмотреть все, что ставилось ранее, я хочу это увидеть! Наконец мои ноги дошли и до постановки "Мама, я блогер". Могу ошибаться, но, наверное, он из ранних, поскольку Ася Князева не пришла еще в нем к маскам и буффонаде, но, впрочем, уже пришла к глубоким рассуждениям, которые парализуют зрителей на весь спектакль. Сразу хочется отметить Марию Лисовую в роли матери - Софии Полянской, Веронику Фаворскую в роли дочери Зои, Ивана Авдеева в роли блогера на интервью и Антона Власова в роли Аиста, а я бы сказала - Ангела. Прекрасные актеры, умеющие перевоплощаться в своих персонажей, держать внимание зрителей, им хочется сказать: "Верю!"

Спектакль современный, на первый взгляд, больше для молодежи, поэтому количество подростков среди зрителей меня не удивило. А вот присутствие детей удивило, ведь четко прописан возрастной ценз 16+, и тут это совершенно оправдано, в спектакле не стесняются ни в понятиях, ни в выражениях. Зато наглядно, зато доходчиво, зато остро и больно впивается, заставляя зрить в корень. Это не просто о взаимоотношении подростка с матерью, подростка со своим окружением, подростка с самим собой. Здесь про то, как необдуманные поступки, совершенные много лет назад, могут вдруг больно аукнуться, и не только в твоей жизни. Здесь про то, как дети повторяют сценарий, заложенный им с детства родителями. Здесь про то, что мы разучились слышать друг друга, забыв про то, что родные здесь, рядом, а не по ту сторону экранов наших мобильных телефонов. Остаться равнодушным после спектакля невозможно, и каждый обязательно находит в нем что-то свое.

На сцене нет декораций, если не считать неоновых надписей, и сцена сначала кажется слишком пустой, а потом каким-то волшебным образом она заполняется чем-то невидимым, но объемным - персонажами, их переживаниями, эмоциями, энергетикой. Актеры появляются то с одной, то с другой стороны, пересекая пространство и удерживая темп постановки. Атмосфера спектакля накаляется быстро. Что там, за многочисленными дверями по периметру сцены, где так кстати светятся зелененький надписи "Выход"? Там яркий свет софитов, фоловеры, ожидающие новых публикаций, и там целый мир, выход в который у главной героини явно не через эти двери. А здесь, перед зрителями - мама и дочка в замкнутом пространстве короба собственного упрямства, и у каждой из них своя жизнь, свои мечты, свои заботы, пока вдруг и жизнь, и заботы, и мечты не становятся общими... Яркие пятна света акцентируют внимание на героях, и герои превращаются в актеров под лучами софитов, играющих в жизнь. Или это не софиты, а свет от кольцевых ламп, и вся наша жизнь - это бесконечные селфи, рилсы и стримы?..

Я даже не уверена, что финал у постановки позитивный, зато уверена, что и родителям, и подросткам просмотр спектакля "Мама, я блогер" может принести неоценимую пользу. А самое главное, он возвращает в реальность, пусть ненадолго, ведь уже по дороге домой вы точно откроете соцсети в своих мобильниках, но все же. А лично я получила немалую пищу для размышлений и в очередной раз могу рекомендовать к просмотру спектакли театра "Вахтанговский Практикум" и режиссера Аси Князевой. Надеюсь, что с этим театром я прощаюсь ненадолго, и до новых встреч!

«Дядюшкин сон»
Славный город Мордасов, век наш… Мордасовцы, облачённые в модные тряпки и овладевшие новейшими средствами коммуникации (чего стоит один огромный экран на верхнем заднике сцены!) не стали добрее и милосерднее. Скорее, наоборот.

Марья Александровна Москалёва, первая дама в Мордасове (Александра Лахтюхова, браво!) прибавила к своим многочисленным «талантам» ещё и способность перевоплощения.
Сцена, в которой эта неординарная женщина, уговаривая дочь, меняет свои личины, завораживает весь зал. Не хочешь, дочка, слушать маменьку? А может быть, несчастная старица с клюкой тебя разжалобит? Вот так, сейчас бабушка до креслица дохромает, этак театрально в него свалится, да и дух из неё вон… Опять не «прокатило»? Тогда посмотри, как чудесно танцует с красным плащом свободная и ни от кого не зависящая Айседора! Ты ведь тоже мечтаешь о свободе, глупенькая?

Князь К. в исполнении артиста Кирилла Фёдорова воистину прекрасен. Особенно впечатляет сцена его «облачения» после сна: довольно долгая, ибо надевать приходится не только парик и бакенбарды, но и пристёгивать к плечу протез руки. Все это происходит в кресле-маске, повернутом к зрителям спинкой. Так что каждый из нас может проверить богатство своего воображения.
Несмотря на комичность всего облика Князя, его странноватые суетливые движения и способность моментально забывать только что при нем сказанное, лично у меня он вызвал самые добрые чувства. И конечно, жалость, что век человеческий столь не долог, и на склоне лет все мы рискуем превратиться в такую вот расшатанную «полукомпозицию».

Спектакль Глеба Черепанова получился более чем музыкальным. Павел Александрович Мозгляков, (артист Евгений Поляков)томно исполняет душещипательный романс; очаровательно поет трио мордовских дам. Зина (актриса Анна Кутняк) потрясает старого Князя «романсом, в котором много рыцарского», а нас, зрителей — песенкой «Маленький принц». Голос у Анны просто великолепный, а слова «Мчится мой парусник в сказочный путь» звучат как-то особенно горько. Зина уже догадывается, что ее маленький бунт недолговечен, и маменька станет вечной пассажиркой ее несчастного парусника, изничтожив любую, даже самую сладкую сказку.

Молодые артисты в этом спектакле играли просто великолепно, причём все без исключения. Особо отмечу талант и проворство Александра Стасеева, умудрившегося сыграть роли трёх совершенно разных слуг и даже провести утреннюю зарядку в семействе Москалевых.
Особый респект — Кириллу Теплякову, коий, в перерывах между своими обязанностями мордасовского врача, искусно создавал музыкальный фон спектакля. Фортепьяно, домбра, барабаны… что ещё? Ах да, экзотические, ни с чем другим не сравнимые по своему первобытному гудению австралийские диджериду, появившиеся аккурат в сцене сна Афанасия Матвеича (артист Николай Гонтар).

«Эээ, — протянула я про себя, очень кстати вспомнив детскую сказку про Машу и медведей, — если уж есть в спектакле Настасья Петровна, то обязательно должен быть и Михайло Иваныч!». И этот самый «Михайло», мирно блаженствующий в своём распрекрасном «Медвежьем углу», не преминул проснуться, разбуженный недовольными воплями женушки своей, госпожи Москалевой. Ну вот и все, кончился простой деревенский рай с банькой по субботам и попиванием чаёв по пять раз на дню. Снова придётся Афанасию Матвеичу кланяться, унижаться, подчиняться, оправдываться. А главное — молчать и отвечать на вопросы окружающих «саркастической усмешкой». И одному Богу известно, как эту самую усмешку на лице своём нарисовать!

В повести «Дядюшкин сон», написанной Достоевским в середине 19-го века, добро, милосердие и сострадание красавицы Зины пали под натиском злобы, нетерпения и жестокости. Лишь на несколько мгновений зажглась в темном мордасовском царстве маленькая звёздочка, но быстро потухла. Это случилось в тот момент, когда Зина не побоялась выразить своё мнение обо всем происходившем и изъявила желание хоть и подчиниться маменьке, но в отношениях с Князем поступать по-своему.

В спектакле режиссера Глеба Черепанова мы видим, как звёздочка эта разгорается, и свет ее доходит до сердца каждого зрителя. Горячо надеюсь, что не минует он и зачерствевших сердец мордасовцев, угнездившихся в ожидании «очередной комедии» в «нулевом» ряду зрительного зала. Униженный, лишенный парика, очков и бакенбард и ничего со сна не соображающий, Князь К. собирается с последними силами и выдаёт своим насмешникам знаменитый монолог князя Мышкина, произнесённый им в доме невесты своей Аглаи…
У особо чувствительных зрителей на глазах появляются слёзы. Ибо невозможно равнодушно внимать исповеди этого маленького доброго и любящего весь мир человечка. Да, он прекрасно понимает свое отличие от других людей. Да, он сам виноват, что не всегда может объясниться с ними так, чтобы они его правильно поняли, а потому частенько бывает смешон. Но все это пустяки, ибо есть на свете счастье, доступное даже таким, как он. Счастье видеть дерево, ребёнка, травку, божию зарю, — и любить их. Счастье говорить с нами со всеми — и любить нас… И видеть в глазах наших ответную любовь — даже если она — всего лишь плод его богатого воображения.

"Дядюшкин сон" в постановке Г.Черепанова - комическая драма, сыгранная юными актерами ШДИ. Меня поразило перевоплощение А.Лахтюховой в зрелую женщину, занятую устройством личной жизни своей дочери. Зинаида( Анна Кутняк) способна вызвать любовь своей добросердечностью и красотой. В Мордасове не только есть и местный блогер Фарпухина - настоящая полковница с погонами и эполетами. Софья Петровна(Ольга Малинина) ходит строевым шагом, точно попадает в цель выпитыми до дна бокалами и решительно разоблачает всё, что не comme il faut. Провинциальная жизнь - далеко не тихая заводь, и в эфире появляются репортажи то про Наталью Дмитриевну Паскудину(Александра Гладкова), которая до такой степени любит сладости, что не забывает в гостях заполнить украдкой свою сумочку сахаром и шоколадом. Или репортаж о другой мордасовской даме Фелисате Михайловне (Галина Селякова), которая приходит со своей коровой под забор соседей и гадить, и мычать. Но хедлайнером становится эфир об Анне Николаевне А. (Анна Пик), которая имеет любовника(!) и встречается с ним по четвергам и воскресеньям!
Как видите, мордасовские дамы имеют довольно разносторонние увлечения, но действуя единым фронтом, они представляют угрозу даже для планов самОй госпожи Москалевой!
Все боевые действия разворачиваются вокруг князя К. Молодой актёр Кирилл Фёдоров поразил сердце не только морласовских дам, но и всех зрителей в зале. Сыграть пожилого мужчину, который уже не узнаёт давних знакомых, иногда заговаривается, засыпает, когда целует дамам ручку, но покоряет всех своей милой улыбкой, добротой, деликатностью, галантностью безусловно нелегко. Даже его физическая беспомощность придаёт ему шарм, а 4000 душ являются только поощрительным бонусом к его почтенному возрасту. Князя К. собирают для выхода, как трансформер: парик, усы, бакенбарды, эспаньолка, руки, ноги. Кирилл Фёдоров ни на секунду не вышел из своей роли старца и стал триумфатором постановки.
Весь спектакль прошёл, как "очаровательный сон": яркие, сочные цвета костюмов, декораций, бутафории красноречиво подчёркивали кипучую жизнь и энергию жителей провинциального Мордасова, талантливо описанную Ф. М. Достоевским и представленную режиссёром Глебом Черепаноаым.

Если кто соберется кинуть камень в спектакль "Дядюшкин сон", идущий в театре "Школа Драматического Искусства" на Сретенке, тот скорее всего Достоевского не читал. Или читал, но давненько. А Достоевский ведь он разный. Он не только старуха процентщица и тварь ли я дрожащая. Как например определить жанр того же Дядюшкиного сна? Это комическая повесть или трагедия, фарс или водевиль? И уж не пародия ли он? Жанровое своеобразие этой повести вмещает в себя и юмор, и сатиру, и реализм. В ней отражена сложность и неоднозначность стихии самой жизни. А в жизни даже самому талантливому автору или режиссеру невозможно предугадать финал.
Режиссер-постановщик Глеб Черепанов в своей постановке идет вслед за Достоевским. Происходящие в его спектакле события составляют сложное сочетание сна и яви, бреда и действительности. В нем присутствует и мелодрама, и трагедия, и пародия на мюзиклы, телевизионные шоу, популярные блоги. А главное, все это, плюс великолепнейшие актерские работы, смешиваясь в замысловатый коктейль, создает на сцене яркий спектакль, не дающий возможность зрителям расслабиться ни на секунду. И все это пиршество помещено в великолепные декорации художника-постановщика Марии Морозовой.
Ставить спектакль по повести Федора Достоевского "Дядюшкин сон" можно или имея в труппе харизматичного возрастного актера или актера синтетического, чувствующего себя абсолютно свободно в любом жанре. Кирилл Федоров как раз таков. В его исполнении Князь К. дряхлая развалина, "полукомпозиция", "полупокойник" одновременно и смешон, и жалок, а в финальной сцене глубоко трагичен. Под стать исполнителю заглавной роли, игра всех актеров, участвующих в "Дядюшкином сне", выше всяческих похвал. Ах, как прекрасны мордасовские дамы (Александра Гладкова, Анна Пик и Галина Селякова) - глаз не оторвать! Ольга Малинина в роли полковницы просто творит чудеса. Для первой дамы в Мордасове Марьи Александровны Москалёвой (Александра Лахтюхова) королевство явно маловато, а зашуганный ею супруг (Николай Гонтар) одновременно и смешон, и величественен и жалок. Их дочь Зина (Анна Кутняк) - нежная, верная, любящая жертва матушкиных амбиций. Настасья Петровна Зяблова (Алина Чернобровкина) плетет хитроумную интригу, в которой, пусть сначала и с неохотой, но затем с пользой для себя участвует жених Зины (Евгений Поляков).
Великолепные костюмы-трансформеры Марии Морозовой, хореография Ксении Руденко, музыка Кирилла Теплякова и Евгения Полякова превращают постановку в настоящее пиршество для глаз и ушей.
Спектакль "Дядюшкин сон", идущий в театре "Школа Драматического Искусства" мне безоговорочно понравился. Надеюсь он понравится и вам, если конечно мой отзыв вас не напугал, и вы, прочитав его, решитесь все-таки посмотреть эту постановку.

В этот раз мне повезло вд*****. Сначала посмотрела замечательный спектакль "Мама, я блогер!", идущий на сцене театра "Школа драматического искусства", а потом еще поприсутствовала на его обсуждении с участием блогера-милионника, психологов, всех участников спектакля и его режиссера.
Ася Князева, поставившая спектакль - дочь известного актера и ректора Театрального института им. Б.Щукина Евгения Князева, и на ней природа точно не отдохнула. Вижу уже второй ее спектакль, созданный Творческим театральным объединением молодых выпускников Щукинского, ГИТИСа и СПбГАТИ под названием "Вахтанговский практикум", и оба оказались очень удачными, при этом совершенно разными. О "Дневнике писателя" рассказывала довольно давно, и сразу со страшной силой захотелось увидеть "Мама, я блогер!". Наконец удалось!
И спектакль и его режиссер были номинантами на премию Театрального биеннале "Уроки режиссуры", создан спектакль при поддержке Президентского Фонда культурных инициатив. Приятно, что Фонд поддерживает такие важные молодежные проекты.
В основе спектакля одноименная пьеса молодого драматурга Александры Стрижевской.
В ней во всей красе предстает наша новая, к сожалению, довольно распространенная реальность жизни напоказ, каждый шаг в которой подчинен мифическим целям завоевания внимания все большего количества людей, которые тебя никогда не видели "живьем", и при этом абсолютное невнимание к жизни собственных близких!
Героиня спектакля София(Софья Игрушкина) уже настолько давно попала в зависимость от соцсетей, что считает блогерство своей настоящей жизнью. Как наркоман со стажем, она не может без очередной дозы активности подписчиков. Спад интереса к блогу для нее нечто, вроде вселенской катастрофы, а потеря количества просмотров неизменно влечет за собой финансовые трудности. Взлетела она на волну популярности как мать-одиночка, рождение ребенка и взросление дочери приносило ей стабильный доход, но девочка растет, интерес падает, мамаша в панике и раздумьях о том, как вернуть интерес аудитории, а не о том, чем живет дочь-подросток.
Зоя (Аня Карабаева), вопреки открытости матери - абсолютный интроверт. Оставшись без проявлений материнской любви, позабытый-позаброшенный подросток, которого вытаскивают на свет только ради очередного рекламного поста, "книжная" девочка, затравленная жестокими сверстниками, ищет любовь и понимание у одноклассника, вроде бы находит, но Миша(Руслан Погодин) эгоистичен и слишком подвержен влиянию общественного мнения, чтобы брать ответственность за другого человека, а тем более за новое, еще нерожденное существо. Стать молодым отцом в его планы точно не входит. Зато появление ребенка очень на руку теряющей популярность Софии.
Тема спектакля гораздо многограннее, чем кажется на первый взгляд. Этот пронзительный рассказ не о блогерстве, как таковом, а об утере взаимопонимания, равнодушии, жестокости и о безуспешных попытках найти любовь.
В какой-то момент от отчаяния и равнодушия матери у Зои возникают мысли об уходе из жизни, но у нее есть ангел-хранитель в смешной шапочке с помпоном(Антон Власов), он же тот самый Аист, что выбирает родителя для будушего малыша. Он убеждает Зою, что именно она достойна дать миру новую жизнь. Прогадал ли он? Результат оказывается не совсем таким, как он предполагал.
Все возвращается на круги своя - у дочери блогера нет другого пути, как самой стать блогером. Но на этом новом витке спирали есть одна существенная особенность - новорожденная малышка получает не только искусственную, показную, но и реальную любовь уже от двух женщин. А что там дальше - жизнь покажет...
Сама форма спектакля лаконичная и своеобразная. Герои постоянно мечутся между четырьмя дверями, словно пытаясь найти единственный правильный выход. Неон надписей под потолком, зажигающий очередное место действия, видеопроекции на экранах, как выход в онлайн, блогерская подсветка - все приметы нового способа существования налицо. Блогерство - профессия, образ жизни или зависимость? Как оградить детей от жизни в придуманном мире и объяснить им, чем настоящие человеческие ценности отличаются от придуманных в угоду популярности? Очень интересная дискуссия развернулась после спектакля. Блогер Надежда Ермакова, не нашедшая в спектакле ни одного положительного примера, утверждала, что, несмотря на миллионы своих подписчиков, блогерство профессией не считает. Конечно, у нее нашлись оппоненты. Семейные психологи и зрители, под впечатлением от спектакля, всерьез задумались о будущем детей, их отношениями с родителями и сверстниками и много рассуждали об этом. Короче, и приятно оказалось и полезно. Теперь настроилась на поход на спектакль Вахтанговского практикума "Чепуха", который все так же горячо рекомендуют.
Спасибо театру, замечательным молодым актерам и талантливому режиссеру. Буду по-прежнему следить за их творчеством. До встречи в театре!

Родители и дети - это разные поколения, разные характеры, разные мечты и желания, разный опыт. И не всегда настоятельный совет родителей - безоговорочно верный вариант. Так слушать или не слушать, - вот в чем вопрос...

Свое знакомство с театром "Школа Драматического Искусства" я начала со спектакля молодого перспективного режиссера Данила Акутина "Моя жизнь" по одноименной повести А.П. Чехова. Именно с этого спектакля стартовала Молодежная программа Школы драматического искусства под руководством Глеба Черепанова. Она дает новоиспеченным режиссерам стартовую площадку для дальнейшего роста, ведь поставленный в рамках программы спектакль становится частью репертуара ШДИ. Потрясающая, я считаю, задумка, отличающаяся особой степенью доверия к молодым дарованиям. Раньше подобные постановки можно было посмотреть лишь в театральных ВУЗах, и после выпуска курса все спектакли так и оставались экзаменационными работами, ушедшими в небытие. Но Молодежная программа - это уникальный шанс реализовать свою задумку с профессиональными актерами и для широких масс.

Отвечая на вопросы зрителей, Данил поделился, что тема несоответствия его выбора профессии замыслам его отца является личным жизненным затруднением, в связи с чем и возникло желание поставить именно это чеховское произведение. Вопрос отношения общества к людям с расхожими с массами взглядами режиссер обошел стороной, сосредоточившись на своем больном вопросе. К тому же, форма спектакля и временные ограничения и не позволили бы раскрыть произведение во всех его аспектах. Немалая часть жизни героя пролетает перед зрителями за полтора часа, перенося из одного эпизода в другой. Разочарования, страхи, встречи, радости, разлуки, надежды, - все мелькало перед глазами, но так и не принесло ответа на главные вопросы. Что было бы, если бы Мисаил прислушался к отцу? Готов ли Мисаил идти своей дорогой и не сломаться под напором жизненных обстоятельств и общества? Обретет ли он ту свободу, которую искал и в которую верил?

Постановка интересна многообразием различных средств выражения, которые молодой режиссер собрал в своем спектакле для воплощения своего замысла и выражения своих мыслей. Прежде всего, это заранее снятая роль отца Мисаила на видео, которое впоследствии транслировалось на элементы декораций. Так, главный герой общался не с человеком, а с черно-белым изображением. То есть, он вроде бы есть, а вроде бы его и нет, что напомнило мне призрака отца Гамлета. Основным элементом декораций стали шкафы с одеждой на платформах с колесиками, которые на протяжении всего спектакля перемещались и расставлялись по-новому для создания мизансцен. Одним зрителям эти шкафы напомнили о "скелетах в шкафах", которые есть у многих, другим одежда в шкафах напомнила находящееся вокруг героев повести общество без душ в модных красивых оболочках. У меня же возникла ассоциация со сказочной Нарнией, в которую сбегали герои из невыносимой для них реальности. Очень мне понравился эпизод с лежащей на сцене колонной, символизирующей профессию отца Мисаила - архитектор. В какой-то момент Мисаил взял пилу и начал распиливать эту колонну, а потом сел на отпиленную часть. Таким образом он продемонстрировал пренебрежение к возвышенной профессии, заострил внимание на своей приверженности к работе руками, да и в общем весьма символично "распилил" последнюю ниточку, связывающую его с семьей. Было в спектакле и немного хореографии, и немного игры светом, и обыгрывание с верхних частей шкафов, закончив одну из которых и спускаясь по лесенке, бедная Маша упала отнюдь не по задумке режиссера.

Все роли в спектакле исполняют актеры труппы театра "Школа Драматического Искусства". Главного героя Мисаила сыграл как всегда неподражаемый Андрей Харенко. Арина Федосенко исполнила сразу три роли: Клеопатры, Анюты Благово и женскую фигуру, - последняя как-то ускользнула от меня, а может так и было задумано? Федор Леонов пошел дальше - он исполнил сразу четыре роли: Виктора Ивановича, Редьки, доктора Благово и мужскую фигуру, - последняя тоже осталась неопознанной мною. Машу сыграла Анна Чепенко. А в кино в роли отца Мисаила сыграл Сергей Ганин. Честно говоря, даже жаль, что такой замечательный актер появляется на сцене лишь в виде персонажа черно-белого кино.

В целом, спектакль получился очень достойным, особенно если учесть, что это первая работа режиссера. А какие интересные программки сделали к этому спектаклю - в виде корабликов, ведь именно кораблики являются символом Молодежной программы театра "Школа Драматического Искусства". Мне очень хочется пожелать успехов режиссеру Данилу Акутину - отрадно видеть его рвение и амбиции, похвально, что каждая деталь в спектакле добавлена осознанно, но позволю себе тихонечко шепнуть ему на ушко, что немного скромности еще никому еще не повредило. Вечер получился поистине приятным, знакомство с Театром прошло успешно. Я ценю такую уютную атмосферу, гостеприимство и тепло, которые и актеры, и работники дарят своим зрителям. Надеюсь, до новых встреч!

В рамках Молодежной программы Школы драматического искусства на прошлой неделе состоялся первый показ спектакля «Моя жизнь» молодого режиссёра Данила Акутина.
Примечательного в нем было две вещи: для постановки выбрано далеко не самое популярное произведение А.Чехова, и факт, что Акутин - кинорежиссёр, то есть, это был его театральный дебют.

Постановка, рассказывающая о жизни дворянина Мисаила (Андрей Харенко), который добровольно отказался от своих привилегий, сделав выбор в пользу физического труда, получилась очень стильной. Каждая сцена, кажется, имеет значение, и поставлена со вкусом.

Особенно понравились хореографические вставки и киноэкран с проекцией отца главного героя - хотя, как верно было замечено на встрече с постановочной командой после спектакля, кто только из режиссёров уже не использовал приём с экранами, тем не менее, я не знаю лучшего способа показать дистанцию между отцом и Мисаилом с сестрой.

Также, отличная идея со шкафами-декорациями, которую также активно обсуждали - они показывают и «сущность» каждого из 4 основных героев, и символизируют «скелеты в шкафу», и порталы между мирами…

Игра актеров прекрасна. Кроме уже упомянутого Мисаила-Андрея Харенко, большой отклик вызвала его сестра Клеопатра (Арина Федосенко) - доверчивая девушка, прожившая под гнетом отца всю юность, которая, обретя наконец свободу, не смогла уже устроиться в жестоком внешнем мире.
А ещё, в очередной раз поразил меня мой любимый Фёдор Леонов, который сыграл в спектакле 4 диаметрально противоположные роли, мгновенно переключаясь с одной на другую!

Очень рада, что замечательная «Моя жизнь» вошла в репертуар ШДИ, и с нетерпением жду следующих показов программы!

"Тля ест траву, ржа - железо, а лжа - душу" - это цитата из повести одного из моих любимых писателей А.П.Чехова "Моя жизнь", премьерный спектакль по мотивам которой мне удалось посмотреть в Театре «Школа Драматического Искусства».
Произведение непростое для сцены, потому редкость. И как же радостно, что Молодёжная программа ШДИ начинается с постановки нового, интересного, "не избитого". И что в своей дебютной работе молодой, талантливый, начинающий режиссёр Данила Акутин не побоялся поставить спектакль по этой повести.
И ведь у него это прекрасно получилось!
Чеховские герои - просто люди, такие, как мы все, словно фотограф, он фиксирует случайные лица, не выбирая красивые или значительные, просто разные лица обычных людей. Так и главный герой - некий человек со странным именем Мисаил (актёр Андрей Харенко) не самый обычный рядовой обыватель. Он сын архитектора и потомственный дворянин отказывается от общественного положения, которое может дать ему умственный, достойный, по мнению окружающих, труд в пользу труда физического. Он не претендует на какие-то высшие способности, вполне четко осознает свою ординарность, но пытается найти смысл в своей жизни, найти самого себя. Дворянин Мисаил идет работать обыкновенным маляром. Физическим трудом заниматься не стыдно, стыдно перебирать бумажки — считает он, не видя в своем поступке никакого геройства. Но в маленьком провинциальном городке — это событие из ряда вон выходящее, кто-то его презирает, кто-то видит в нем выдающегося человека, решившегося на бунт. Дочь богатого инженера Маша (актриса Анна Чепенко) решается стать его женой, чтобы  вместе сделать мир лучше. Но когда и кому это удавалось? Как итог - узнаете, когда посмотрите спектакль. Доктор Благово (актёр Фёдор Леонов), мечтающий о прогрессе, спокойно совращает сестру Мисаила, Клеопатру (актриса Арина Федосенко), доверчивую и чистую, легко попадающую в его сети, не думая, что совершает нечто постыдное.
В спектакле отразились взгляды А.П. Чехова на философию Л. Н. Толстого. Извечная тема взаимоотношений отцов и детей. Отец Мисаила властный богатый дворянин (актёр Сергей Ганин) не может принять и смириться с выбором сына. Не может простить свою дочь, решившую родить ребёнка без брака.
В постановке «Моя жизнь» нет финальной морали. Что изменилось в этой жизни? Да, по большому счету ничего. Все также люди любят, обманывают окружающих и себя, и все также страдают. И в этом страдании ищут истину. У Чехова главный герой — время, оно испытывает человека: останется что-то или всё пройдёт? Как мне показалось, спектакль про это.
Очень интересная задумка режиссёра в желании объединить элементы театра и кино. Декорации...эти шкафы, вешалы выступают как экраны, на которых мы видим ожившие фотографии чеховской эпохи, на которых суровым осуждающим критиком появляется отец героя.
Спектакль вышел динамичный, актёры и бегали и прыгали и лазали и танцевали и даже на велосипеде катались, словно вопреки неспешному быту того времени, ведь наша жизнь удивительно быстротечна, порой неуловима, зачастую мы теряем связь наших поступков и того, что с нами случается, боимся стоять на своём или уступить, заблуждаемся, малодушничаем, а жизнь идёт... Наша жизнь, твоя жизнь, моя жизнь... сколько на самом деле в ней смыслов и граней?!?!
Обязательно посмотрите спектакль "Моя жизнь" по одноимённой пьесе гениального А. П. Чехова в Театре «Школа Драматического Искусства» . Интересная режиссёрская задумка, прекрасная актёрская игра!

Наконец-то, не с первой попытки, смогла попасть в Центр на спектакль Театра Вахтанговский Практикум "Мама, я блогер!". Спектакль популярный, обычно на него аншлаг, так что мне очень повезло с билетами на первый ряд. В зале было много подростков, "классы" - явно организованные группы. Хотя да, тема-то сейчас самая актуальная. И в спектакле играют совершенно прекрасные "дети" - Анна Карабаева (Зоя), Руслан Погодин (Миша), Георгий Шимоненко, их одноклассник.

Очень много молодежного сленга. Так, что сидящие рядом дамы, по-моему, не поняли половину "школьных" диалогов :))) Я по крайней мере знаю слово "кринжовый" - ура мне!

А спектакль очень простой. В хорошем смысле слова. Там нет каких-то (как мне показалось) подводных течений, третьих уровней. Или мне эта сфера так близка, и я живу в этом последние 20 лет? По крайней мере, я точно знаю таких "инста-мамочек", как главная героиня спектакля, блогер София Полянская (блогер) — блистательная (во всех смыслах 😍) Софья Игрушкина. Все эти драмы, борьба за подписки и лайки - шла у меня перед глазами.

Не знаю, интересно ли это все будет тем, кто так сказать не в теме. Со стороны это смотрится, как сборище фриков. Но мы-то все внутри, так что....

Иногда, когда я понимаю, что не знала чего-то, мне становится неловко. И все же, поразмыслив, я понимаю, что знать все невозможно. Но зато можно стремиться узнавать новое. И я стремлюсь узнавать, и театр в том числе мне очень в этом помогает.

Когда я узнала о новой постановке Театра "Вахтанговский Практикум" в ШДИ, я поняла, что срочно нужно идти, тем более, спектакль этот по дневникам Достоевского, которые я еще не читала. Постановка "Дневник Писателя" режиссера Аси Князевой состоит из нескольких рассказов Федора Михайловича, основанных на реальных случаях судопроизводства, которое чрезвычайно его интересовало. Известно, что он с огромным вниманием следил за судебными процессами 60-х - 70-х годов 19 века, и даже в процессе изучения дел обращался за помощью к известным юристам того времени.

Семь историй о первой детской лжи, о преступной жестокости родителей, о нищете, распущенности, порочности и безразличии общества, которых, впрочем, не лишен и наш 21 век. Семь настоящих головоломок, облачающих зрителей в мантии судей для вынесения вердикта "виновен" или "не виновен", и на которые, кажется, и нет однозначного ответа, если посмотреть под определенным углом. Отчасти философские, отчасти саркастические, отчасти драматические, порой даже шокирующие, эти истории затягивают в размышления не только об описываемых Достоевским делах, но и о реальности, в которой находимся, о людях, среди которых живем. И тот гиперболизм, который присутствует в персонажах спектакля, добавляет ощущение какого-то полубреда, как если ты с высокой температурой теряешься - где сон, а где реальность. Это не смотрится глупо, это почему-то вызывает еще больше эмоций, более глубоких, более мощных.

Но есть среди его рассказов один, по поводу которого он написал так: "...я романист, и, кажется, одну "историю" сам сочинил. Почему я пишу "кажется", ведь я сам знаю наверно, что сочинил..." Именно он стал завершающим сюжетом постановки. В отличии от всех остальных, в последнем персонажами были не актеры, а куклы в их руках, но зрители это, кажется, не замечали, не отрываясь наблюдая за голодным замерзшим мальчиком. Почему эту драматическую историю по мотивам рассказа "Мальчик у Христа на елке" режиссер оставил для зрителей напоследок? У меня почему-то возникла ассоциация с историей о спасении Христом своей жертвой всего человечества, но, возможно, я не права. В любом случае, зрители плакали... Так может еще есть надежда на спасение?..

В спектакле очень много интересных режиссерских находок, привносящих толику юмора и легкости, а потому, несмотря на сложный для восприятия материал, подача очень понятная, и спектакль смотрится на одном дыхании. Головокружительные полеты по сцене, рождественское веселье, а в самый неожиданный момент - Раскольников, на несколько секунд появившийся на сцене, - гармонично разряжают атмосферу надвигающихся питерских туч. Легкости способствовала и прекрасная игра молодых актеров: Анны Карабаевой, Сони Игрушкиной, Маши Лисовой, Полины Утукиной, Томы Лаврик, Антона Власова, Гоши Шимоненко, Руслана Погодина. Каждый из них несколько раз меняет свой образ, перевоплощаясь в другого персонажа, а сделать это качественно, перемениться полностью, ой как непросто. Весь коллектив Творческого объединения молод, но очень талантлив, и спектакли их всегда на высочайшем уровне.

Очень хочется отдельно отметить оригинальные костюмы Елизаветы Холмушиной, - нестандартного покроя из разных тканей, в том числе, с уникальным принтом, словно листы рукописей Достоевского перемешали меж собой и отпечатали на ткани. Все предметы одежды, порой весьма в странном сочетании, но все же соответствуют духу времени и по цветовой гамме, и по стилю. Интересное решение, освежающее общую картину, но не идущее вразрез с эпохой Достоевского. Оригинален и грим персонажей, - нарочито масочный, но в то же время близкий к натуральному, он усиливает мимику, и одновременно не мешает погружению в события 19 века. Что касается декораций, то они состоят из экрана позади сцены и семи перемещающихся по сцене окон. Окна, они же двери, служат в спектакле, кажется, порталом для появления и исчезновения людей, окнами, из которых так удобно и в то же время безопасно наблюдать за главными персонажами рассказов и осуждать их, и даже, может быть, зеркалами, отражающими самих смотрящих.

Познакомившись с Театром "Вахтанговский Практикум" около полугода назад, я поняла, что это, как говорится, "мое". И, судя по реакции зала после спектакля и обсуждениям, которые я слышала, в восторге не я одна. Просто о сложном, и наоборот, серьезно о простом, но всегда глубоко и осмысленно, эмоционально и мощно. Это действительно какой-то совершенно особенный, абсолютно неожиданный, поистине уникальный и поразительно интересный взгляд на все. Поэтому теперь мечтаю посетить у них спектакль "Мама, я блогер", а, впрочем, и другие постановки тоже. Искренне рекомендую!

Постановка «О мышах и людях» по повести Джона Стейнбека в Школе драматического искусства – не просто спектакль, это - открытый показ. Я так до конца не поняла, что означают эти слова, но увиденное было очень похоже на театральный эксперимент. Спектакль проходит в Грот-зале. Это репетиционный зал – трансформер, - в антракте зрительный зал и сцена меняются местами. Из-за специфики помещения здесь отсутствует занавес, нет профессионального света и иных технических возможностей. Все строится только на актерской игре. А играть есть что! Замечательно подобраны актеры на пару главных героев Джордж - Ленни. Самый яркий из них – это, конечно, умственно отсталый Ленни, которого играет режиссер и художник спектакля Иван Орлов. Его большой и неуклюжий персонаж и слова-то выговаривает медленно и не совсем внятно. Мне даже понадобилось некоторое время, чтобы привыкнуть к его произношению.
Просто и точно декорации показывают ранчо. И, кажется, что все дальнейшее действие пойдет классически, но тут перед зрителями возникает огромная заячья голова. Затем хозяин ранчо появляется в виде странного существа, в жутком парике и агрессивном гриме. Начинается триллер? Но нет, действие строго придерживается сюжета. А все дело в том, что режиссер смело использует в спектакле разнообразные приемы, давая зрителям возможности для раздумий, проведения параллелей. На сцене появляются деревянная собака и сопровождающий ее скрипач, настоящий живой оркестр, один из актеров попадает в зал прямо из окна, во втором акте мы видим капающий с потолка дождь, в небольшом проеме некое подобие гимнастической фигуры из актеров в противосвете…
Мне показалось, что некоторые моменты были показаны слишком уклончиво, не явно. Во всяком случае, пара, сидевшая рядом со мной и явно не читавшая повесть, не поняла, что Ленни задушил жену Кудряша. Они хихикали, когда Огрызок и Джордж заглядывали за занавес, чтобы по сюжету обнаружить тело. Думаю, на уме у этих людей было совсем иное.
Этот спектакль – интересный творческий эксперимент с режиссерскими находками, идеями и потрясающей актерской игрой. Отсутствие программки и свободная рассадка, причем происходящая дважды – вначале и после антракта, - единственные небольшие минусы этого театрального похода.

О мышах и людях.

Я б назвала этот спектакль – Мечтатели.
Режиссер – Иван Орлов, он же исполняет роль Лени.

Ой, нет, это же Бенедикт Камбербетч. Спутала. Похож
Британскому актеру, кстати, тоже случалось играть подобную роль, «Малыша Чарли» из «Августа. Графство Осейдж». И неплохо получилось, и малыша Чарли тоже любили, таким, каков есть.
У Ивана Орлова с Лени все получилось вообще отлично:
Взгляд, улыбка, неуклюжая походка умственно неполноценного великана, детскость и сила
Когда читаешь повесть Стейнбека, не подозреваешь, что в этом образе может быть такое обаяние.
Лени гладит мышей, щенков, убивая, нежно и бессознательно, почти все на своем пути.
Его мечта – кролики, кормление кроликов люцерной – и оно не вполне амбициозно, с такой силой Лени можно на быков выпускать, по рогам гладить.

В пару Лени по сюжету полагается Джордж, здесь же он Дмитрий Репин, грим Джорджа – белое лицо, подведенные глаза, напоминает о «Тигровых лилиях», Лондоне и ночных (гей) клубах, об этом же, но с сельским колоритом поет скрипка в руках Игоря Корниха.
Похоже, здесь пахнет Англией, а не Америкой 20-ых годов.
Быстренько прощаем этот факт, к чему придирки, когда все так интересно.
И все в этом стиле, собственно.
Вот появляется Хозяин фермы, к которому пришла в поисках заработка странная парочка нищебродов.
Этот Хозяин фермы – трансвестит, немного наоборот (вновь видим ночные гей клубы, Лондон, дитя порока, и пр.…), Екатерина Аликина как нормальный такой сельский хозяин полей, конюшен и огородов выходит: в ярком макияже, бусах – фальшивый жемчуг, пиратских штанах, черном парике и разговаривает с наемной рабсилой как полагается, грубо.
Открываем рот.
Что ж такое-то?? Пролетарская социальная драма, говорите?
С нетерпением ждем жену Кудряша - Алину Чернобровкину – и она ожидания оправдывает на сто процентов.
Рыжая бестия. Ренессанс. Идеальная модель для прерафаэлитов. Офелия, о помяни..
Тем временем, жена Кудряша занята, по ходу пьесы, довольно непристойной деятельностью, а именно, преследованием мужиков, неэффективным, причем (никому ничего от нее не надо), и все в погоне за своей мечтой.
Скучающая домохозяйка. Да. До секса в большом городе еще весьма далеко.
И хоть на месте Голливуда до 1870 и процветало сельское хозяйство и выращивание зерновых, но в те времена, начало 20 века, кинокомпании уже работали успешно, так что не такой уж бред – ее мечта - актерская карьера.
Однако не в Голливуде, а в руках Лени закончилась печальная жизнь гонимой низменным инстинктом жены Кудряша, и это был хореографический этюд, красивый, выразительный и эмоционально беспощадный.
Кудряш – Федор Леонов- просто офигенно пел, во втором действии, после антракта. Музыка в спектакле – отмечу- вообще незаурядная.
Однорукий – Ян Гахарманов, запомнился недостижимой мечтой объединиться с парой безвредных работяг, работать и жить с ними вместе в собственном доме, менаж а труа.
И еще раз про Екатерину Аликину, как Негра уже.
Сцена с угнетаемым существом (негр ли, женщина ли) в каморке показалась затянутой. Все эти стенания и театральный пафос, белая рубашка Пьеро и крики затравленной лани ведут к внутреннему протесту против любого вида хижины дяди Тома.
Я бы вырезала. Хотя целиком и полностью за права женщин и негров в нашем мире.

Если выразиться общими словами – горячо рекомендую видеть спектакль.
Страсть как увлекательно.

"Мертвые души" в Школе Драматического искусства

В Гайдаевских Двенадцати стульях Киса и Ося смотрят спектакль "Ревизор": помните там девушки торжественно выносят вожделенные стулья на сцену. На сколько я помню, это была пародия на спектакль Всеволода Мейерхольда, и, не смотря на явную пародийность эпизода, я сразу подумала, что вот именно такой спектакль мне бы хотелось посмотреть. Многое с тех пор было увидено, но не случалось попадания в запомнившийся образ. И! Наконец-то! Случились "Мертвые души" в Школе Драматического искусства, постановка Игоря Яцко. Есть в них раскованность и острота конструктивизма, мейерхольдовские гротеск и биомеханика, а так же неожиданность каждой мизансцены. Как вам, например, Коробочка в образе эдакой провинциальной Femme Fatale и Манилов-денди? Или Ноздрев не атлетичный и вальяжный усач, а гуттаперчевый живчик , тарахтящий гоголевский текст со скоростью пулемета и скачущий по сцене как баскетбольный мяч? Зрителям на этом спектакле приходится нелегко: на них одновременно вываливаются тонны текста, пляски, романсы и трехмерное использование пространства.Не знаю как у других, но моя голова пошла кругом уже минут через пять, но буйство действия не давало ни на минуту отвлечься. Может быть от этого перенасыщения и усталости, второе действие уже пошло тяжеловато, собственно для меня вершиной спектакля стала сцена с Ноздревым, завершающая первое действие, даже мелькнула мысль, что лучше уже быть не может и надо уходить, но врожденное любопытство заставило остаться до конца.
P.S. К моему окончательному восторгу спектакле, как и в фильме, были девушки выносящие... нет, не стулья, а коробочки - конечно же в сцене с Коробочкой!

Сюзанна

"Сюзанна" это второй спектакль по пьесам норвежского драматурга Юна Фоссе который мне довелось увидеть и кажется я начинаю понимать особенности его творчества. Пьесы Юна Фоссе представляют из себя спираль: действие идет по кругу, постоянно повторяются одни и те же монологи, но эта кажущаяся монотонность как буравчик ввинчивается в мозг, заставляя зрителя все глубже погружаться в существование героев. А в "Сюзанне", поставленной Александром Огаревым в театре "Школа драматического искусства" действие еще и не выходит за пределы квартиры, в которой заперлась на восемь лет вдова знаменитого писателя Хенрика Ибсена. Вся ее жизнь теперь состоит только из воспоминаний о покойном муже, она постоянно вспоминает то его любовниц, то первое знакомство, до день рождения сына и опять, и опять по кругу. Сюзанна и понимает и не понимает, что Ибсен умер. То ей кажется, что он работает в соседней комнате и сейчас войдет, но следующая мысль уже о том, что его нет, а затем опять мучительные воспоминания о любовнице и незаконном ребенке, о полунищей жизни и праздновании дня рождения сына. Сюзанна в спектакле присутствует в трех возрастах: Сюзанна в возрасте — Евгения Симонова, Сюзанна средних лет — Александрина Мерецкая, Сюзанна молодая — Алиса Рыжова. Они существуют одновременно, вспоминают одновременно и каждый раз об одном и том же, и эта мучительная спираль может привести только к смерти.

Вишневый сад. Школа драматического искусства. 12.05.2018.

Уж сколько я видела инсценировок последней пьесы Чехова...
И каждый раз Епиходов ломает кий, Петя падает с лестницы, Гаев ведет беседы с «многоуважаемым шкафом», Раневская рвет телеграммы из Парижа, Шарлотта показывает фокусы... Всё то же самое, но и — совсем иное.

За исключением постановок, на которых было до зевоты скучно, переведенная на сцену пьеса раз за разом дает мощнейший толчок для переживаний (сопереживаний) и размышлений... и каждый раз сопереживаешь и размышляешь в совершенно новом для себя направлении.

Спектакль в ШДИ, который понравился и мне, и другим зрителям (прислушалась к разговорам на выходе из зала), я, тем не менее, не смогла собрать во что-что единое.
Он для меня — как яркие бусины характеров и слов, нанизанные на нитку чеховского сюжета.

Тут и старое с новым, которое никак не могут ужиться в одном времени и пространстве (при этом новое готово к диалогу, но старое словно уши заткнуло и глаза закрыло).
Тут про то, что, добившись того, о чем мечтал долгие годы — словно на вершину взобравшись — человек может остаться там в абсолютном одиночестве. И стать несчастным.
Тут и отчаяние: нет прошлого, нет будущего, и даже паспорта нет... И куда же теперь, если ты на всём белом свете никому не нужна?
Тут и очень современный «#поравалить» - Яша. Ничего не умеет, ничего не хочет делать, не имеет ни таланта, ни души — но вдохновенно клеймит российское «невежество» и скудность быта.
Тут и еще один представитель современного общества — Петя Трофимов. Очаровательная («щучья») улыбочка — и этот деятель вовсю пропагандирует «вся Россия — НАШ сад». Вот разрушим всё до основанья, а затем... При этом — можно не работать, не учиться... да ничего не делать, просто указывать другим направления движения... и быть при этом вроде бы даже «героем».

Но при этой кажущейся «лоскутности» спектакль получился интересным и… очень цельным.
Впрочем, любой из нас живет вот так: яркий лоскуток веселья… серый лоскуток беды… рваный лоскуток нездоровья… А в итоге – целая (и цельная жизнь).

***
У спектакля хорошо сделанное начала (этакая эффектная виньетка, с которой приятно начинать чтение/смотрение. Издалека доносится шум поезда – наверное, того самого, который проспал Лопахин, того, что привез Раневскую, Аню и Шарлотту – шум приближается, и вот уже паровоз с грохотом и свистом проносится совсем рядом с нами…

И финал у спектакля очень интересный. Снимаются и пакуются рамы со стеклами (сначала в них вроде бы заглянули цветущие ветки вишни, а потом – туман), а затем… Совершенно неожиданно мы, зрители, оказываемся внутри заколоченного дома под снос – вместе с Фирсом.
Кстати, Фирс в исполнении Олега Охотченко для меня был лучшим актером, игравшим в ШДИ-В.саде.

"Председатели земного шара" - это постановка Александра Огарева по пьесе Ольги Погодиной-Кузьминой. Как заявлено на сайте театра - это "пьеса-путешествие по судьбам двух поэтов: Маяковского и Хлебникова, объединенных футуристической молодостью и небывалой поэтической амбицией, заявленной в совместном манифесте — стать в прекрасном будущем председателями земного шара. Трагический дайджест о великанах духа и о безумной мечте о красивом, освобожденном человечестве".
Прежде всего, спектакль "Председатели земного шара" оказался созвучен мне тем, что его герои хотели менять мир творчеством - хотели и меняли. Следует отметить, что в постановке есть не то, чтобы откровенные, но провокационные сцены, которые, тем не менее, ничуть не отступают от исторической правды, ведь в задачи Маяковского и Хлебникова (а также многих других творцов той эпохи) входило шокировать публику с целью расшатать привычную картину мира и дать новую, а точнее даже увлечь в новый мир.
Кроме того, "Председатели земного шара" подтолкнули меня к тому, чтобы чуть иначе взглянуть на Маяковского и Хлебникова. При всем моем интересе к этим фигурам, Маяковского я воспринимала, скорее, как трибуна революции, а Хлебникова как юродивого от поэзии, говорившего на языке зауми. Спектакль же сделал для меня эти фигуры более выпуклыми, более живыми. Мы никогда доподлинно не узнаем, какими были и Хлебников, и Маяковский при жизни (ни одно свидетельство современников все равно не заменит личных наблюдений), но постановка "Председатели земного шара" показала их нам именно живыми людьми.
И, пожалуй, самое главное, что я вынесла для себя из спектакля - это то, что для перешедших в вечность (а Маяковский и Хлебников перешли в вечность) смерти нет, и они продолжают направлять и поддерживать живущих, продолжают транслировать те идеи, которые через край переполняли их, заставляя называть себя председателями земного шара, поскольку на меньшее они были не согласны.

Председатели земного шара

Иногда случается так, что сразу после начала спектакля начинаешь мучиться и прикидывать сможешь ли досидеть до конца, а потом вдруг в организме переключается какой-то тумблер, запускается процесс, засасывающий тебя в подпространство, а когда выныриваешь, то с сожалением понимаешь, что спектакль уже закончился и пролетел он как единый вздох. Именно это и произошло со мной на «Председателях земного шара» в театре «Школа драматического искусства». Причем завораживающее действие оказывали и текст, и музыка, и игра актеров, но основной гипнотический эффект у меня возникал от подвижного диска сцены, который, то проваливался в колодец, затягивая с собой взоры зрителей, то поднимался до первого яруса, максимально приближая к нам персонажей, с их жизнями и судьбами. Спектакль о жизни двух поэтов Маяковского-футуриста и Хлебникова-будетлянина - в разнице названий одного и того же явления и прочитывается разность судеб, разность жизненных позиций: активная у Маяковского и созерцательная у Хлебникова. Значительная часть спектакля посвящена именно Маяковскому, представленному в разных своих ипостасях: бунтаря, лирика, донжуана, безоглядно влюбленного и от любви погибающего, а Хлебников проходит лишь тенью по краешку спектакля, оставаясь неразгаданным, непонятым и умершим в глуши. Но в финале они возникают рядом, плечом к плечу, вознесшись над сценой, жизнью и бытом, как истинные Председатели Земного Шара. А внизу остаются их спутники по жизни. Мария – собравшая в себе всех женщин, любивших Маяковского, и позабытых им на стремительном пути. Лилит – нет, не Лиля Брик, а именно Лилит – «бывшая» праотца нашего Адама и ставшая, а может и бывшая всегда, злым демоном, мучающим мужчин. Профессор, по совместительству Осип Брик, с холодным носом наблюдающий горящие вокруг него страсти. И наконец Муза – трепетная и почти бестелесная, желающая спасти поэтов, но не имеющая для этого сил.
Спектакль поставлен Александром Огаревым по невероятно прекрасной пьесе Ольги Погодиной-Кузьминой и сыгран талантливыми актерами «Школы драматического искусства»

Очень интересный, экспериментирующий театр. Основан Анатолием Васильевым. Сейчас там работают режиссеры с очень разными средствами выразительности. Всем, кто не боится нового в искусстве, однозначно стоит познакомиться с этим театром. Но и приверженцы традиций найдут для себя что-то менее авангардное..